Club 7 Cinema

La història al darrere de l’smartphone Blackberrey ha encetat amb força bon peu la competició de la Berlinale 2023, en una jornada farcida de projeccions, entre les quals, la de la coproducció catalana “Matria”, primer llargmetratge -per cert, en gallec- d’Álvaro Gago.

Molts documentals s’han programat en aquesta edició del Festival. Avui se n’han vist tres: el de Sean Penn i Ucraïna, un sobre la vida a un poblet al nord de Mèxic i un sobre Joan Baez.

A més, una adaptació de Henry James, un film que segur que serà a Sitges 2023…

Competició.

BlackBerry, de Matt Johnson, producció del Canada, 2023, amb Jay Baruchel, Glenn Howerton, Matt Johnson, Cary Elwes, Saul Rubinek.

Sinopsi: Dos emprenedors que no coincidien, l’innovador intel·lectual Mike Lazaridis i el ferotge home de negocis Jim Balsillie, van unir forces en un esforç que es convertiria en un èxit mundial en poc més d’una dècada. El dispositiu que un d’ells va inventar i l’altre va vendre va ser el BlackBerry, un telèfon mòbil addictiu que va canviar la manera com el món funcionava, jugava i es comunicava. Però just quan el BlackBerry assolia nous cims, també va començar a perdre el camí per la boira de les guerres dels telèfons intel·ligents, la indecisió de la gestió i les distraccions externes, que finalment van portar a la ruptura d’una de les empreses més reeixides de la història del món tecnològic i empresarial.

Algunes reaccions.

Gerard Casau ha piulat: La maledicció de ‘Blackberry’ seran les comparacions amb ‘La xarxa social’. Matt Johnson no arriba a aquesta dimensió simbòlica, però sí que consola els orfes de ‘Halt and Catch Fire’, que no és poc. Xavi Serra, a la seva crònica al diari Ara: (..) La història de com els dos amics i un home de negocis desesperat per triomfar (Jim Balsillie) van conquerir el món amb el primer telèfon estrella del segle XXI s’explica amb nervi, suspens i sentit de l’humor (..) Comparteix la fascinació de pel·lícules com “La xarxa social” o la sèrie “Halt and catch fire” per la rebotiga dels grans canvis tecnològics de les últimes dècades i, sobretot, per l’enorme fragilitat psicològica i emocional de les persones que els van fer possibles (..) Posada en escena estripada i caòtica (..) Tot i que irregular i passada de voltes, “Blackberry” acaba fent-se estimar per l’energia frenètica que desprèn i l’humor àcid que impregna el seu retrat del Silicon Valley canadenc, que també serveix de crònica dels excessos de l’última època d’optimisme econòmic (..). Etan Evlessing, a The Hollywood Reporter: Jay Baruchel i Glenn Howerton protagonitzen el drama tecnològic de Matt Johnson sobre la vida real dels pioners canadencs de les telecomunicacions que van dominar el mercat mundial de telèfons mòbils, només per ser víctimes cegament de la seva pròpia tossuderia (..) Però el director Matt Johnson (..) ha optat per no representar el dramàtic descens a l’obsolescència de RIM. La seva pel·lícula té poc dels drames comercials habituals, com ara enfrontaments de sang i fetge entre executius que tramen pels passadissos i posen l’espasa als rivals mentre la nau mare s’enfonsa (..). Peter Debruge, a Variety: (..) frenètic, irreverent i entranyablement descarat, gira a la comèdia des del començament i, posteriorment, l’apagada “d’aquell telèfon que la gent tenia abans de comprar un iPhone”, com diu un personatge (..) Es tracta d’una història canadenca, explicada per cineastes canadencs, que tracten tot l’assumpte idiota com una qüestió d’orgull nacional (..) Però “BlackBerry” és sorprenentment benèvola amb les parts implicades, reconeixent que aquests visionaris, tot i que s’inventaven a si mateixos a mesura que avançaven, van aconseguir canviar la manera en què el món es comunica. Prenent una pàgina de “La xarxa social”, segueix aquests dos millors amics massa educats a través del timbre, mentre intenten mantenir la seva amistat enmig de la pressió financera que imposa la gestió d’una empresa tecnològica d’èxit (..). José Luís Losa, a La Voz de Galícia: (..) és pur cinema de la fórmula d’ascens i caiguda d’un imperi econòmic, a la jungla de nerds i taurons a la manera de Wall Street de la primera sèrie de telèfons intel·ligents, abocada al col·lapse amb la irrupció de Steve Jobs. És essencialment correcta. Però res hi pinta, com a artefacte comercial de la Paramount, competint a la Berlinale. Sergi Sánchez, a Facebook: (..) explica l’auge i la caiguda de l’avi dels smartphones en clau documental (..) Pretén reeditar els èxits de “La xarxa social”, s’enfonsa veloçment en la seva pròpia inanitat quan l’espectador descobreix que no hi ha res més enllà de la sinopsi.

