Club 7 Cinema

Jornada de pel·lícules fallides, a la Berlinale 2024. Piero Messina torna al tema del dol, però ara en clau futurista, sense aprofundir en les grans qüestions i quedant-se en el terreny dels sentiments i Olivier Assayas reconstrueix el confinament ‘privilegiat’ COVID en un film menor, tanmateix intimista i pictòric. Salva els mobles del dia de festival Andreas Dresen, nascut a l’Alemanya de l’Est, que ha convençut part de la crítica parlant d’uns resistents joves i comunistes que els nazis van detenir i executar i que el règim de la RDA va tractar d’herois. Per la seva banda, en un film qualificat de maldestre, Stephen Fry, en el paper d’un jueu supervivent de l’Holocaust, i Lena Dunham, com la seva filla, emprenen un viatge de retorn a la Polònia natal d’ell…

Competició.

De Piero MESSINA, “Another End“. Producció: Itàlia. Durada: 2h09. Guió: Piero Messina, Giacomo Bendotti, Valentina Gaddi, Sebastiano Melloni. Amb Gael García Bernal, Renate Reinsve, Bérénice Bejo, Olivia Williams, Pal Aron. Nota sinòptica: En un futur proper hi ha la possibilitat d’acomiadar-se de les persones que ja no són aquí, buscant la manera d’alleujar el dolor de la separació, un temps extra per aprendre a acomiadar-se. Què queda de tot l’amor que els cossos es prometen quan s’acaba el seu temps? Sinopsi llarga: Els ulls buits d’en Sal (Gael García Bernal) semblen viure només dels records des que va perdre la Zoe (Renate Reinsve), l’amor de la seva vida. Records, com fragments d’un mirall trencat que no es poden tornar a reunir. La seva germana Ebe, que es mira el germà amb preocupació creixent, li suggereix que confiï en ‘Another End’, una nova tecnologia que promet alleujar el dolor de la separació tornant a la vida, per poc temps, la consciència dels que se n’han anat. Així és com en Sal torna a trobar la Zoe però en el cos d’una altra dona (Ava, també Renate Reinsve). Un cos desconegut en el qual reconeix misteriosament la seva dona. El que s’havia trencat de sobte sembla recompondre’s. ‘Another End’ dóna temps a en Sal per compartir una mica més de la seva vida amb la Zoe, per tornar-la a estimar, per ser estimat per ella, per poder acomiadar-se’n. Però és una alegria fràgil, efímera, insidiosa i, arribat al final del programa, en Sal no pretén assistir mansament a la dissolució del seu amor, a la pèrdua definitiva de la seva dona. Potser l’amor realment sobreviu i l’eternitat es promet a través dels cossos. Piero Messina: 30.04.1981, Calatagiró, Itàlia. El 2012 va participar al concurs de la Cinéfondation del Festival de Canes amb el curt “Terra” i el seu títol més destacat, “L’espera” / “L’attesa” (2015) va optar al Lleó d’Or de la Mostra de Venècia, on s’endugué premis no oficials. Enllaços: IMDB, MyMovies, AlloCiné, Filmaffinity. VI: Newen. DI: 01. EI: 21.03.2024.

