Club 7 Cinema

Tres ‘nous’ cineastes han pres el protagonisme de la Competició en la recta final de la 74a Berlinale (1 debutant i 2 directors que han presentat els respectius segons llargmetratges). Han atret l’atenció mediàtica l’òpera prima de la tunisiano-americana Meryam Joobeur, de qui en destaquen el treball visual tot tractant amb dosis de realisme màgic el trencament d’una família pel paper de l’integrisme islàmic; el claustrofòbic thriller de presons, sobre la tensió entre venjança i justícia, que signa Gustav Möhler, i el film que ha deixat embadalida bona part de la críticas (mentre a d’altres no tant) amb la bellesa dels paratges de l’Himàlaia servits amb magnificiència, puresa i mística naturalista pel nepalès Min Bahadur Bham.

Mentrestant, ja s’ha vist a Berlín el treball cinematogràfic (amb Amanda Seyfried) que ha inspirat Atom Egoyan la seva posada en escena operística de ‘Salomè’, un al·legat sobre l’ensenyament del Cinema basat en un film del gran Edgar Reitz i el qualificat d’excel·lent debut de l’iranià Aliyar Rasti, que toca la tensió entre fe i superstició, amb el rerefons de la situació econòmica actual del país.

Per altra banda, si els espanyols han fet una sèrie sobre Nacho Vidal, el seu ‘emblemàtic’ actor de cinema porno, els italians ara n’han presentat la que han dedicat al seu ‘gran’ Rocco Siffredi. I si al producte d’Atresmedia era Martiño Rivas qui encarnava Vidal, ara és Alessandro Borghi qui fa de Rocco, per a Netflix.

Competició.

De Min BAHADUR BHAM, “Shambhala“. Producció: Nepal, França, Noruega, Hong Kong-Xina, Turquia, Taiwan, EUA, Qatar. Durada: 2h30. Guió: Min Bahadur Bham, Abinash Bikram Shah. Amb Thinley Lhamo, Sonam Topden, Tenzin Dalha, Karma Wangyal Gurung, Karma Shakya. Sinopsi: En un poble poliàndric de l’Himàlaia, la Pema (Thinley Lhamo), una dona embarassada malda per reprendre el control de la situació quan el marit se li fa fonedís sobtadament, en la carretera comercial a Lahsa. Amb el seu cunyat monjo, busca l’home a la natura salvatge, revelant el seu autodescobriment al llarg del viatge. Min Bahadur Bham: Nepal. La seva pel·lícula “Kalo Pothi: Un pueblo de Nepal” / “Kalo Pothi: Un village au Népal” / “Kalo Pothi” va guanyar el Premi de la Setmana de la Crítica de Venècia el 2015. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. VI: Best Friend Forever.

Algunes reaccions:

Fabien Lemercier, a la ressenya per a ‘Cineuropa’: Min Bahadur Bham signa una pel·lícula de gran puresa romàntica i mística que segueix una dona que s’enfronta a l’adversitat al cor de l’Himàlaia.“Fes una mica de màgia”. Enormes muntanyes, cascada, passejades a cavall, llops, gravats en pedra, prova ritual de tir amb arc i una dona amb un vestit blanc a la vora d’un llac. Tot un programa i un viatge captivador s’anuncien als dibuixos que il·lustren els crèdits inicials de “Shambhala”, el notable segon llargmetratge de Min Bahadur Bham (..). Directament inspirat (cosa que no s’especifica mai a la pel·lícula) en un famós mite hindú-budista sobre un regne ideal només assolible per certes persones i que ha donat lloc a múltiples relectures (..), “Shambhala” es revela com una obra captivadora i profunda, alhora una immersió en una existència frugal de poble molt ritualitzada, un gran viatge a un desert i una natura espectacular, i una experiència espiritual en acció, tot en la línia clara de l’amor, la recerca de la felicitat i els afronts que l’ésser humà pot rebre habitualment i que ha de superar per alliberar-se i renéixer. (..) Els tres germans, Tashi (Tenzin Dalha), el monjo Karma (Sonam Topden) i el molt jove Dawa (Karma Wangyal Gurung), s’alegren del seu matrimoni (la poliàndria és una tradició local, però en realitat només el primer en consuma la unió) amb el dolça Pema (Thinley Lhamo), d’un altre poble. Molt ràpidament, en Karma torna al monestir amb el seu mestre Rimpoche (Loten Namling) i en Tashi (que viu un amor perfecte amb la Pema) se’n va uns mesos a la caravana de iacs enviats a intercanviar a Lhasa. La Pema queda sola, una mica melancolia, amb la turbulenta Dawa, i queda embarassada una mica més tard, sospitant-se pel poble que ha coquetejat amb el mestre Ram Sir (Karma Shakya). El rumor arriba a en Tashi a la tornada i aquest desapareix (“l’avergonyeix d’enfrontar-se a les mirades”) prop del coll de Nangpa La. Aleshores, la Pema decideix anar a buscar-lo i amb el seu cavall Namkha emprèn un viatge molt difícil, travessant des de les valls rocoses fins als cims nevats, acompanyada per en Karma, a qui en Rimpoche ha encarregar de vetllar per ella i el seu fill. Segueix una autèntica èpica on els sentiments i les desventures no faltaran… Esplèndid retrat d’una dona decidida a assumir les seves responsabilitats, “Shambhala” és una obra d’una gran delicadesa, molt suggerent sota els seus sorprenents adorns culturals “exòtics” (rodes d’oració, flautes, cançons, somnis simbòlics i premonitoris, cerimònia ritual de la mort, prova de tir amb arc de veritat, guitarra saranghi, paisatges d’una bellesa increïble, nits sota les estrelles, etc.). Poètica i física, lluminosa i críptica, romàntica i subtilment iniciàtica, la pel·lícula es desenvolupa en perfecta harmonia (amb uns quants petits arranjaments argumentals que de cap manera fan malbé el plaer de l’espectador), un equilibri entre la substància (“un naixement és sempre un miracle en si mateix”) i la forma (una reencarnació nepalesa en el llinatge de David Lean) que permet a Min Bahadur Bham gravar el seu nom a la pedra dels realitzadors consumats. Gregory Coutaut, a la crítica per a ‘Le Polyester’: (..) el desenvolupament narratiu de “Shambhala” és realment notablement lent. Insistim en aquest punt però ho aclarim: no és que “Shambhala” sigui adormit o maldestre. Tampoc és que estigui tan radicalment alentit com els camins esotèrics de Tsai Ming-liang. “Shambhala” es manté clara des del primer fins a l’últim minut, però seguint les recerques mudes de la seva protagonista mentre vaga de cims a clarianes, la pel·lícula es permet llargs moments estàtics on la trama s’esvaeix per donar pas a la contemplació. I aquí hi ha alguna cosa a contemplar: no és només que aquests paisatges que poques vegades es mostren al cinema són espectaculars, és que la pantalla es veu francament més ampla que en altres ocasions. Amb el seu sorprenent sentit de la composició, el cineasta Min Bahadur Bham fa la impressió d’haver inventat un format encara més immens que el CinemaScope. Durant certs plans on la neu es fusiona amb els núvols, fins i tot tenim la impressió que la seva càmera està volant de la superfície terrestre. Cal veure-ho per creure-ho. La paraula contemplació no s’utilitza en va, perquè suscita admiració però també una immersió en la reflexió o la fe. Evocant la lentitud (t’hem dit que la pel·lícula era lenta?), en Tsai Ming-liang explica que la veu com una eina per repensar la nostra relació amb el món, per repensar el nostre lloc humà en els paisatges que ens envolten i la Història que es desenvolupa al voltant nostre. En adaptar-se al ritme d’aquestes passejades místiques d’un caminant solitari, l’espectador es troba vivint la mateixa experiència que la protagonista: una mica perdut, força experimentat cal dir-ho però afortunadament també atordit davant de tanta bellesa. L’embriaguesa dels cims [hom se la] guanya, està adreçada sobretot als més pacients dels viatgers. Lorenzo Ciofani, a la ressenya per a ‘Cinematografo’: (..) un viatge espiritual (..) evocador. (..) Rodat a l’assentament més alt del món (entre 4.200 i 6.000 metres sobre el nivell del mar), aquesta pel·lícula fluvial (dues hores i mitja) toca l’exotisme aquí i allà (darrera hi ha una súper coproducció: Nepal, França, Noruega, Hong Kong, Turquia, Taiwan, EUA, Qatar) però aconsegueix representar un món majoritàriament desconegut per als occidentals amb empatia i claredat. (..) Una pel·lícula potser no per a tothom ( ..) però creïble i fascinant. Siddhant Adlakha, a la ressenya per a ‘Variety’: Les petites delícies abunden a “Shambhala” (..). Amb dues hores i mitja de durada, el desenvolupament minuciós de la pel·lícula s’acaba estenent per cims i valls alternants d’interès i atractiu emocional, fent que les seves acurades composicions només siguin semi-commovedores. (..) Mentre que [Min Bahadur] Bham provoca rialles i somriures durant la primera hora, sovint amb talls sobtats que puntegen un humor sorprenent, l’energia visual de la pel·lícula canvia dràsticament a partir d’aquí, un cop la Pema s’embarca per trobar en Tashi i confrontar-lo amb la veritat. “Shambhala”, per la seva naturalesa, es divideix prismàticament entre dues maneres de narrar històries: la jovialment humana i l’espiritual i abstracta, a mesura que el vessant obert de la muntanya es converteix en un lloc de reflexió i descoberta. Tanmateix, malgrat l’atenció que en Bham hi aporta, amb els seus moviments laterals i les seves panoràmiques tranquil·les per l’espai, el moviment de la càmera rarament revela res més enllà dels cims nevats. El títol “Shambhala” es refereix a un lloc de tranquil·litat, un regne que de tant en tant es materialitza en els somnis i visions de tons sèpia dels personatges (..). La realitat literal de la pel·lícula també és tranquil·la: la seva representació de la natura és pintoresca, tot i que potser un major contrast o dicotomia entre allò real i l’imaginari pot haver donat al viatge de Pema una sensació de meravella o propòsit espiritual. Els paisatges de la pel·lícula poques vegades es combinen amb la bellesa interior o les complicacions morals. (..) Quan es tracta del rigor espiritual de la pel·lícula, les seves composicions enlluernadores es tornen massa acurades i limitades. La presència a la pantalla de [Thinley] Lhamo resulta magnètica, però més enllà d’un punt, a [al seu personatge de] Pema no se li concedeix cap vel emocional que la càmera pugui travessar. “Shambhala” fa, bàsicament, el que diu. El seu paisatge pot ser muntanyós, però la seva trajectòria emocional és un altiplà. Tot i que revela una visió sorprenentment feminista de la satisfacció, l’espiritualitat i les expectatives socials que les dones es veuen obligades a assumir (la càrrega de la prova sempre recau en la Pema, i mai en aquells que difamen el seu personatge), la pel·lícula poques vegades lluita amb les seves pròpies conviccions, o obliga a Pema a fer el mateix. Altres reaccions: Jordan Mintzer, la ressenya per a ‘The Hollywood Reporter’.