The Survival of Kindness (Das Überleben der Freundlichkeit), de Rolf de Heer, producció d’Australia 2022, amb Mwajemi Hussein, Deepthi Sharma, Darsan Sharma.

Sinopsi: Enmig del desert, BlackWoman és abandonada en un remolc, en una gàbia. Els seus captors l’han deixada morir. Però ella no està preparada per anar-se’n. S’escapa, i camina a través de la pestilència i la persecució, del desert a la muntanya a la ciutat, per trobar… més captivitat. Els responsables són reticents a renunciar als seus privilegis, i BlackWoman, tornant a escapar-se, ha de trobar consol en els seus inicis.

Algunes reaccions.

Wendy Ide, a Screen International: El drama al·legòric sense paraules de Rolf de Heer explora els seus temes en paisatges salvatges i il·limitats; en imatges crues d’odi i violència; i en malalties i sang. Gerard Casau ha piulat: A ‘The Survival of Kindness’, el reaparegut Rolf de Heer no necessita paraules (intel·ligibles) per fer comprensible la seva faula distòpica. El que és important és treballar l’expressivitat del rostre i d’un paisatge australià idoni per al post-apocalipsi. Xavi Serra, a la seva crònica al diari Ara: (..) un relat en clau metafòrica sobre l’estat del món a partir de l’odissea d’una dona negra tancada en una gàbia que és portada al desert i abandonada a la seva sort. Sense diàlegs intel·ligibles –només balbuceigs o frases en llengües inventades–, la pel·lícula s’aferra a la lluita per sobreviure de la protagonista i la segueix a través de deserts i muntanyes en un recorregut que sembla gairebé un videojoc abstracte, ja que al seu pas va trobant objectes que ha de recollir i obstacles que ha de superar. La proposta comença a perdre força a mesura que el director Rolf de Heer es desentén de la peripècia física i potencia la dimensió al·legòrica del film (..). David Rooney, a The Hollywood Reporter: (..) ha barrejat l’al·legoria lírica amb el naturalisme i les convencions de gènere, el docudrama etnogràfic amb el conte moral i les tradicions de narració aborígens per reivindicar la dignitat dels indígenes australians i denunciar les injustícies de la colonització blanca (..) Torna al tema del racisme, aquesta vegada com un poema de to minimalista totalment sense diàlegs intel·ligibles, els seus personatges clau identificats als crèdits només com BlackWoman, BrownGirl i BrownBoy. La visió distòpica s’enfronta a paisatges de gran bellesa que són reconeixiblement australians però clarament abstractes en la seva representació del lloc i el temps (..). Jessica Kiang a Variety: Segurament és Austràlia. Però podria ser a qualsevol lloc on el sol estigui prou calent com per coure la terra en trams il·limitats de llambordes esquerdades. Probablement és un passat recent alternatiu. Però podria ser qualsevol període de la història humana en què la humanitat s’hagi dividit en categories d’opressors i oprimits. L’aspecte més destacable de l’elegíaca i elemental ‘The Survival of Kindness’ de Rolf de Heer és que és una al·legoria tan directa que resulta òbvia, explicada amb un estil tan espartà que resulta opac. No es parla ni una síl·laba de llenguatge intel·ligible, però l’angoixa coral de generacions sotmeses a la crueltat colonial sona fort a través de cada marc sense paraules. José Luís Losa, a La Voz de Galícia: La secció oficial de la Berlinale va arrencar afinada amb Rolf de Heer i la seva obra “The Survival of Kindness”. Hi reprèn el leit-motiv del seu cinema: els crims contra la població aborigen australiana des de la colonització fins al present. I cap al futur, si atenem a la seva reformulació d’un altre paisatge posapocalíptic, aquest depurat per De Heer amb la seva pel·lícula excel·lent (..) Per sobre de categories de cinema de gènere. Sergi Sánchez, a Facebook: (..) presenta una societat derrotada per una malaltia que li ha pres el llenguatge i l’ha tornat a una mena d’atavisme tribal, on els opressors porten màscares de gas i els oprimits pertanyen a minories ètniques (..) Sap construir una atmosfera pertorbadora, on la imatge de la bondat ha d’acceptar el fracàs de la humanitat en un viatge per deserts nihilistes i boscos petrificats (..).

Irgendwann werden wir uns alles erzählen (Someday We’ll Tell Each Other Everything), d’Emily Atef, producció Alemanya 2023, amb Marlene Burow, Felix Kramer, Cedric Eich.

Sinopsi: Una granja a la frontera alemanya que fa poc va deixar de ser una frontera, l’estiu de 1990. Els familiars d’Occident fan visita i tothom està fent camí en aquests nous temps incerts, mentre la vida quotidiana transcorre amb la calor de l’estiu. En Son Johannes ha convertit les golfes de la masia en un refugi per a la seva xicota, la Maria, i ell mateix. La Maria està llegint Dostoievski i vaga pels prats, dedicada a la recerca del sentit de la vida. La seva trobada amb en Henner, un veí molt més gran, es converteix en el seu camp de proves, que l’atrau com el destí. Es podria dir que s’esdevé un amor tràgic.