Algunes reaccions:

Sergi Sánchez, a Facebook: A “Another Time” vivim en un futur on podem transferir la consciència d’un ésser estimat acabat de morir a un cos hoste per tal de facilitar el dol, de fer possible un comiat que una mort brusca ha impedit. (..) Sal (Gael García Bernal), que ha perdut la seva parella en un accident de cotxe de què es culpa, contracta aquest peculiar servei tanatològic davant la insistència de la seva germana, que treballa a la companyia que l’ofereix. El punt de partida genera preguntes interessants al voltant de la relació que mantenen els afectes amb el cos, l’aparença i la consciència de l’altre, però també provoca esculls de versemblança que la pel·lícula decideix ignorar. Deia Piero Messina en roda de premsa que va voler que la pel·lícula fos més precisa en la seva dimensió emocional que en la construcció de la seva narrativa distòpica, com si el primer no depengués de la segona: que “Another Time” decideixi apartar-se d’allò filosòfic per abraçar el que és romàntic a meitat del seu metratge sembla més fruit d’una incapacitat de Messina per desenvolupar el seu plantejament inicial que no pas d’una convicció honesta. El cineasta italià, que s’havia acostat als efectes del dol a la seva òpera prima, “L’espera”, acaba estancant-se en una terra de ningú on és impossible sentir-se còmode, com van demostrar algunes tímides esbroncades i rialles impacients al final de la seva sessió de premsa. Jessica Kiang, a la ressenya per a ‘Variety’: És irònic que la memòria sigui el tema central (..) d’ “Another End”, quan molts dels seus girs i tombs venen tan directament d’altres pel·lícules que sembla que els haguessis vist abans; fins i tot veient-ho per primera vegada tens la sensació d’estar tornant a veure-ho. Però si això fa que aquesta literalització elegíaca del tema atemporal de “què és el dol sinó l’amor perseverant?” sigui una experiència bastant fluïda, no és del tot desagradable. Menys dissenyat per provocar que per calmar, potser la mateixa familiaritat de bona part de la pel·lícula és una virtut, que ens permet gaudir de la seva elegants superfície amb la seguretat que no hi ha res a l’aguait a les profunditats que ens alarmi. De fet, l’incident alarmant central de la història ha passat temps abans que comenci la pel·lícula: un accident de cotxe del qual Sal (Gael García Bernal) creu que va ser el responsable i en què va morir la seva dona. Incapaç de fer front a la seva culpa i dolor, Sal recorre a reproduir els seus records, una tecnologia que aquesta societat del futur proper ha perfeccionat, i fins i tot intenta suïcidar-se. La seva germana Ebe (Bérénice Bejo), que és sospitosament incansable en els seus esforços per consolar-lo, l’anima a utilitzar els serveis de l’empresa per a la qual treballa, Another End. A les grans instal·lacions brillants de l’empresa, poden descarregar els records d’una persona morta a un “amfitrió” que els consenteixi essencialment reanimant-los en un cos diferent. Durant un curt període de temps, podeu recuperar el vostre ésser estimat. A part de les preguntes òbvies com ara si els records d’algú ho són realment, i si series capaç d’estar enamorat d’una persona en un cos diferent, hi ha un munt de qüestions ètiques, pràctiques i filosòfiques que aquest procés planteja. Messina i els seus tres coguionistes Valentina Gaddi, Sebastiano Melloni i Giacomo Bendotti intenten explicar-los de manera bastant poc elegant, inventant un embolic de regles i condicions que no semblen basades especialment en la ciència (ficció) de la pel·lícula (..). Aquí hi ha una mica de “Strange Days” de Kathryn Bigelow i molt de “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, però també hi ha punts de contacte menys exaltats com “Surrogates” i altres pel·lícules millors de l’extrem més íntim de l’escala, com ara “Apples” de Christos Nikou. Però el problema amb “Another End”, i una de les maneres en què no arriba al panteó al qual fa referència, és que Messina sembla menys interessat en l’efecte psicològic que en el que permetria el fet de tenir més temps amb un ésser estimat desaparegut en el procés de dol i està més preocupat per anar acumulant girs telegrafiats. Incloent una revelació que s’interpreta com una gran trampa, però per a la