De Meryam JOOBEUR, “Who Do I Belong To” / “Mé el Aïn”. Producció: Tunísia, França, Canadà, Noruega, Qatar, Aràbia Saudí. Durada: 2h. Guió: Meryam Joobeur. Amb Salha Nasraoui, Mohamed Hassine Grayaa, Malek Mechergui, Adam Bessa, Dea Liane. Nota sinòptica: Una dona tunisiana es veu atrapada entre el seu amor maternal i la recerca de la veritat quan el seu fill torna a casa de la guerra i desferma la foscor a tot el seu poble. Sinopsi: L’Aïcha (Salha Nasraoui), una mare tunisiana dotada de somnis profètics (i que té alguna cosa de vident), viu en una granja rural amb el seu marit Brahim (Mohamed Hassine Grayaa) i tres fills. La vida de l’Aïcha i en Brahim es capgira completament quan els seus fills grans, en Mehdi (Malek Mechergui) i l’Amine, van a la violenta abraçada de la guerra (fan cap a Síria per a unir-se al grup fonamentalista ISIS). Després d’haver viscut només pels fills, l’Aïcha i en Brahim es troben sense fonament i intenten donar sentit a una nova realitat dolorosa. Uns mesos més tard, en Mehdi torna a casa amb una dona embarassada anomenada Reem (Dea Liane). El niqab i el silenci de la Reem pertorben profundament en Brahim. L’Aïcha, per la seva banda, dóna la benvinguda a en Mehdi i la Reem a casa i jura protegir-los a qualsevol preu. El retorn d’en Mehdi, però, desferma estranys esdeveniments al poble. L’Aïcha està tan ocupada protegint el seu fill que amb prou feines s’adona de la por creixent a la comunitat i ha d’enfrontar-se als límits del seu amor matern per posar fi a la foscor creixent. Nota: òpera prima. Meryam Joobeur: tunisiana-americana, resident al Canadà. Amb notable carrera de curtmetratgista, el seu film “Ikhwène” (2018) -drama familiar sobre un pare profundament commocionat quan el fill gran torna a casa després d’un llarg viatge amb una nova dona misteriosa- va ser nominat a l’Òscar al Millor Curtmetratge. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. VI: Luxbox.

Algunes reaccions:

Fabien Lemercier, a la crítica per a ‘Cineuropa’: Meryam Joobeur presenta un reeixit primer llargmetratge, una atmosfèrica i emocionant obra que barreja amb valentia realisme, onirisme, microcosmos familiar i temàtica gihadista. ‘Què és el que no va bé?’ Quan es vol conèixer la veritat, però se la tem perquè ens duria a un cara a cara amb nosaltres mateixos, el perill de degradació de la situació és gran. I quan l’amor de mare, els lligams familiars, l’amistat, els records topen amb una realitat que ens sobrepassa, el perill sotja. És en aquest àmbit complex, conflictiu, que la canadenco-tunisiana Meryam Joobeur ha triat d’aventurar-se en la seva òpera prima, la captivadora “Who Do I Belong To” (..). Extremadament estilitzada i alhora ancorada en un realisme molt realista, la pel·lícula revela sens dubte una cineasta més que enginyosa, hàbil a suggerir metàfores sense aclarir-les del tot. Flirtejant amb gèneres fantàstics i d’investigació, la por i els enigmes, les notícies geopolítiques recents (Daesh) i la vida pastoral d’un petit poble, la directora mai perd el seu fil conductor (l’amor d’una mare i una família submergida en dilemes sense precedents) però es recargola fins al punt de portar la frontera entre el somni (malson) i la realitat a un grau agut de porositat que garanteix un suspens seductor per a l’espectador (..). Diego Lerer, a la ressenya per a ‘Micropsia’: (..) [La pel·lícula] juga amb misteris, secrets i un toc important (excessiu, potser) de realisme màgic, tant a les visions d’Aïcha –que funcionen com a possibles, subjectius flashbacks– com en algunes coses que succeiran més avançada la història, quan tot prengui característiques que voregen el fantàstic. Però el que és central passa per allò emocional, per la (im)possibilitat de refer aquesta família trencada pel fonamentalisme i pels secrets que guarda la parella nouvinguda, que són força diferents dels que semblen ser d’entrada. L’element, si es vol, fantàstic del relat suma un costat enigmàtic a un film que posseeix una fotografia fosca, cuidada i que fa un ús intensiu dels primers plans (durant gran part del film Dea Liane actua només amb els ulls i sense dir res) per acostar-se als conflictes interns de la família, especialment de la mare (..). Diego Batlle, a la crítica per a ‘Otros Cines’: (..) Hi ha alguna cosa inquietant tant en el plantejament com en la manera com la guionista i directora Meryam Joobeur va descrivint aquest univers fosc i amenaçador, però en què la violència està més aviat latent o fins i tot per moments fora de camp perquè la realitzadora prefereix els climes al·lucinatoris abans que les certeses o els subratllats. Hi ha certs elements més propis del cinema fantàstic, irrupcions d’un realisme màgic (malsons, visions), però la pel·lícula també aborda qüestions molt concretes com els efectes del gihadisme i de l’accionar d’ISIS/Daesh. Certs excessos en la seva estilització i preciosisme visual a l’hora de mostrar la naturalesa i la geografia, en les seves al·legories, simbolismes i metàfores, i en certes irrupcions de l’apuntat realisme màgic treuen una mica de potència i concisió a un film que, de totes maneres, ratifica l’indubtable talent creatiu i perícia tècnica de Joobeur. La pel·lícula, dividida en tres episodis titulats Les seqüeles, Una ombra emergent i El despertar, va del que és íntim al que és polític, d’allò familiar a allò social, de la placidesa rural a la cruesa de la guerra, amb força encerts i oferint-ne una mirada misteriosa i alhora demolidora sobre una altra zona del planeta on els odis i els fanatismes amenacen la dinàmica històricament solidària i cohesionada de la vida comunitària.  Nicolas Bardot, a la ressenya per a ‘Le Polyester’: (..) comença amb una visió a la vegada poètica i morbosa, on un gran llençol enganxat a les branques d’un arbre sembla presagiar un penjament a la forca. Un altre pla mostra un cavall sense genet, una visió embruixada en una pel·lícula que en conté d’altres. Les imatges mentals intenten posar un dit en allò que, en realitat, segueix sent indicible. Una maledicció ha caigut sobre aquesta família els dos fills grans de la qual se n’han anat per a unir-se a ISIS. Què conforma o destrueix una família? La mare diu que encara els acollirà com a fills si tornen. El més petit que queda a casa diu que això no canviarà res del seu amor. Però les imatges que veiem són realment les d’un paradís perdut. “Who Do I Belong To” és el primer llargmetratge de la directora tunisiana Meryam Joobeur. Té una cultura dual, va créixer a Tunísia fins als 6 anys abans de viure als Estats Units i ara s’ha establert al Canadà. Tanmateix, forma part de la mateixa tendència apassionant del cinema tunisià actual, en què es componen històries polítiques o retrats de la societat mitjançant el cinema de gènere. (..) El format d’imatge emmarca els personatges i ofereix un efecte immersiu. Al seu voltant es desplega un món seductor i ric en colors: la realitat que se’ns representa no pot ser en blanc i negre. Què queda a la sorra, què amaga el silenci i la sorpresa? El notable treball fotogràfic convida a una particular sensibilitat a la vista, en aquest espai turbulent entre el realisme i la màgia. La càmera sensorial s’acosta a un misteri humà que segueix sent difícil d’entendre. El trauma compartit a “Who Do I Belong To” ens impedeix tenir una visió definida i simplificada de les coses. Al principi de la pel·lícula, es filma la mare enfocada mentre el paisatge es manté borrós darrere seu. Al final de la pel·lícula, ella és la que es veu borrosa mentre el paisatge fins on es veu és clar. El llargmetratge, visualment molt generós i presentat a competició a la Berlinale, se situa en aquest moviment poètic. Els fràgils protagonistes són ràpidament superats per la tragèdia. Meryam Joobeur els filma des de molt a prop o molt lluny, capturant la seva veritat alhora que el no dit. Catherine Bray, a la ressenya per a ‘Variety’: (..) Es podria esperar d’aquesta introducció que en Brahim, aquest monumental patriarca, tindrà un paper més important en els esdeveniments que es desenvolupen posteriorment, i és cert que quan està enfadat fa sentir la seva presència. De la mateixa manera, quan el seu fill desaparegut Mehdi (..) torna d’un intent desafortunat de lluitar per ISIS a Síria, acompanyat d’una dona silenciosa i embarassada amb un nicab, inicialment sembla que la història de Mehdi dominarà la narració. Però la pel·lícula és més relliscosa i subtil que això. Si bé els personatges masculins poden fer més soroll, [Meryam] Joobeur pretén demostrar l’adagi que les aigües tranquil·les són profundes, i són les dones les que emergeixen com l’ànima de la seva pel·lícula. Dea Liane interpreta a Reem, la misteriosa nova dona de Mehdi, com un magnífic contraargument per a qualsevol que hagués pensat que era difícil oferir una actuació sorprenent amb la cara majoritàriament coberta i gairebé sense diàlegs. Els seus ulls, emmarcats durant la major part del seu temps en pantalla pel seu nicab, són extraordinaris, telegrafien mons d’emocions, que van des del trauma i la vulnerabilitat fins a alguna cosa més sinistre. La intensitat de la seva mirada semblaria gairebé sobrenatural, encara que no fos una pel·lícula amb aspectes de realisme màgic (..). Jordan Mintzer, a la ressenya per a ‘The Hollywood Reporter’: (..) Ambdues pel·lícules [“Las cuatro hijas” / “Les filles d’Olfa”, de Kaouther Ben Hania, i aquesta] han estat dirigides per dones i se centren en els impactes de l’extremisme islàmic: el trauma que causa a les famílies, així com els traumes que poden haver provocat aquest gir cap a l’extremisme en primer lloc. Però pel que fa a la realització cinematogràfica, no podrien ser més diametralment oposades: “Las cuatro hijas” / “Les filles d’Olfa” és una obra de no-ficció auto-reflexiva en què persones reals s’interpreten a si mateixes al costat d’actors rodats, posant en escena esdeveniments per intentar analitzar-los. “Who Do I Belong To”, en canvi, és una obra de ficció molt estilitzada, i que es transforma en una pel·lícula de terror realista màgic en l’últim acte. Val la pena comparar-les només per comprendre per què la pel·lícula de Joobeur, malgrat la seva temàtica seriosa i el seu intens sentit de l’artesania, mai convenç del tot en la seva descripció del que l’Islam radical pot fer a una família ben intencionada com la de l’Aïcha. Això es deu en part al fet que el drama es percep tan pesat, amb la directora confiant molt en el simbolisme, una partitura que resulta inquietant sense parar i massa primers plans per transmetre l’angoixa i el dolor dels seus personatges. També és perquè l’evolució cap a un desenllaç a l’estil M. Night Shyamalan sembla ben poc encertat, traient-li impacte emocional al material. (..) Joobeur reté informació clau tant a l’espectador com a la família de Mehdi, fins que la reparteix en flashbacks que dominen la segona meitat de la pel·lícula. Aquelles escenes, ambientades en una zona de guerra infernal governada per matons sàdics, són horripilants en la seva representació del que significa unir-se a ISIS per a nois ingenus com Mehdi i Amine. Si l’objectiu de “Who Do I Belong To” és revelar els horrors d’una organització terrorista tan menyspreada, aleshores el seu missatge s’escolta fort i clar. Però no és una mena de declaració obvi? La directora està encara més interessada en com els horrors de l’ISIS afecten la gent de casa, perjudicant musulmans innocents com Aïcha i Brahim que simplement intenten guanyar-se la vida i criar els seus fills. És lamentable, doncs, que el tercer acte de la pel·lícula canviï a un misteri d’assassinat local que possiblement involucra Mehdi i Reem, fins a tornar a canviar a les seqüències finals a una forma de fantasmagoria [terror] sobrenatural. Aquestes mecàniques de la trama acaben enfangant massa les aigües, fins i tot si volen subratllar com els traumes de guerra poden ser extremadament difícils d’eliminar, fins al punt que tothom es converteix en una mena de víctima.