Algunes reaccions.

José Luís Losa, a La Voz de Galícia: (..) tracta del desig culpable en la passió purament sexual que viu una jove amb un granger gran en el moment en què l’Alemanya que ells habiten —el règim comunista de l’Est— acaba de desaparèixer. És suggestiva aquesta plasmació de l’amor i la pèrdua o la tragèdia associada a dos éssers que veuen desaparèixer el món que han conegut i acceptat, mentre al seu voltant se celebra la fanfàrria de l’Alemanya reunificada. Peter Bradshaw, a The Guardian, li posa 4 estrelles sobre 5 i en diu: La nova pel·lícula d’Emily Atef és una història d’obsessió eròtica i desesperació a les terres de conreu de Turíngia, al costat oriental de la frontera interna d’Alemanya, ara desapareguda: és l’estiu de 1990, els últims moments històrics de la RDA. Aquesta és una pel·lícula que planteja la possibilitat que Alemanya encara no hagi acabat de passar comptes amb el trauma eufòric de la caiguda del mur de Berlín. Atef troba alguna cosa de mític, tràgic i romàntic en la gran ruptura curativa (..) La pel·lícula d’Atef tracta sobre la ira, el poder i la submissió en el sexe, el dolor no reconegut en el desig i el plaer, la ràbia masculina i l’autoodi. També tracta de com l’experiència sexual té una dimensió política i històrica misteriosa, una dimensió que la pot fer lletja (..). Guy Lodge, a Variety: (..) De fet, el més interessant del retorn de la cineasta d’origen alemany Atef al seu territori, després d’una estada de direcció a “Killing Eve” de televisió i el romanç predominantment francès “More Than Ever” de l’any passat, amb Vicky Krieps i el difunt Gaspard Ulliel, és la seva carnalitat franca, de vegades sense disculpes. En representar una relació que comença com una mena d’atracció animal instintiva abans d’aprofundir en alguna cosa més emotiva, aquesta adaptació de la novel·la de Daniela Krien del 2011 entén el poder convincent (i, sí, de vegades, de propulsió d’històries) del tacte físic cru i les maneresque les persones poden conèixer-se significativament a través de la pell i la suor abans que res (..). Jordan Mintzer, a The Hollywood Reporter: La reunificació d’Alemanya com a teló de fons per a dos cossos atractius que s’uneixen una i altra vegada és una manera de resumir “Someday We’ll Tell Each Other Everything”, que la directora Emily Atef ha adaptat de la popular novel·la de Daniela Krien del 2011. El problema d’aquest drama rural ben fet, ben representat i exagerat és precisament aquest: el que és interessant no és la condemnada història d’amor entre una bella noia de 19 anys i un camperol del més del doble de la seva edat, en una història que és com si de “Lady Chatterley” es trobés amb “Cinquanta ombres de Grey” a l’antiga RDA. És tot el que la pel·lícula te per dir sobre la família en dificultats i la comunitat agrícola que li serveix d’escenari, durant un període just després de la caiguda del mur de Berlín (..). Gerard Casau n’ha piulat: La discussió de ‘Someday We’ll Tell Each Other Everything’ se centrarà en la seva sexualitat potencialment problemàtica, però és temptador llegir-hi el dilema que la protagonista té entre els seus dos amants com un pols entre futur i passat durant la reunificació alemanya.

Berlinale Special.

Superpower, de Sean Penn, Aaron Kaufman, producció USA 2022, Documental

Comentari del Festival: Quan els directors Sean Penn i Aaron Kaufman van començar a filmar “Superpower” a principis del 2021, una invasió a gran escala d’Ucraïna per part de Vladimir Putin era una amenaça imminent, encara que aparentment llunyana. Penn i Kaufman van viatjar a Ucraïna per saber més sobre Volodymyr Zelensky, l’actor i còmic que va interpretar un improbable candidat presidencial a la televisió abans de convertir-se en l’autèntic president d’Ucraïna, i que en aquell moment era conegut principalment pels nord-americans per rebutjar els intents de coacció en l‘escàndol Trump-Ucraïna del 2019 que va donar lloc a l’impeachment i l’absolució posterior del president Donald Trump. Però el 24 de febrer de 2022, mentre Penn i Kaufman filmaven a Kíiv, la invasió de Putin va agafar el món per sorpresa. Quan les explosions sacsejaven la ciutat, es van convertir involuntàriament en testimonis de primera fila d’aquesta històrica lluita de “David i Goliat”. Penn va realitzar la primera de les múltiples entrevistes amb Zelensky la nit de la invasió i, profundament afectat pel que va presenciar a Kíiv i durant el viatge de l’equip de la pel·lícula a la frontera, es va convertir en un ambaixador no oficial d’Ucraïna i el seu improbable líder.