qual la presència de l’estrella de “El sisè sentit” / “The Sixth Sense”, Olivia Williams, encarnant a un altre client d’Another End, és gairebé un espòiler. Tot i així, l’estudiós i elegant cinema de Messina (..) dóna una mena de suau gravetat fins i tot a les parts de la història que menys s’ho mereixen (..) . I [Gael García]Bernal i [Reanata] Reinsve tenen cares tan observables (el d’ell, ben guapo i atormentat, i el d’ella tan fresc com un retrat pictòric en què encara no s’ha assecat la pintura), que gairebé dóna sentit al canvi final de l’eix de la pel·lícula. A mesura que “Another End” s’endinsa en, bé, un altre final, tota la bastida de ciència-ficció, raquítica per començar, cau i les seves veritables intencions es fan evidents. (..) La pel·lícula en si és simplement una història d’amor, en què Messina agafa un camí extraordinàriament llarg per arribar-hi. David Rooney, a la ressenya per a ‘The Hollywood Reporter’: En el seu primer llargmetratge del 2015, “L’espera”, Piero Messina va escollir Juliette Binoche com una mare en dol pel seu fill, amagant-ne la notícia de la mort a la seva xicota, potser com una manera de mantenir-ne viu l’esperit. El director italià revisa el procés desgarrador del dol i la reticència a deixar-lo  en un context decididament més conceptual a “Another End”, que compta amb un treball captivador d’un conjunt sòlid i uns valors de producció polits, però que esdevé cada cop més fred i pesat, fins i tot abans de passar la marca de les dues hores. De la mateixa manera que els regals de la Binoche van elevar la pel·lícula anterior, l’actiu clau aquí és Gael García Bernal, que aporta una profunditat de sentiment massa sovint afeblit en altres llocs pels delicats detalls de la tecnologia del futur de la premissa central. Com més s’explica aquest aspecte, més sembla tot un episodi distès de ‘Black Mirror’. (..) On el guió de Messina, Giacomo Bendotti, Valentina Gaddi i Sebastiano Melloni s’enfonsa sobre si mateix és en la quantitat desmesurada de detalls complicats carregats (..). [Gael García] Bernal és un actor intensament observable, que et manté emocionalment involucrat en els sentiments crus d’en Sol, mentre que [Bérénice] Bejo, [Renata] Reinsve i [Olivia] Williams aporten el màxim de matisos possibles als seus personatges no gaire escrits. Però per a una peça de ficció especulativa sobre un tema tan sensible com el procés de dol, “Another End” esdevé en distanciador, un drama de ciència-ficció del futur proper massa silenciós per oferir recompenses significatives. (..) Les preguntes que es fa la pel·lícula, sobre si les efímeres segones oportunitats que ofereix ‘Aeterna’ [l’empresa de l’Another End] són curatives o perjudicials, deuen alguna cosa a “Solaris”. Però les reflexions que suscita aquest escenari no tenen el pes per deixar el públic rumiant-hi durant molta estona. Davide Abbatescianni, a la crítica per a ‘Cineuropa’: Piero Messina explora un ampli ventall de temes de ciència ficció, tant habituals com innovadors, signant un commovedor i imperfecte relat sobre la pèrdua. De què està feta la nostra identitat? Com contribueix la memòria a la pròpia identitat? Quin paper juguen la memòria i la identitat quan ens enfrontem a la pèrdua d’un ésser estimat? Aquestes són les qüestions crucials que aborda el segon llargmetratge de Piero Messina, “Another End” (..). El conte de Messina és un viatge molt emotiu, tot i que es basa en una àmplia gamma de tropes antics i nous de la ciència-ficció literària i cinematogràfica. Hi ha desenes de referències i pistes nítides –a més d’altres de més obscures– que fan que aquesta obra no sigui especialment original i ens deixen una sensació de ‘déjà’ vu prou forta. Algunes pel·lícules i sèries que poden venir a la ment inclouen “Her”, de Spike Jonze, “El sisè sentit” / “The Sixth Sense”,  de M Night Shyamalan, i els episodis de ‘Black Mirror’ ‘The Entire History of You’ i ‘Be Right Back’. Dit això, les excel·lents interpretacions dels tres actors principals (i la de García Bernal en particular, que fa de Sal un personatge molt identificable) juntament amb l’estil visual enginyós poden fer que sigui plaent al públic (..). David Ehrlich, a la ressenya per a ‘IndieWire’: Bones notícies: la mort no és la fi de l’amor