De Gustav MÖLLER, “Sons” / “Vogter”. Producció: Dinamarca, Suècia. Durada: 1h40. Guió: Gustav Möller, Emil Nygaard Albertsen. Amb Sidse Babett Knudsen, Sebastian Bull, Dar Salim. Nota de gènere: thriller psicològic. Sinopsi: L’Eva (Sidse Babett Knudsen), guardiana de presons exemplar, s’enfronta a un autèntic dilema quan traslladen a la presó on treballa un noi del seu passat. Sense revelar-ne el secret, l’Eva demana que la traslladin a la unitat del jove, coneguda com la més violenta de la presó. Els valors i el sentit moral de l’Eva es posen a prova… Gustav Möller: Göteborg, Suècia, 1988. La seva òpera prima, “The Guilty” / “Den skyldige” (2018), premi del públic a Rotterdam, Sundance, Tessalònica i guardonat als Festivals de Valladolid i Torí, va ser versionat el 2021 per Antoine Fuqua, a “Culpable“, amb Jake Gyllenhaal i Peter Sarsgaard.  Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. DF i VI: Les Films du Losange.

Algunes reaccions:

Lorenzo Ciofani, a la ressenya per a ‘Cinematografo’: Dilemes morals, sentit de la justícia, desig de venjança: la segona obra del director danès Gustav Möller és una pel·lícula de presó incessant i punyent, amb una Sidse Babett Knudsen extraordinària. (..) Entrellaçant la tensió palpitant de la pel·lícula de presó amb un dilema moral que no deixa escapatòria: el desig de venjança pot coincidir amb el sentit de justícia?. Peter Debruge, a la ressenya per a ‘Variety’ -que fa un espòiler dels grossos, aviso-: Els cinèfils poden reconèixer el nom de Gustav Möller perquè el seu primer llargmetratge, “The Guilty”, es va presentar a Sundance, i després va inspirar un remake en anglès protagonitzat per Jake Gyllenhaal. La pel·lícula s’ambientava en un extrem d’una línia de serveis d’emergència, quan un agent de policia massa compromès intentava rescatar una persona angoixada la crisi de la qual no era tan senzilla com semblava. Un exemple impressionant de creativitat dins de les limitacions, “The Guilty” va convidar el públic a fer una pel·lícula d’acció dins del seu cap mentre els donava poc més que la cara tensa d’un únic personatge per mirar durant la major part de la seva durada. Amb “Sons”, Möller ha fet una pel·lícula més convencional, però encara situa la major part de la seva narració fora de la pantalla. (..) A les escenes inicials de la pel·lícula, abans que s’iniciï la trama, Möller mostra a Eva fent un esforç addicional cap als seus presoners, no per compensar el fet de ser una dona a una presó masculina, sinó perquè li importa. Mostra un instint gairebé maternal a l’hora d’intentar educar i gestionar la ira dels reclusos, cosa que té sentit més tard, quan ens assabentem que el seu fill de 19 anys va morir entre reixes. És el tipus d’ironia que caracteritza els grans personatges de la pel·lícula: Eva sent que va deixar caure la pilota en criar Simon (la història del qual es deixa a la imaginació del públic), i ara para l’atenció que li hauria d’haver prestat, amb l’esperança que podria salvar el fill d’una altra mare. Però “Sons” no és una història piadosa d’un guàrdia de presó inspirador. Si l’Eva sembla més compassiva del que podríeu esperar-ne, sapigueu que la seva caritat té els seus límits. Al cap d’uns minuts de la pel·lícula, arriba un nou grup de condemnats, i l’Eva s’endureix quan veu una cara coneguda entre ells: alt i tatuat, amb la mirada enfadada i d’ulls morts d’algú que abans ha renunciat al món (..), Mikkel Iversen (Sebastian Bull) és l’home que va assassinar el seu fill. Des que l’Eva el reconeix, comença a comportar-se de manera diferent, i durant la resta de la pel·lícula, la nostra tasca és endevinar què està pensant (..). La veritable pregunta, la que Möller vol que ens rondi pel cap, és si l’Eva vol venjar-se o redimir aquest assassí acabat d’arribar. Hi ha càmeres de seguretat per tota la presó, cosa que fa que sigui complicat per a ella provar alguna cosa massa agosarada. Però si vol fer que la vida de Mikkel sigui miserable, hi ha moltes maneres de fer-ho, des d’escopir-li el menjar fins a negar-li els privilegis del bany. I cas que ell li rebutgés aquestes provocacions, l’Eva pot tancar-lo en aïllament o fins i tot cancel·lar-li els privilegis de visita, cosa que intenta fer després de veure la mare de Mikkel (Marina Bouras) en una llista de propers convidats. La pel·lícula pot anomenar-se “Sons”, però són aquestes dues mares les que ofereixen el seu paral·lelisme més ric, ja que ambdues han experimentat el fracàs i la frustració de veure que els nois que van criar es desviaven, però, per descomptat, Mikkel va privar a Eva de l’oportunitat de consolar-se o reformar el seu propi fill. El dia de la visita, l’Eva cada cop més fora de polleguera ronda per fora de l’habitació, fumant. Aquesta injustícia només la fa més volàtil. Però fins a quin punt pensa portar la seva revenja? Per als fans de “Borgen”, l’actuació de Knudsen revela un costat més impredictible de l’estrella, que de vegades dóna un gir salvatge alimentat per la ràbia i el penediment. (..) Una part del comportament de l’Eva sembla atroç: està constantment colant-se i maquinant, com quan roba drogues del dipòsit i les planta a la cel·la de Mikkel. Segurament algú ha de conèixer els antecedents penals i el tràgic destí del seu fill, i, tanmateix, els seus superiors continuen excusant-li el comportament. No hi ha controls d’antecedents per als guàrdies de presons danesos? I no hi ha conseqüències per colpejar els condemnats gairebé fins a la mort? A “Sons”, la pregunta real és: on s’atura el cicle?. David Abbatescianni, a la crítica per a ‘Cineuropa’: (..) Amb un guió sòlid i un ritme narratiu atractiu, aquesta pel·lícula (..) està plena de sorpreses. (..) [El director de fotografia Jasper J. ] Spanning i [el cineasta, en Gustav] Möller persegueixen i miren l’Eva mentre corre dins i fora de les cel·les de la presó i puja i baixa pels passadissos, ajudant els reclusos a estudiar o ensenyant-los ioga amb pistes d’àudio pre-gravades que es reprodueixen en un equip de música antic. Però estigueu segurs, no hi ha res ensucrat. Al contrari, quan arriba el primer punt d’inflexió, el conte de Möller pren un camí molt violent i cruel. (..) A partir d’aquest moment [l’arribada de Mikkel], el seu personatge es desenvolupa significativament, i descobrirem el seu costat més fosc. Curiosament, la narració oscil·la contínuament entre els límits del psicodrama i el gènere del thriller: és un equilibri que no és especialment fàcil d’assolir, però la direcció de Möller i els diàlegs secs (..) sens dubte hi ajuden. El que podria no convèncer del tot el públic, i és comprensible, és el fet que la connexió de l’Eva amb Mikkel sembli difícil de descobrir