Algunes reaccions.

Jordan Mintzer, a The Hollywood Reporter: L’actor i activista de Hollywood narra la invasió d’Ucraïna per part de Rússia sobre el terreny, incloses tres entrevistes exclusives amb el president Volodymyr Zelensky (..) El fum de la guerra és tan espès que és difícil per a qualsevol de nosaltres veure-hi i, en aquest sentit, el documental (..) ens serveix com a informació decent sobre com va començar el conflicte, què hi ha en joc i quins segueixen sent els actors clau, amb un enfocament especial en l’improbable heroi del president d’Ucraïna, Volodymyr Zelensky.  Però després d’assistir asseguts a l’exposició durant dues hores, potser ens podríem enganyar i pensar que un altre actor clau en la guerra és el mateix Penn, de tant com l’estrella de Hollywood és present en gairebé totes les escenes de la pel·lícula que no inclouen arxiu (del qual n’hi ha força) (..). Manori Ravindran, Ramin Setoodeh, a Variety: (..) No només va aconseguir aquesta entrevista [amb Zelensky], sinó que va continuar tornant a Ucraïna un total de sis vegades per registrar la crònica dels horrors de la guerra (..) Penn subratlla les mancances dels Estats Units per donar suport a Ucraïna en la guerra. Zelenskyy, que se sent cada cop més còmode amb l’actor guanyador d’un Oscar en una sèrie d’entrevistes, revela les seves frustracions per la manca de suport en forma d’armes d’alt impacte rebudes de l’administració Biden (..). Xavi Serra n’ha piulat: (..) no és un documental sobre Zelenski i la Guerra d’Ucraïna sinó sobre Sean Penn, l’estrella de Hollywood que es posa al servei d’una causa noble i justa. Narcissisme sense límits i molta vergonya aliena en alguns moments (..) També hi apareix gent intel·ligent amb coses interessants a dir però el documental els talla de seguida per mostrar alguna imatge de Penn preocupat i assentint o dient obvietats. La quantitat de plans de l’actor que hi ha al documental és inimaginable (..) Ah, i Sean Penn deu ser el pitjor entrevistador de la història. Serra, ho remarca a la seva crònica pel diari Ara: (..) L’escena és un exemple del llenguatge televisiu amb què està realitzada la pel·lícula però sobretot del narcisisme que impregna aquest monument a l’egolatria d’una estrella inflamada de protagonisme i enamorada de la seva pròpia imatge de defensor d’una causa justa (..) “Superpower” malbarata el seu potencial atorgant el protagonisme a un actor de Hollywood de 62 anys que no para de fumar i beure, i no a un poble que lluita amb coratge contra un enemic superior. Jonathan Romney, a Screen International: Tenint en compte la cobertura informativa i sòbria que ha generat la guerra fins ara, és difícil imaginar que els espectadors es beneficiïn realment d’aquesta peça de ritme frenètic i incòmodament narcisista. José Luís Losa, a la seva crònica a La Voz de Galícia: (..) I trobes que sí, que en efecte Sean Penn sent que per una vegada és al costat bo de la història. La seva visceralitat es correspon amb la política general d’Occident i del seu país, respecte del qual tantes vegades s’ha posicionat com a dissident. Però també vas veient de seguida que, en realitat, el director conegut com a Sean Penn ha anat a Ucraïna a mostrar-nos no els desastres de la guerra sinó el que sent davant seu el personatge del mateix nom (..). Sergi Sánchez, a Facebook: (..) En el decurs del metratge es produeix una curiosa inversió de rols: si, d’una banda, “Superpower” explica com el còmic d’una popularíssima ‘sitcom’ s’ha convertit en un president que s’ha guanyat la confiança del poble ucraïnès, que el va votar amb escepticisme, per un altre cantó certifica com un actor que abandera la seva consciència política com a signe d’identitat ha acabat sent el protagonista d’una sitcom involuntària orquestrada per ell mateix, la paròdia d’un narcisista convençut del seu futur messiànic (..).

Encounters.

El eco (The Echo / Das Echo), de Tatiana Huezo, producció Mèxico / Alemanya, 2023. Documental.

Sinopsi: Una mare jove corre per un prat de muntanya amb els seus fills i salven una ovella que s’ofegava. Una noia cuida la seva àvia gran amb tanta tendresa que tens ganes de plorar, mentre una altra practica com a professora amb el to de veu just i les nines alineades davant seu com a alumnes voluntaris. Els pares són majoritàriament absents: com a treballadors de la construcció o comerciants, poques vegades comparteixen la vida quotidiana amb les seves famílies. A El Eco, un poble remot del nord de Mèxic, la vida consta de les coses més elementals. Ser nen aquí és una experiència intensa des del primer dia, que implica la natura, els animals i les persones. Però també l’amor, la intimitat, la malaltia i la mort. I l’educació, almenys per a la generació més jove.