com l’amor és la fi de la mort. Al contrari, potser trobareu que perdre algú us pot ajudar a trobar-lo en llocs que mai pensàveu buscar quan vivia; la distància pot permetre claredat, i aquesta claredat pot permetre un nou tipus de proximitat. Males notícies: aquest procés està ple de preguntes sense resposta i estem pensant-ne de noves estranyes per fer-les cada dia. Hi havia una vegada que ho podies deixar en: “Com se suposa que has d’aconseguir el tancament quan la mort obre tantes portes a un possible descobriment?” Ara, amb la infinitat d’artefactes digitals que tots portem a la butxaca i la promesa naixent que la A.I. podria preservar la consciència d’algú durant els segles a venir, la tecnologia ens ha obligat a considerar les aplicacions pràctiques dels experiments de pensament que abans es percebien com exercicis de ciència-ficció. Què ens connecta amb les persones que ens importen? Més concretament: si podem estimar algú sense el seu cos, podríem estimar-lo en un cos diferent, o ens veurem obligats a reconèixer que algun aspecte dels nostres fantasmes és finalment impossible de separar del seu envoltall? L'”Another End” de Piero Messina no està tan inquiet sobre aquests temes com els capricis de la seva narració et poden fer creure. Ambientat en un present alternatiu on la consciència d’una persona morta es pot carregar al cos d’un amfitrió voluntari (durant un temps limitat, i només sota la supervisió acurada de la misteriosa corporació que regula aquesta tecnologia), (..) -aquest conte no ens dóna mai cap motiu per sospitar que la seva tecnologia màgica podria desfer el dolor de la condició humana, o fins i tot suavitzar-lo-. “Another End” no passa vergonya tanmateix. De fet, l’únic moment veritablement penetrant del guió irregular de Messina arriba quan un dels científics d'”Another End” admet que el programa és només un alleujament del dolor disfressat de teràpia. En una pel·lícula vaporosa que lluita per dramatitzar el do de la nostra espècie per a l’autoengany, aquesta confessió és molt més profunda que qualsevol altra part de la premissa d’alt concepte dissenyada per a provocar-la. (..) Interpretat per un commocionat Gael García Bernal, el paper del qual sense detalls i la seva actuació plana es veuen afectats per un gir argumental que guarda informació clau fins molt després que hi hagis perdut l’interès (..) “Another End” adopta un enfocament adormit del seu drama interpersonal, i els seus personatges poques vegades es permeten desenvolupar-se més enllà dels conceptes que estan destinats a encarnar: amfitrions o no, tots se senten com simulacions. (..)  “Another End” ens tempta a preguntar-nos quin tipus de persona oferiria el seu cos com a amfitrió, sabent perfectament que no tindrien cap control sobre el que li va passar fins al final del seu torn? (..) Si Messina mostra un gran interès en com els cossos contenen els records d’una manera que la nostra ment no pot fer, aquest interès s’explora a la segona meitat d’aquesta pel·lícula amb un tedi que només es redimeix amb la ferida elusió de l’actuació de Reinsve. Els personatges aquí són tan amplis com les idees que els donen vida, i aquestes idees són, al seu torn, tan nues com la ciutat que els proporciona un teló de fons (..). “Another End” sap que mai deixarem d’intentar enganyar la mort (o almenys de negar-la tant de temps com puguem), però la pel·lícula de Messina està tan encisada per la flama apagada d’aquest desig que no té en compte que podria il·luminar la foscor que l’envolta. Igual que “Eternal Sunshine of the Spotless Mind”, a la qual aquesta pel·lícula perpètuament ennuvolada s’assembla a grans trets, aquesta és una història sobre persones que fan tot el possible a la recerca d’una drecera, només per trobar-se en un camí llarg i tortuós de tornada fins on van començar. Ambdues pel·lícules adverteixen de la inutilitat d’evitar el dolor de cor, però la nova forma estranya de gestació subrogada emocional que introdueix “Another End” no deixa espai perquè la llum del dia s’aboqui per les escletxes. No hi ha cap error que és menys una solució a un problema que un problema en si mateix, i és un problema que aquesta pel·lícula mai no té l’oportunitat de veure-ho amb claredat, i molt menys de resoldre’l.