per als seus col·legues i la resta del personal de la presó. (..) És un fet més o menys plausible, però per ser justos, hem de reconèixer que aquesta “llicència poètica” és necessària perquè tota la història es desenvolupi i per establir conflictes i motius clars. (..) [Gustav] Möller ha elaborat un sòlid  segon llargmetratge que ens recorda algunes veritats incòmodes sobre els objectius i els límits de la rehabilitació, alhora que s’endinsa en la lluita interior d’un personatge principal dividit entre el seu sentit del deure i els seus dilemes personals. David Ehrlich, a la ressenya per a ‘IndieWire’: En Gustav Möller torna amb un altre thriller claustrofòbic, ambientat gairebé en un sol indret, sobre una membre moralment compromesa de les forces de l’ordre les febleses personals de la qual reflecteixen els defectes estructurals del sistema que sosté el seu poder. (..) “Sons”, si més no, és una cosa més rica i més aprofundida que [“The Guilty”] el debut de Müller, fins i tot si les qüestions agudes que fa sortir de la seva hipercontinguda premissa fan finalment d’aquest duo d’acer més un exercici de pensament sociopolític que un retrat viu de càstig i salvació. Mentre que “The Guilty” estava confinat en un centre de trucades d’emergència, “Sons” passa gairebé tota dins de les parets d’una presó de màxima seguretat als afores de Copenhague. L’Eva, (..) interpretada per la gran Sidse Babett Knudsen, és lliure d’anar i tornar quan vulgui, però l’abast limitat de la pel·lícula fa que aquesta dona de maneres suaus no sembli menys presonera en aquell lloc que qualsevol dels reclusos que supervisa (..). Si l’Eva té una vida fora de la feina, no sembla que tingui cap mena de pressa per a tornar-hi. (..) No hi ha cap raó per la qual Mikkel reconegui l’Eva o conegui el paper que ha jugat a la seva vida, però has d’assumir que els supervisors de l’Eva serien capaços d’ajuntar dos i dos. No ho fan, ni tan sols es planteja, i “Sons” vol que acceptis que l’Eva porta la major part de la seva història com un secret que no pot compartir amb cap dels seus companys de feina. No cal dir que Möller no té por de sacrificar una peça crucial de lògica per convertir l’Eva i en Mikkel en el circuit perfectament tancat que impulsa aquesta història. Per ser justos amb en [Gustav] Möller, la dinàmica entre aquestes persones és prou convincent per superar la seva inversemblança. (..) La revenja resulta addictiva, i en Mikkel no triga gaire a adonar-se que hi ha una inclinació personal en el seu càstig. Només és qüestió de temps que l’Eva travessi la línia i li doni avantatge a en Mikkel, convertint la seva fantasia de venjança en un malson que exposi el seu viatge de poder pel que és i deixi l’Eva a mercè del seu presoner preferit. Aquesta inversió, i l’escalada que la condueix, es fa encara més convincent pel buit que Möller hi crea (la fotografia de 4:3 d’enfocament poc profund de Jasper J. Spanning només s’afegeix a la naturalesa devoradora del drama), però “Sons” manté el seu caire glacial degut a la inquietant comprensió que l’Eva, amb tot el seu equipatge personal, segueix sent un microcosmos de la institució en què treballa. Per descomptat, la seva animositat té una història particular al darrere, però la seva relació amb Mikkel reflecteix l’ambivalència d’un sistema penitenciari que amaga la seva naturalesa punitiva darrere del canemàs transparent de la “justícia”. (..) [Sidse Babett] Knudsen dota el seu personatge d’un sentit tan torturat del bé i del mal que l’Eva és capaç de convertir-se en una postura plenament encarnada de la dissonància moral de la societat danesa. Per la seva banda, [Sebastian] Bull interpreta en Mikkel amb la impenetrabilitat d’un animal salvatge, “Sons” li dóna totes les oportunitats per suavitzar-se i donar a l’Eva una dosi de la seva pròpia medicina, però en Mikkel continua sent [un individu] prou desesperat i impredictible com per qüestionar-nos-en el potencial de la rehabilitació, i qui podria tenir la culpa perquè ell es quedi curt d’aquell objectiu. “Algunes persones no es poden salvar”, murmura l’Eva en un moment donat. “Així és com és”. Encara que no [està] resolt i [sigui] desinflantment retòric, el thriller de Möller manté el seu control contundent sobre nostre perquè es nega a veure-ho com un fracàs del sistema penitenciari del seu país, en contraposició al seu èxit final.

Berlinale Special.

D’ADOLPH Jörg i REITZ Edgar, “Subject: Filmmaking” / “Filmstunde_23”. Producció: Alemanya. Durada: 1h29. Guió: Jörg Adolph, Edgar Reitz. Documental. Sinopsi:L’any 1968, una aula d’un institut de noies de Munic es transforma en un estudi de cinema sota la direcció del jove Edgar Reitz. Comença la lliçó de cinema: el primer intent documentat de la història del cinema d’ensenyar l’estètica cinematogràfica com a assignatura autònoma. El 2023, Edgar Reitz, ara mundialment famós com a director de la pel·lícula èpica “Heimat“, és abordat per una dona gran que s’identifica com una de les seves alumnes del 1968. Els dos organitzen una reunió de classe. Recopilat a partir d’un documental realitzat en aquell moment sobre el projecte, les pel·lícules Super 8 rodades pels alumnes i la reunió filmada el 2023, es crea una mena de llarga exposició dels darrers 55 anys d’història del cinema. Les personalitats dels alumnes ja són evidents a les pel·lícules d’exercici? I què tenen a dir les dones ara sobre la cultura cinematogràfica contemporània? “Filmstunde_23″ és una declaració d’amor pel cinema. Jörg Adolph: Herford, Alemanya, 1967. Documentalista. Edgar Reitz: Morbach, Alemanya, 1932. Prestigiós autor, entre d’altres films, de la trilogia “Heimat“. Enllaços: IMDB, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Jaime Pena, a la ressenya per a ‘Caimán’: Desconeixia del tot de l’existència de la pel·lícula “Filmstunde”, rodada per Edgar Reitz l’any 1968 i en què el cineasta alemany impartia un taller en un institut femení a un grup de 13-14 anys. Les imatges d’aquella pel·lícula es poden veure en aquesta nova versió rodada 55 anys després, “Filmstunde_23”, amb aquest mateix grup d’antigues alumnes, ara unes dones que han ben entrat als setanta. És la història d’un retrobament, però molt més que això. També el renaixement d’una utopia: el sentit del cinema, és a dir, del llenguatge del cinema, com a manera d’entendre el sentiment de les imatges que ens envoltaven i que ens segueixen envoltant avui encara més. (..)  “Filmstunde_23″, com segurament ho va ser la pel·lícula original, és tot un alegat sobre la necessitat d’una educació audiovisual, sobre l’amistat i un lament per una gran oportunitat perduda: en aquell grup hi havia més d’un gran cineasta en potència.