Comentari del Festival: Tatiana Huezo s’ha fet un nom com a documentalista sensible i poètica (..). Acompanyant a tres famílies en el seu nou treball, la noció de deambulació esdevé un principi informador mentre teixeix de manera brillant una sèrie de cares i gestos en un calidoscopi sense pretensions. Gairebé casualment, retrata el matriarcat que treballa en la cura d’un país conegut pels seus innombrables segrestos de dones i nenes. Una tendra pel·lícula que celebra tant la gràcia dels animals com la dels nens d’aquesta terra.

Algunes reaccions.

Wendy Ide, a Screen International: L’últim documental de la cineasta mexicano-salvadorenca Tatiana Huezo és el retrat íntim i immersiu d’una forma de vida explicada a través dels ulls dels joves que poques vegades la qüestionen.

Panorama.

Matria, d’Álvaro Gago, producció Espanya, 2023, amb María Vázquez, Santi Prego, Soraya Luaces, E.R. Cunha “Tatán”, Susana Sampedro. Opera prima.

Sinopsi: La vida de Ramona en un poblet pesquer gallec és una agitació constant. Fa malabarismes amb múltiples feines per mantenir-se i proporcionar un futur millor a la seva filla de 18 anys. Però quan la noia està preparada per emancipar-se, Ramona s’adona que, per primera vegada, pot fer alguna cosa per a si mateixa.

Comentari del Festival: El primer llargmetratge del director Álvaro Gago és un retrat vibrant d’una dona que, després d’anys en el paper de mare, s’adona que és hora de fer alguna cosa per ella mateixa. María Vázquez en el paper principal ens captiva amb el seu encant rude i la seva embriagadora naturalesa impulsiva.

Algunes reaccions.

José Luís Losa, a la seva crònica per a La Voz de Galícia: Una gran Maria Vázquez brinda a «Màtria» l’orgull i la fúria dels perdedors. El film d’Álvaro Gago, ben acollit a la secció Panorama de la Berlinale. Es presenta “Matria”, des d’allò rotund del mateix títol, com una pel·lícula de dona, d’actriu (..) Tot “Matria”, el seu pols, les sístoles i les diàstoles dramàtiques, neixen del braceig en moviment perpetu del personatge de l’actriu i de la seva quixotesca lluita contra un món que li és hostil (..) Álvaro Gago serveix amb solvència narrativa aquesta marató del fàstic. Aconsegueix que es respiri extenuant i porta la seva agonista a un cul de sac resolt amb la mateixa netedat allunyada de qualsevol truculència malbaratadora que és l’honest hàbitat de “Matria”. I la feina de María Vázquez és tan exigida que la porta a actuar com a poderosa força centrífuga (..) En aquesta exposició absoluta —ella ocupa gairebé cada pla dels cent minuts de “Matria”— hi cap el risc de la sobreactuació. I és un acte de gran noblesa actoral la manera com Vázquez voreja en ocasions aquest perill per sortir-ne indemne i focalitzar en l’intensitat del seu registre la cerimònia del dolor fet veritat amb el qual la pel·lícula d’Álvaro Gago connecta des del territori d’Arousa amb el llenguatge universal dels irredempts però mai lliurats. I de la fugida com a únic camí per escapar del remolí perfecte (..). Sergi Sánchez, a Facebook: (..) esplèndida María Álvarez (..) Ramona és gallega. Hi ha el mite de la societat matriarcal gallega, a la qual el títol al·ludeix sense dissimular. “És un mite completament fals, i la idea del títol és posar-ho en crisi”, afirma Gago (..) “Quan vius fora, t’ho creus, però aquest mite de la dona gallega, poderosa en allò social, polític i familiar, està molt lluny de la realitat. La dona que té cura de tothom, que fa cap a tot, s’associa amb una imatge de fortalesa quan, de fet, només hi ha opressió en aquesta fortalesa (..)” (..) “D’altra banda, la societat gallega sempre ha tingut més vincles amb societats cèltiques, basques i germàniques, que es consideraven matriarcals” (..) En el realisme despullat, nerviós, de “Màtria”, és fàcil detectar la petja dels Dardenne. “Impossible no pensar en totes les seves pel·lícules, i en els seus llibres”, confessa Gago, que també cita el fotògraf Virgili Vieitez i la pintora Maria Antònia Dans com a influències. I segueix: “Però no només em quedaria amb els Dardenne. També amb els autors del Free Cinema, especialment els primers documentals de Lindsay Anderson, Karel Reisz i Tony Richardson. Amb “Jeanne Dielman” de Chantal Akerman, a qui homenatjo en un pla, i amb “Morvern Callar”, de Lynne Ramsay, en un altre. Amb el Neorrealisme italià, de Visconti i De Sica. Amb Jonas Carpignano, el director de “A Chiara”. Gago assenyala també com a referents les persones reals en què es basen els personatges, perquè no se’ns oblidi que la vida, i no només la ficció, alimenten “Matria”(..). Jon Holl, a Screen International: Els reptes i les tribulacions d’una mare soltera d’uns 40 anys estan sotmeses a la mirada rigorosa i compassiva del director Álvaro Gago en el seu intens debut en el llargmetratge en llengua gallega. Marta Balaga, a Cineuropa: (..) una altra pel·lícula en què l’ansietat goteja de cada fotograma directament a la teva falda. Una pel·lícula on veure una dona normal intentant arribar a final de mes t’accelera el pols. És difícil de dir per què, ja que Álvaro Gago mostra una existència força normal a “Matria” Però aquesta lluita constant, la por constant de quedar-se sense temps i diners, és tan pertinent que, amb una altra banda sonora, es llegiria com un pur thriller (..) [Ramona] no té ni un minut per perdre, ni temps per a ella mateixa i, com era previsible, ningú se n’adona. Viu en un poble de pescadors gallec i fa malabars amb diversos fronts, però encara no té seguretat econòmica, ni molt menys. L’any passat, una celebritat rica va dir a les dones que “aixequessin el cul i treballessin”. Tot i això, aquesta és la cosa: ho fan. Molt. I encara no paga prou per tenir realment una vida (..). Maria Cusó Serra ha piulat: (..) amb una Maria Vázquez que mereix tots els premis del món. Un tribut a la resiliència de les dones treballadores.