D’Olivier ASSAYAS, “Hors du temps” / “Suspended Time”. Producció: França. Durada: 1h45. Guió: Olivier Assayas. Amb Vincent Macaigne, Micha Lescot, Nine D’Urso, Nora Hamzawi. Nota sinòptica: Durant el confinament de la COVID-19 el 2020, dues parelles es posen en quarantena juntes en una casa de camp, provocant tensions creixents i revelacions sobre les seves relacions. Sinopsi: L’Etienne (Vincent Macaigne), director de cinema, i el seu germà Paul (Micha Lescot), periodista musical, estan confinats junts a la casa on van créixer. Amb ells hi ha la Morgane (Nora Hamzawi) i la Carole (Nine D’Urso), les seves noves parelles. Cada habitació, cada objecte, els arbres del jardí o els camins a través dels boscos els traslladen als records de la infantesa i els seus fantasmes. El món que els envolta és cada cop més inquietant, la irrealitat del confinament i la comèdia envaeix els seus gestos i accions quotidians. És com si es trobessin suspesos en el temps… Olivier Assayas: París, França, 25.01.1955. Habitual de Canes i havent passat anteriorment també per Venècia, és el primer cop que aspira a l’Ós d’Or.  Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. DE: Adso Films*. DF: Ad Vitam*. EF: 19.06.2024.

Algunes reaccions:

Xavi Serra, a la crònica per al diari ‘Ara’: (..) són poques les ficcions que aborden de manera directa l’experiència del confinament, aquells mesos tan estranys de la nostra vida en què el temps es va suspendre i la incertesa ho dominava tot. “Hors du temps” (Fora del temps) és precisament com es titula la pel·lícula que Olivier Assayas ha presentat aquest dissabte a la Berlinale. [Els protagonistes masculins] sense fills i en l’idíl·lic paisatge rural d’un poblet francès –confinament privilegiat de mena–, entre els germans afloren les tensions per les diferents maneres d’assumir les mesures de seguretat sanitària. I poca trama més trobem en aquesta plàcida comèdia de costums que reivindica de manera explícita el treball figuratiu de pintors com Monet i David Hockney (l’artista favorit del germà cineasta) i que reclama, per tant, el dret del cinema a retratar també la realitat més prosaica i la nostra relació amb la natura. (..) Assayas no dissimula gens (al contrari) la condició autobiogràfica del relat. És el pas natural després d’explorar el tema de l’autoficció a la comèdia “Dobles vides” i, sobretot, després dels jocs entre realitat i ficció de la sèrie ‘Irma Vep’, en què l’actor que interpretava el seu ‘alter ego’ era l’esplèndid Vincent Macaigne, el mateix que a “Hors du temps”. Macaigne imprimeix al personatge una certa comicitat lligada a les seves manies, neurosis pandèmiques i elitisme cultural, però ni així aconsegueix evitar que acabi resultant un pèl carregós. Assayas és massa complaent en el seu (auto)retrat, i sigui per pudor o per desinterès no aprofundeix en els altres personatges, sobretot els femenins. Resulten força més reeixides les autoficcions de l’exparella d’Assayas, Mia Hansen-Love, que també compta, esclar, amb el seu avatar de ficció en aquest ‘roman