D’EGOYAN Atom, “Seven Veils“. Producció: Canadà, 2023. Durada: 1h49. Guió: Atom Egoyan. Amb Amanda Seyfried, Rebecca Liddiard, Douglas Smith, Mark O’Brien, Vinessa Antoine. Sinopsi: La directora teatral Jeanine (Amanda Seyfried) ha de reviscolar la peça més famosa del seu antic mentor i amant, una posada en escena de l’òpera ‘Salomé‘. Mentre treballa en la producció, que tracta el trauma del personatge principal, Salomé, la Jeanine ha de renegociar diverses relacions a la seva pròpia vida. Alhora, el seu viatge es troba inesperadament amb el de diversos cantants i membres de l’equip de producció. A mesura que s’acosta la nit de l’estrena, aquests diversos desitjos i ambicions comencen a topar i és així que la història de Salomé pren un nou significat per a la Jeanine. Nota: pel·lícula presentada anteriorment al canadenc Windsor International Film Festival 2023. Atom Egoyan: El Caire, Egipte, 19.07.1960. Fill de pares armenis, va créixer al Canadà. Els seus 19 llargmetratges i projectes relacionats amb teatre, òpera i instal·lacions d’art han guanyat nombrosos premis, com ara el Gran Premi, el Premi FIPRESCI i el Premi Ecumènic del Jurat a Canes, dues nominacions a l’Oscar, vuit premis Canadian Screen, premis del National Board of Review i el premi a la Millor Adaptació Internacional a la Fira del Llibre de Frankfurt. Després que el Fòrum projectés diverses de les seves pel·lícules als anys noranta, va ser president del jurat internacional de la Berlinale de 2003. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Gerard Casau, a X: ‘Seven Veils’ no és ‘Exotica’, però almenys es nota que l’Atom Egoyan ha gaudit de retrobant-se amb l’Amanda Seyfried per aixecar un psicodrama a partir del muntatge de ‘Salomé’ que ell mateix va portar a escena. L’acumulació de capes acaba pesant, això sí. Lorenzo Ciofani, a la ressenya per a ‘Cinematografo’: El teatre és vida: Atom Egoyan entrellaça la seva producció (real) de [l’òpera] ‘Salomé’ amb la (falsa) història d’un director en crisi. Més confús que incòmode, intrigant a la seva manera. “Seven Veils”, és a dir, els set vels que Salomé va moure mentre ballava, per tant seduint: una figura bíblica, extreta d’Oscar Wilde que, en la seva coneguda versió teatral, atribueix a ella i no a la seva mare Heròdies -com llegim als Evangelis- el desig únic de la decapitació de Joan Baptista, per venjar-se del profeta culpable de no estimar-la. El 1905 Richard Strauss en va escriure una òpera, amb un llibret de Hedwig Lachmann, que la Canadian Opera Company va posar en escena el 1996 sota la direcció d’Atom Egoyan, i després la va reestrenar diverses vegades fins a la reestrena del 2023. L’any en què el mateix Egoyan, glòria cinematogràfica nacional, va entrellaçar-ne el rodatge escènic amb una història de ficció, en la qual la directora de teatre Jeanine, cridada a tornar a posar en escena l’obra del seu antic mentor i amant, s’enfronta a diverses qüestions pendents (..). Cada vegada que un director explica la història d’un director no podem deixar de pensar en les correspondències entre la ficció i la realitat, però “Seven Veils” (..) deixa clar del títol que la realitat és com una ceba. Els set vels de Salomé són els vels d’aquesta pel·lícula que és més un joc de rol que una experimentació agosarada, on les pantalles que habiten les pantalles són la imatge evident d’un discurs autoreflexiu, en el qual les imatges existeixen en funció d’altres, la tecnologia amplifica la desorientació i la veritat no es pot captar només des d’un punt de vista. No és només a nivell teòric on Egoyan toca temes estimats per ell: l’obra qüestiona la directora (i no a l’inrevés), la narració es configura com un mirall de la seva experiència (les connexions amb la seva vida privada són programàtiques), els moviments coreogràfics representen allò que no és explícit sobre el paper però que en realitat és força evident. Sempre interessat a explorar les fronteres de la falsificació i els desitjos menys decents, l’Egoyan ens ha acostumat a pel·lícules deliberadament incòmodes, però tan atrapades en un repertori d’al·legories i metàfores que acaben sent massa esquemàtiques. “Seven Veils” no n’és una excepció, amb la diferència que hi ha quelcom morbós i intrigant en els subtextos: el rostre d’Amanda Seyfried, una actriu gens extraordinària que està aprenent a capitalitzar les zones grises de la seva imatge; la bogeria dels cantants als assajos; l’espectre patern que planeja, controla i finalment s’esborra.

De MANIERI Francesca (creadora) i Matteo Rovere, Francesco Carrozzini, Francesca Mazzoleni (directors), “Supersex“. Producció: Itàlia. Durada: 2h25. Sèrie (de Netflix). Guió: Francesca Manieri. Amb Alessandro Borghi, Jasmine Trinca, Adriano Giannini. Nota sinòptica: la historia de la familia d’en Rocco Siffredi, els seus orígens, la seva relació i el context que el va portar a emprender el camí de la pornografia i acceptar que el dimoni en el seu cos és compatible amb l’amor. Sinopsi: En Rocco Siffredi (al film, interpretat per Alessandro Borghi) és considerat l’estrella porno més famosa del món. Nascut Rocco Tano a Ortona, Itàlia, creix en circumstàncies humils. Els seus models a seguir són el seu germà gran Tommaso, que està sortint amb la noia més desitjada de la ciutat, i en Supersex, un superheroi molt particular en un còmic pornogràfic. Quan, en un increïble gir del destí, en Rocco coneix en Supersex, descobreix que tots dos comparteixen el mateix superpoder. Això el pot salvar de les difícils circumstàncies de la seva vida, però també l’obliga a pagar el preu més alt: renunciar a l’amor per sempre, o això sembla. La sèrie descriu una vida a la indústria del porno. Es tracta de sexe i passió, però també de mort. La història examina com es construeix el masclisme i quines qüestions de desig i poder encara dominen la relació entre homes i dones avui en dia. Francesca Manieri: guionista cinematogràfica i de sèries televisives -entre les quals, ‘We Are Who We Are‘, de Luca Guadagnino (2020)-. Enllaços: IMDB, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Gian Luca Pisacane,a l’article per a ‘Cinematografo’: “Volíem, com a dones, parlar del masclisme i del seu camí de construcció. El porno, a diferència dels anys setanta, ja no té el poder disruptiu de l’avantguarda a l’hora de descriure el sexe. Avui està gairebé amagat. El repte del nostre temps és entendre la relació entre masculí i femení. Siffredi no és una excepció, sinó un excés de la nostra societat. El vam prendre com a exemple per fer de la sexualitat una gran epopeia”, explica Francesca Manieri, que ha creat i escrit ‘Supersex’, la sèrie de set capítols vagament inspirada en la vida de Rocco Siffredi. (..) Alessandro Borghi interpreta Siffredi. “Des que era petit no he tingut mai un gran sentit del pudor. No tinc problemes relacionats amb la nuesa, ho faig naturalment si és preparatori dins d’una narració. (..)“. I sobre la col·laboració amb Siffredi: “Sempre m’ha estat a prop, em va obrir les portes de casa seva, em va donar suport. El risc era imitar, mentre que jo volia captar la veritat. Es tracta d’una sèrie creada per crear un debat, per generar un debat. Per a alguns Rocco és un monstre, per a altres és un heroi” (..).