La Bête dans la jungle (The Beast in the Jungle), de Patric Chiha. Coproducció França / Bèlgica / Àustria 2023, amb Anaïs Demoustier, Tom Mercier, Béatrice Dalle, Martin Vischer, Sophie Demeyer.

Sinopsi: El club com un lloc d’infinites (im)possibilitats. Un home i una dona hi esperen junts durant 25 anys que es produeixi un esdeveniment misteriós i canviant. Del 1979 al 2004: del disco al techno. Una història d’amor i una obsessió.

Comentari del Festival: Patric Chiha transposa la parella del conte de Henry James “La bèstia a la selva” al club i contrasta la seva fatídica espera amb la sensació definitiva de ser a l’instant present i el desig hedonista dels ballarins de dissoldre el temps en coreografies eternes.

Algunes reaccions.

Sheri Linden, al seu article a The Hollywood Reporter: Anaïs Demoustier i Tom Mercier en una adaptació elegant però apàtica de Henry James (..) Com tradueixes una història sobre la inèrcia a la pantalla? I com ho fas quan el material original pertany a un dels cronistes més astuts de la literatura anglesa sobre la psique humana, en tot el seu intricat misteri? En el cas de “The Beast in the Jungle”, ‘adaptada lliurement’ de la novel·la homònima d’Henry James de 1903, el cineasta austríac Patric Chiha ha fet un audaç salt creatiu. Per explicar la història de May Bertram i John Marcher, coneguts que es converteixen en companys d’ànima en un estrany joc d’espera, trasllada el drama del regne enrarit de l’alta societat a una discoteca del París del segle XX. L’acció, per utilitzar el terme de manera vaga, té lloc durant 25 anys. I es percep així (..). Wendy Ide, a Screen International: L’adaptació distintiva de Patric Chiha de la novel·la de Henry James augmenta els elements tràgics d’una història sobre dues persones les vides de les quals es perden a l’espera d’alguna cosa millor. Gerard Casau ha piulat: A ‘La bête dans la jungle’, Patric Chiha arrenca el pati de butaques del Club Silenci i el col·loca en una pista de ball: la discoteca com a espai mític i fora del temps. Com no m’agradarà una pel·lícula on Béatrice Dalle plora la mort de Klaus Nomi?. Fabien Lemercier, a Cineuropa: A través de dos personatges incrustats en una discoteca durant més de 20 anys, Patric Chiha ofereix una adaptació lliure d’Henry James, amb una ambició immensa, estranya i emocionant. El cineasta austríac Patric Chiha se sent atret per l’experimentació força radical, on l’enfocament extrem obre noves dimensions perceptives en una mena d’atemporalitat que exalta la intensitat, tal com va demostrar de manera brillant el seu documental “If It Were Love”, programat a la mateixa selecció del festival alemany el 2020. La present pel·lícula també gira al voltant de la dansa, però aquesta vegada és fictícia, ja que la història de ‘La bèstia a la selva’ (..) es desplega completament dins d’una discoteca parisenca (“Te’n vas anar, quina decisió més estranya! És aquí on tot continua”), que ofereix un increïble viatge existencialista alhora romàntic, eufòric, melancòlic i melodramàtic, que va del 1979 al 2004. En aquest sentit, és una pel·lícula més aviat conceptual sobre paper, que ofereix una escapada romàntica de la vida real (..).