à clef’ més interessant quan observa la natura que quan observa els personatges. Sergi Sánchez, a Facebook: (..) seria fàcil acusar Olivier Assayas d’autoindulgència quan narra la seva experiència de confinament compartit amb el seu germà i les respectives parelles a l’enorme casa de la seva infància, en ple camp francès, encara que també és cert que, en el relat, la consciència del seu privilegi sempre ocupa un lloc central. Per a valorar “Hors du temps” cal fer-ho considerant-la un epíleg menor de “L’hora d’estiu”, com la confessió d’un creador neuròtic que, durant el temps suspès de la pandèmia, troba prou espai mental per replantejar-se la relació amb el passat , amb el llegat de la seva família i amb la idea de transmissió. Si la pel·lícula recrea amb actors aquest període de confinament, combinant-la amb reflexions en off del mateix Assayas sobre les seves vivències a la casa, el que més hi destaca és, sorprenentment, el seu esperit renoirià, sobretot pel que fa a la filmació impressionista de la naturalesa. Els que seguim amb passió l’obra d’Assayas sabem del seu interès per indagar com la ficció eixampla els límits de la realitat i viceversa, però aquí, almenys visualment, són Monet, Vuillard, Auguste Renoir i el seu fill Jean (a qui sentim explicant la mort del seu pare) els que manen. Sembla que el retrobament amb la natura és el millor regal que la pandèmia va fer a Assayas cineasta. María Adell, a la ressenya per a ‘Otros Cines Europa’: Al començament d'”Hors du temps” (..), una llarga seqüència de muntatge ens mostra els espais on transcorrerà la pel·lícula: cases de camp, paisatges bucòlics del camp francès, una pista de tennis enmig d’un jardí enorme, una mansió abandonada a la seva sort… Sobre les imatges, la fràgil veu d’Assayas lliga aquests escenaris, que remeten a l’imaginari dels contes de fades, a la seva pròpia infància i adolescència. Estem, per tant, davant d’una obra memorística en què el cineasta parisenc proposa un exercici anàleg al de la superior “L’hora d’estiu”. Les dues pel·lícules apunten que, més enllà del factor econòmic, els llocs i els objectes –llibres, mobles, obres d’art– ostenten un valor emocional incalculable. Els passatges de “Hors du temps” en què Assayas comparteix, amb afecte i delicadesa, records associats a la màquina d’escriure del pare, a la col·lecció de llibres d’art o als mobles de l’habitació de la seva mare –moments propers a l’assaig fílmic o l’autoficció documental– són el millor d’un film desequilibrat, que no acaba de trobar el rumb. (..)  La sensualitat amb què Assayas filma els arbres, les flors o els raigs de sol que fan brillar l’herba apropa el director de “Viatge a Sils Maria” a l’esperit dels Lumière, els “últims pintors impressionistes”, segons Jacques Aumont. Fallida però honesta, “Hors du temps” elabora un discurs vitalista sobre la possibilitat de l’afecte i la bellesa en temps d’incertesa, alhora que proposa un diàleg constant amb la filmografia prèvia d’Assayas (..). Altres reaccions: Jaime Pena, l’article per a ‘Caimán’.