De HEO Myeong-haeng, “The Roundup: Punishment” / “Beom-Joe-do-si 4”. Producció: Corea del Sud. Durada: 1h49. Guió: Oh Sang-ho. Amb Don Lee, Kim Moo-yul, Park Ji-hwan, Lee Dong-hwi. Nota sinòptica: thriller d’acció criminal, en què el detectiu Ma Seok-do (Don Lee) s’uneix a l’equip d’investigació cibernètica per atrapar en Baek Chang-ki (Kim Moo-yul), un antic mercenari i cap d’una organització de jocs d’atzar en línia. Sinopsi: Mentre investigaven una aplicació de tràfic de drogues, “Monster Cop” Ma Seok-do i el seu equip descobreixen una connexió entre el desenvolupador de l’aplicació, que va ser assassinat a les Filipines, i una organització il·legal de jocs d’atzar en línia. Mentrestant, a les Filipines, Baek Chang-ki controla el mercat de jocs d’atzar il·legals en línia coreà i propaga el terror amb segrest, assalt i assassinat. El seu soci, el geni informàtic Chang Dong-cheol (Lee Dong-hwi), està planejant un pla encara més gran a Corea. Per posar fi a l’amenaça creixent, el detectiu Ma amplia la seva operació proposant una aliança inesperada… Nota: És el quart lliurament de la saga ‘Roundup’. Heo Myeong-haeng: Corea del Sud, 1979. Ha treballat com a coordinador d’acrobàcies des del 1998 (fins i tot per a l’escena de lluita de martells a “Oldboy“), tasca que li ha valgut un gran reconeixement. “The Roundup: Punishment” és el seu segon llargmetratge com a director. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

D’ ANDERSEN Brandt, “The Strangers’ Case“. Producció: Jordània. Durada: 1h37. Guió: Brandt Andersen. Amb Yasmine Al Massri, Yahya Mahayni, Omar Sy, Constantine Markoulakis, Jason Beghe. Nota sinòptica: La tragèdia que afecta una família siriana a Alep desencadena una reacció en cadena d’esdeveniments que involucren cinc famílies diferents de quatre països. Sinopsi: Fa més de quatre segles, William Shakespeare va col·laborar amb altres en una obra sobre el personatge històric Sir Thomas More. En ella, va escriure un discurs en què More articula apassionadament una defensa dels refugiats, que culmina amb una commovedora referència a la seva difícil situació. Avancem ràpid fins al present: Alep, en plena guerra civil siriana. L’Amira (Yasmine Al Massri ), cirurgiana pediàtrica, fa una operació que salva vides durant els dies més foscos del conflicte. A través d’un gir inesperat del destí, ella i la seva filla es converteixen en personatges centrals d’una història perillosa que entrellaça de manera intricada les vides de cinc famílies que abasten quatre continents i redefineix totes les seves existències. Les versions d’aquesta història continuen repetint-se al llarg dels segles. Per aquest motiu, Shakespeare va anomenar encertadament aquesta situació com “El cas dels estranys“. Nota: òpera prima. Brandt Andersen: Tampa, Florida, EUA, 13.09.1977. És autor del curt “Refugee” (2020), protagonitzat per Yasmine Al Massri, Massa Daoud, Omar Sy i Jason Beghe, sobre un metge sirià que, amb la seva filla petita, intenta fugir de la seva pàtria devastada per la guerra. Andersen ha treballat en esforços humanitaris centrats específicament en l’assistència als refugiats. L’octubre de 2019, va viatjar amb l’organització CanDo a un hospital i camp de refugiats al nord-est de Síria. Estava entrevistant i filmant metges i infermeres a la regió devastada per la guerra durant la retirada de les tropes nord-americanes i la posterior ofensiva turca. El 2017, en associació amb CARE, Andersen va portar un grup de cineastes al camp de refugiats d’Azraq a Jordània per ensenyar a fer cinema a adolescents refugiats sirians. Anteriorment, Andersen va viatjar amb les Nacions Unides a camps de refugiats a Grècia i Itàlia. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Encounters.

D’ Aliyar RASTI, “The Great Yawn” / “Khamyazeye bozorg”. Producció: Iran. Durada: 1h33. Guió: Aliyar Rasti. Amb Mohammad Aghebati, Amirhossein Hosseini, Saber Abar, Mahin Sadri, Mehrdad Ziaie. Nota sinòptica: Un home somia que una caixa de monedes d’or l’està esperant al fons d’una cova. Frenat per la seva creença religiosa, que no li permet apoderar-se’n, demana ajuda a un no creient. Junts, emprenen un llarg viatge pel paisatge iranià a la recerca d’un miracle. Sinopsi: En Beitollah (Mohammad Aghebati) és un home religiós que ha estat somiant amb una caixa de monedes d’or que apareix al final d’una cova. Creu que aquestes monedes són un miracle i les vol trobar. Però com que no considera que les monedes siguin ‘halal’, vol trobar un assistent no religiós que l’acompanyi a la recerca. Amb l’ajuda d’un anunci de feina imprès al dors de bitllets de dòlar falsificats que en Beitollah distribueix pels carrers de Teheran, recluta el jove Shoja (Amirhossein Hosseini) i tots dos se’n van junts a buscar les monedes. Descobreixen diverses coves al nord de l’Iran, però cap és la correcta. Es traslladen als deserts centrals de l’Iran i passen la nit a un local d’un caravanserrall. El propietari de la fonda sospita que aquests dos podrien estar buscant un tresor i decideix seguir-los amb la seva moto… Nota: òpera prima. Aliyar Rasti: Teheran, Iran, 1988. Va començar com a artista visual i des de llavors s’ha aventurat a fer cinema. El seu primer curtmetratge va ser “In Between” (2018) -la investigació d’un crim-, que va guanyar el Millor Curtmetratge de l’any al  35è Festival Internacional de Curtmetratges de Teheran i el Millor Debut al 16è Festival Internacional de Cinema de Tirana, a Albània. “America” (2020) -una parella és de viatge per carretera, on un joc improvisat revela els costats ocults dels seus personatges i la seva relació única- va ser el seu segon curtmetratge, fet abans de debutar ara amb “The Great Yawn”. Enllaços: Aliyar Rasti, IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Siddhant Adlakha, a la ressenya per a ‘Variety’: L’excel·lent debut iranià d’Aliyar Rasti, “The Grat Yawn”, lluita amb la fe i la desil·lusió durant una desolada cacera del tresor. (..) Una història tan misteriosa i malenconiosa com divertida. La pel·lícula es ven abans que res per les seves actuacions precises. Ambdós homes protagonistes semblen adaptar-se a tipus específics, entre el lliurament agut i puntual de [Mohammad] Aghebati i el comportament desgastat, la postura carregada i els ulls enfonsats d’ [Amirhossein] Hosseini. Les energies contrastades que porten a la pantalla impregnen el seu viatge (de Teheran al paisatge rural) d’un enginy sardònic i reservat, però Rasti mai perd de vista les qüestions espirituals a les perifèries dels personatges. De mica en mica, ambdós actors van descobrint capes més complexes dels seus personatges, entre els dubtes persistents de Beitollah sobre les seves pròpies conviccions i el despreniment de Shoja del món modern, com un jove tan desesperat per la feina que està disposat a seguir aquest pla supersticiós [que Beitollah li proposa]. (..) Per la naturalesa del pla de Beitollah, els dos homes han d’estar en extrems oposats d’un espectre moral si volen reeixir. Tanmateix, creure en aquest esquema en primer lloc és un enigma en si mateix, que els treu a tots dos dels seus respectius extrems cap a un centre moral més tèrbol. El que creuen pot semblar sòlid a la superfície, però finalment es veu obligat a ser flexible (sovint en secret, o de maneres que no volen admetre) gràcies a les seves circumstàncies econòmiques. (..) A mesura que les vulnerabilitats i els dubtes dels personatges van quedant més clares, les seves interaccions es tornen alhora més divertides i més desesperades; tot plegat, es fan més familiars. L’enquadrament visual fa tot el possible per millorar aquests tons canviants i superposats, ja sigui en plans amples que capturen la insignificança de Beitollah i Shoja davant el paisatge natural o en primers plans ajustats de perfil que els segueixen mentre es mouen (..) A mesura que Rasti combina els mons de la fe i la superstició amb negociacions desesperades arrelades en la recessió econòmica, el seu ull agut s’assegura que la llum, la càmera, l’ombra i el bloqueig sempre prenguin una forma inesperada, fent que “The Grat Yawn” sigui una delícia constant, fins i tot (..) meditativa. 