Perpetrator, de Jennifer Reeder, producció USA / França 2023, amb Kiah McKirnan, Alicia Silverstone, Christopher Lowell, Melanie Liburd, Ireon Roach

Sinopsi: En el seu 18è aniversari, Jonny, una noia dura, es menja un pastís fet per la seva tia segons una recepta màgica de la família i queda sotmesa a una radical metamorfosi. A mesura que desapareixen diversos companys, s’esdevé una sagnant història sobre la majoria d’edat.

Comentari del Festival: El nou llargmetratge de Jennifer Reeder és una fosca i queer feminista barreja de terror corporal, gore i misteri. Com en els seus treballs anteriors, mira el món principalment a través dels ulls dels seus joves protagonistes que, armats amb un humor mordaç i un sentit de la justícia indestructible, aconsegueixen arrancar moments d’alegria i solidaritat del recargolat món dels adults.

Algunes reaccions.

Jordan Mintzer, escriu a The Hollywood Reporter: (..) En algun lloc entre el campament i Cronenberg (tant pare com fill) hi ha “Perpetrator”, una pel·lícula de terror estranya de Jennifer Reeder que definitivament és d’un gust adquirit, sobretot si el vostre gust inclou assassins emmascarats sàdics, víctimes de cirurgia plàstica, animadores de secundària convertides en lladres i un pastís d’aniversari farcit de tasses d’hemoglobina fresca (..) Igual que el cineasta francès Yann Gonzalez (Knife + Heart), per a qui les pel·lícules ‘slasher’ serveixen d’inspiració per a històries sobre allò queer i la transgressió, Reeder forma part d’una nova generació de directors que van créixer amb pel·lícules de gènere als anys 80 i utilitza els seus codis per dir alguna cosa personal sobre la identitat, fer-ho d’una manera que deliberadament voreja el camp. L’autor pot ser ximple i exagerat, però dins hi ha un cor que batega -literalment, ho veuràs- que anhela expressar-se. Jessica Kiang, escriu a Variety: (..) Els fans d’un cert tipus d’horror alternatiu kitsch, especialment aquells que encapçalen l’actual impuls de reivindicar el “Jennifer’s Body”, de Karyn Kusama, que podria ser la germana de l’ànima (un pèl) de “Perpetrator”, com una mena de fita feminista innovadora, poden burlar-se’n amb la pel·lícula de Reeder. Però fins i tot en els pocs anys des que la seva “Knives and Skin” va anar per un terreny similar amb una mica més d’audàcia i cohesió, hem tingut una onada de pel·lícules de gènere feminista i de temàtica queer (ens ve al cap “Bodies Bodies Bodies”, de Halina Reijn, com un exemple recent) que se senten molt més actuals que “Perpetrator”. Operant en un estrany allunyament de la realitat moderna, sembla que pertany més a l’experiència adolescent de fa un parell de dècades, la mateixa època de la qual provenen tants dels seus punts de referència. Si bé els problemes que Reeder vol tractar, sobre la solidaritat amb les dones i les noies i deixar onejar amb orgull la seva bandera estranya, són lluny de ser irrellevants per a l’adolescent de la Gen-Z (..). Gerard Casau, n’ha piulat: Irregular, fins i tot fallida, ‘Perpetrator’ almenys ratifica la peculiar manera que té Jennifer Reeves de crear pastitxos en què cohabiten l’experiència del terror i el microcosmos adolescent (no és casual que recuperi Alicia Silverstone). Vladan Petkovic, a la crítica per a Cineuropa: La directora nord-americana Jennifer Reeder torna a la Berlinale després de “Knives and Skin” (2019) amb “Perpetrator”, una pel·lícula de terror ferotgement feminista que capgira la noció de la “noia boja”(..). Tot i que té una certa narrativa de causa i efecte, s’assembla a un somni febril amb alguns dels seus elements de terror, sovint d’una manera conscientment humorística i paròdica, que es remunten a Carpenter, Lynch o Cronenberg (..). Jonathan Romney, a Screen International: La pel·lícula de Jennifer Reeder és alhora alegre i delirant, però no és tant un film de terror com una peça enèrgica de pop art feminista conceptual. Victor Paz escriu a ‘OtrosCinesEuropa’: Jennifer Reeder ja té a l’esquena una carrera molt consolidada amb un conjunt de curts i tres llargs que –a excepció del primer, “Signature Move” (2017), menys personal– transiten entre el cinema d’adolescents i el fantàstic més desacomplexat. Les seves atmosferes remeten sovint a David Lynch, situant-se en algun lloc intermig entre “Twin Peaks” (1990) i “Mulholland Drive” (2001). El més genial de Reeder és com ha aconseguit crear, des de l’institut, un univers molt personal que es mostra decididament feminista i que introdueix pulsions molt ‘queer’ en gèneres on la dona sol estar cosificada. No hi ha més fal·locentrisme en el terror que a l”slasher’, almenys en la tradició de Hollywood. Deconstruir aquests films i expandir-ne l’abast és el que es proposa a “Perpretator” (2023) (..) Som a l’univers de “Halloween” (John Carpenter, 1978) i d'”El fotògraf del pànic” (Michael Powell, 1960). La cinta de Reeder és un continu ‘mash-up’ postmodern de referències que van des de “Psicosi” (Alfred Hitchcock, 1960) a “El silenci dels anyells” (Jonathan Demme, 1991), passant per “Carrie” (Brian De Palma, 1976), per citar només les més conegudes d’una llista ingent. Té aquest artefacte una mica de cinema de vampirs també i una mica de conjura de bruixes, amb una mena de secta amb poders sobrenaturals que dirigeix una recuperada Alicia Silverstone (..) La sang és moneda de canvi, literalment, en aquesta pel·lícula que lliga les vísceres a la maternitat, la transmissió i el cicle menstrual, concebuts com a metafòrics superpoders. Una puntada de peu al patriarcat divertidíssima i d’endimoniat ritme que per moments pot acabar sent irregular pel que arrisca, però que en cap moment perd la seva frescor i originalitat.