D’Andreas DRESEN, “From Hilde, with Love” / “In Liebe, Eure Hilde”. Producció: Alemanya. Durada: 2h04.  Guió: Laila Stieler. Amb Liv Lisa Fries, Johannes Hegemann. Sinopsi: A Berlín 1942, la Hilde (Liv Lisa Fries) és membre d’un grup antinazi. S’enamora d’un altre membre, en Hans (Johannes Hegemann). Passen un estiu feliç junts fins que els atrapa la Gestapo i la Hilde és empresonada, embarassada de vuit mesos. Andreas Dresen: Gera, República Democràtica Alemanya, 16.08.1963. Habitual dels festivals, va guanyar el Grand Premi del Jurat de Berlín amb “A media escalera” / “Grill Point” / “Halbe Treppe” (2002) i li van premiar “Rabiye Kurnaz contra George W. Bush” (2022); a Canes el Jurat d’Un Certain Regard li va lliurar el premi ‘Coup de Coeur’ per “En el séptimo cielo” / “Septième ciel” / “Wolke 9” (2008); el 2009 va ser considerat el Millor Director a Karlovy Vary, per “Whisky & Vodka” i el 1999 s’endugué el Premi Pilar Miró al Millor Nou Director per “Nachtgestalten“. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Sergi Sánchez, a Facebook: (..) En la seva cinquena participació a la secció oficial de la Berlinale, Dresen aborda la història d’una heroïna de la resistència antinazi, que acaba amb els seus ossos a la presó acusada d’espionatge i d’alta traïció. Possiblement calgui que un país que encara no ha superat la culpa de l’Holocaust, i que sent cada cop més a prop l’àcid alè de l’extrema dreta, segueixi revisitant aquest període del seu esdevenir històric, però no com ho fa Dresen, que, al barrejar el present de la seva heroïna amb els orígens del seu destí, neutralitza completament la intensitat potencial del seu conflicte dramàtic. Leslie Felperin, a la ressenya per a ‘The Hollywood Reporter’: El director alemany Andreas Dresen continua explorant figures notables però no sempre conegudes dels marges de la història de la seva terra natal amb el seu darrer drama, “From Hilde, With Love”. Com en l’última de Dresen, “Rabiye Kurnaz contra George W. Bush”, que girava al voltant d’una mare que lluitava per treure el seu fill de la presó de Guantánamo, la figura clau aquí és una dona, Hilde Coppi (Liv Lisa Fries), membre d’esquerres, d’una cel·la del grup de Resistència alemanya l”Orquestra Roja’, que va donar a llum en una presó de Berlín durant la Segona Guerra Mundial. (..) Funciona com un retrat evocador i afectuós de l’amor en temps de genocidi. Això malgrat que la seva protagonista és més aviat de veu suau, reticent i reservada en tot moment, res a veure amb les reines guerreres i les figures amazòniques que el cinema popular lloa com a models femenins a seguir. (..) Val la pena saber que l”Orquestra Roja’ (que només va rebre aquest sobrenom de manera pòstuma) va assolir un estatus heroic gairebé mític a l’Alemanya de l’Est després de la guerra, impulsat per la necessitat de la RDA de posar en valor l’existència de qualsevol tipus de resistència antinazi durant el regnat del Reich, i també posar en valor les lleialtats d’aquesta resistència amb la Moscou comunista. Segons les notes de premsa de la pel·lícula, hi havia carrers i escoles que portaven el nom d’Hilde, Hans [el seu marit] i els seus companys a l’Alemanya de l’Est, molts dels quals van ser rebatejats després de la reunificació dels anys noranta. Els relats històrics recents presenten una visió més mesurada de l”Orquestra Roja’, les activitats de la qual eren bastant modestes i difícilment podrien derrocar la Pàtria. Principalment van publicar consignes antinazis i escrivien a les famílies dels presoners de guerra alemanys, als quals escoltaven informant sobre el seu estat a través de la transmissió de propaganda soviètica, que els alemanys tenien prohibit escoltar. Les infraccions semblen trivials i, tanmateix, gairebé tots van ser condemnats a mort i executats per aquests anomenats crims. [Andreas] Dresen i la guionista Laila Stieler (col·laboradora de Dresen des de “Stilles Land” el 1992) ens mostren tot això, així com el drama i la història d’amor de com Hilde i Hans es van enamorar, a través de flashbacks no cronològics, que arriben a Hilde mentre lluita per sobreviure vuit mesos a la presó. Aquest període esgotador és el temps present de la pel·lícula, un