De Margarida GIL, “Mãos no fogo” / “Hands in the Fire”. Producció: Portugal. Durada: 1h49. Guió: Margarida Gil. Amb Carolina Campanela, Marcello Urgeghe, Adelaida Teixeira, Rita Durão, Ricardo Aibéo. Sinopsi: La jove estudiant de cinema Maria do Mar (Carolina Campanela) està treballant en un documental sobre les antigues cases pairals del riu Douro. És el projecte final de la seva tesi sobre “La realitat al cinema”. La Maria té una confiança il·limitada en allò que és visible. La seva candor i la seva ingenuïtat li permeten veure el costat brillant de la vida, com ara la bellesa del paisatge i l’autenticitat del lloc, o el que en queda. Però quan la Maria entra a l’última casa pairal de la seva llista, aviat s’adona que en aquesta casa està passant alguna cosa que no és tan innocent com semblava. La casa pairal és realment una casa dels horrors. Margarida Gil: Covilhã, Portugal, 07.09.1950. Va estudiar filologia alemanya a Lisboa. Com a cineasta atresora una carrera de més de trenta anys, amb pel·lícules com “Relação Fiel e Verdadeira” (1987), que es va projectar a Venècia, i “Rosa Negra” (1992), que es va presentar a Locarno. Va estar casada amb el director João César Monteiro, amb qui va treballar estretament com a actriu, guionista i ajudant de direcció. El 2005, va guanyar el premi a la trajectòria al Festival Internacional de Cinema de Roma. Enllaços: IMDB, MyMovies, Filmaffinity.

De Travis WILKERSON, “Through the Graves the Wind Is Blowing“. Producció: EUA. Durada: 1h24. Co-guionistes i co-productors: Travis Wilkerson i Ivan Peric. Muntatge, so, vestuari: Travis Wilkerson. Fotografia: Travis Wilkerson i Erin Wilkerson. Amb Ivan Peric, Travis Wilkerson, Matilda Jane Wilkerson, Dalton Wilkerson. Nota sinòptica: Un detectiu frustrat intenta resoldre una sèrie d’assassinats a Split, Croàcia. Sinopsi: Si hi ha algú que encarna l’estat de vida actual a Croàcia, és el detectiu de policia Ivan Peric (Ivan Peric). Fill d’un pescador, es va convertir en detectiu per evitar treballar en l’única indústria realment pròspera de l’actual Croàcia: el turisme. Ara la seva vida es consumeix intentant resoldre una sèrie d’assassinats de turistes essencialment irresolubles. Com que els turistes són tan menyspreats, ningú ajudarà l’Ivan. L’evidència desapareix al laberint de la burocràcia. És humiliat en públic i en línia. A la premsa local, el seu cap fins i tot l’etiqueta com un “uhljeb”, l’insult croat per a un “paràsit burocràtic mandrós”. Tot això passa a la ciutat de Split, on la ruptura de Iugoslàvia ha deixat empremta. Travis Wilkerson: Denver, Colorado, EUA, 1969. Va estudiar cinema i treballa com a escriptor, director i productor. Ell i la seva dona, Erin Wilkerson, van fundar el col·lectiu d’art polític Creative Agitation i van dirigir la pel·lícula “Nuclear Family” que es va projectar al Fòrum de la Berlinale 2022. El conjunt de la seva obra cinematogràfica, que ha estat reconeguda internacionalment, produïda amb recursos modestos i de la manera més autosuficient possible, traspassa els límits entre el documental i el cinema de ficció, la performance i l’activisme. El 2015, la revista de cinema “Sight & Sound” va nomenar Wilkerson “la consciència política del cinema americà”. Enllaços: Traviswilkersonfilms, IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Panorama.

Sèrie:

“Zeit Verbrechen 1: Dezember“, de Mariko MINOGUCHI. Producció: Alemanya. Amb Samuel Benito, Lisa Hagmeister, Kailas Mahadevan, Sebastian Zimmler, Aljoscha Stadelmann. Sinopsi: Després d’una nit salvatge amb els amics, en Tim no pot trobar el camí de casa. Toca els timbres dels desconeguts fins que la policia ve a buscar-lo. L’endemà al matí, troben mort el noi de 18 anys en una carretera rural.

“Zeit Verbrechen 2: Der Panther“, de Jan BONNY. Producció: Alemanya. Amb Lars Eidinger, Anna Bederke, Marc Poersken, Sahin Eryilmaz, Magdalena Laubisch. Sinopsi: En Johnny és un jugador i gàngster que s’omple les butxaques com a informant confidencial. Però se l’amenaça de descobrir-lo.

“Zeit Verbrechen 3: Deine Brüder“, de Helene HEGEMANN. Producció: Alemanya. Amb Zethphan Smith-Gneist, Lavinia Wilson, Luna Wedler, Eren M. Güvercin, Adrian Vasile But. Sinopsi: En Cem i els seus cinc amics han format una colla molt unida des de la infància. Però en Cem està canviant: s’està tornant més dur i amenaça els que l’envolten. En algun moment, la por dels altres envers ell creix tant que esclata en un acte de vigilantisme brutal.

“Zeit Verbrechen 4: Love by Proxy“, de Faraz SHARIAT. Producció: Alemanya. Amb Maja Simonsen, Fiifi Jefferson Pratt, Jan Henrik Stahlberg, Sandra Hüller, Briggitte Akosua Appiah. Sinopsi: Quan Earlie Thomas viatja a Ghana per rebre en herència el llegat del seu pare assassinat, de sobte la seva vida corre perill. En Ralf, el seu amant alemany, intenta per tots els mitjans possibles de portar-la a un lloc segur.

Us ha agradat aquest article? Compartiu-lo!