Joan Baez I Am A Noise, de Karen O’Connor, Miri Navasky, Maeve O’Boyle. Producció USA 2023, amb Joan Baez, Mimi Farina, Bob Dylan, David Harris. Documental.

Sinopsi: Aquest retrat íntim i sincer de la llegenda de la música nord-americana i activista dels drets civils Joan Baez entreteixeix imatges de la seva gira de comiat amb d’altres d’inèdites i visions molt íntimes de la seva vida i emocions. No només per als seguidors de Báez.

Comentari del Festival: Gràcies a una vella amistat amb una de les directores de la pel·lícula, Karen O’Connor, Joan Baez va concedir al trio de directors accés als “dimonis interiors” que l’han corcada des de la joventut. La seva pel·lícula entrelliga entrades del diari personal i una gran quantitat de material d’arxiu en part inèdit amb àmplies converses amb Baez, així com moments entre bastidors de la gira. Un retrat íntim que no només interessarà als seus seguidors.

Algunes reaccions.

David Rooney, a Variety: La cita de Gabriel Garcia Márquez que apareix a l’inici de “Joan Baez I Am a Noise” —«Tothom té tres vides: la pública, la privada i la secreta»— és una opció encertada per a aquest document-retrat introspectiu de la músic que defineix l’època i activista (..) Maeve O’Boyle i Karen O’Connor se centre més minuciosament en la reflexió personal que no pas en el resum d’una carrera. Però qualsevol persona interessada en els artistes clau del moviment contracultural hi trobarà molt a apreciar (..). Chris Willman, a la seva crònica a Variety: Durant els darrers 60 anys, és difícil veure Joan Baez com una altra cosa que no sigui una figura santa, o certament, si més no, una de beatíficament plàcida. Al principi del nou documental “Joan Baez I Am a Noise”, sobre les imatges del tema que els fans van assaborir en el punt àlgid del seu èxit a principis dels anys 60, l’actual Baez bromeja que gran part del públic va anar a veure-la com si fos la Mare de Déu -i confessa que, amb el cap inflat per la fama aleshores, no estava gaire inclinada a discrepar-ne-. Però els esclats d’ego ocasionals semblen el menor dels problemes psicològics que persegueixen la cantant, tal com es descriu en un document musical que comença com una visió de la gira de comiat de Báez i acaba com una mirada extensa al trauma familiar i recuperació de la malaltia mental (..).

Generation.

Wann wird es endlich wieder so, wie es nie war (When Will It Be Again Like It Never Was Before), de Sonja Heiss, producció Alemanya, 2023, amb Arsseni Bultmann, Laura Tonke, Devid Striesow, Pola Geiger, Camille Loup Moltzen.

Comentari del Festival: La llar en què en Josse creix gairebé no respon a les nocions típiques de família: el seu pare és el director d’una clínica psiquiàtrica, a les instal·lacions de la qual es troba la seva casa familiar. En Josse passa la infància i adolescència amb dos germans i pares liberals la vida burgesa dels quals amenaça amb trencar el seu matrimoni. Una i altra vegada, en Josse està afectat per atacs de ràbia i tristesa. Troba una oïda simpàtica, consol i la sensació de no ser un estrany principalment entre els pacients psiquiàtrics. L’adaptació del best-seller de Joachim Meyerhoff és a càrrec d’un repartiment conegut i explica una història tragicòmica sobre com es va fer gran als anys setanta. Una celebració emotiva de la vida en tot el seu absurd i fugacitat.

Algunes reaccions.

Nikki Baughan, a ‘Screen International’: El tercer llargmetratge de Sonja Heiss és un retrat familiar expansiu però íntim que explota eficaçment les idiosincràsies i intrigues domèstiques.

Us ha agradat aquest article? Compartiu-lo!