temps durant el qual és interrogada i amenaçada per la Gestapo; sobreviu al molt difícil naixement del seu fill, Hans Jr.; intenta ajudar altres dones a la presó; i viu tot aquest temps sabent que és probable que l’executin com el seu marit i molts altres membres de la seva cel·la que també estaven detinguts a Plötzensee. Utilitzant preses llargues i lentes que evoquen el malson de la vida a la presó, Dresen i Kaufmann pinten un retrat d’un color suau però viu de les complexes personalitats que xoquen a Plötzensee, començant per la mateixa Hilde. Hilde, tímida, pigallada i simple, es mostra com moltes coses alhora: resistent i capaç de suportar el dolor, però incapaç de resistir la pressió de delatar els seus col·laboradors; descrita com a gata maula pels seus amics, i tanmateix en privat una dona molt sensual com es veu a les escenes d’amor en flashback amb Hans. Potser semblava superficialment menys bohèmia que la resta del seu conjunt, però va aportar practicitat i intel·ligència a la taula: el tipus de persona que tot grup de resistència necessita que recordi portar paper i cola i sap escriure. En tot cas, el personatge de Hans s’hi sent una mica recolzat al seu costat. Només és el marit guapo i malhumorat que té bones intencions, tot i que Hegemann fa tot el possible per portar-lo a la vida. Són els personatges secundaris de segona fila els que fascinen aquí: els revolucionaris estúpids sexy de la banda que tenen relacions poliamoroses molt abans que això existís; el sacerdot agonitzat (l’habitual de Dresen Alexander Scheer) que intenta socórrer Hilde en les seves hores de més necessitat; la guàrdia de la presó, Annelise Kuehn (Lisa Wagner), que alterna de manera voluble mostrar a Hilde misericòrdia i malícia. Dresen sempre ha estat una mà fiable en aquest tipus de construcció del món detallada, reflexiva i humanista, i el treball aquí és prou exuberant i incisiu com per preguntar-se com hauria estat si hagués aconseguit convertir-ho en una extensa sèrie que perfilés aquests personatges amb més profunditat. Però tal com està, “From Hilde…” es percep ordenada i completa, parlant com la seva protagonista amb una veu suau i tranquil·la sobre la importància de l’amor i la profunda necessitat de fer alguna cosa bé, per petita que sigui, per desafiar règims corruptes i monstruosos. Catherine Bray, a la ressenya per a ‘Variety’: (..) [Hi ha] una seqüència d’esdeveniments emocionalment implacable que, naturalment, proporciona un paper commovedor a Liv Lisa Fries, que ofereix una actuació subtil però en capes. (..) [Andreas] Dresen va créixer a l’Alemanya de l’Est als anys 60 i 70, abans de la caiguda del mur de Berlín, i fa un esforç conscient per evitar presentar l”Orquestra Roja’ com a superherois del tipus glorificat durant la seva infància. En canvi, es presenten com a joves corrents i amb consciència. Els historiadors poden discutir-ne alguns dels detalls, però l’estratègia de la pel·lícula és fer que l”Orquestra Roja’ es percebi contemporània i amb diàlegs, vestuari i cabell dissenyats per a reflectir-ho. (..) La pel·lícula es llegeix com un record del coratge del grup més que dels seus èxits, cosa que suggereix que és possible que el llegat estigui en l’intent, més que en el resultat. (..) “From Hilde, with Love” pot estar ambientada fa gairebé vuitanta anys, però els temes explorats semblen destinats a romandre eternament urgents i rellevants. Ola Salwa, a la ressenya per a ‘Cineuropa’: A la profundament humanista pel·lícula d’Andreas Dresen es poden lluitar guerres amb actes d’amor i amabilitat i els silencis se senten més que les bombes. (..) No és només una altra pel·lícula sobre l’època de la Segona Guerra Mundial. (..) La pel·lícula es percep contemporània en com mostra l’època (i com no), i també ho fa el seu to profundament humanista. La història segueix els últims mesos de la vida d’Hilde Coppi, que està molt embarassada quan la tanquen a la presó; les escenes del seu calvari en una presó nazi s’entrellacen amb els records de l’últim feliç estiu que va passar amb el seu marit recent casat Hans (Johannes Hegemann), i revelen per què aquesta dona, qualificada pels seus amics com una “noia tan bona”, es va unir al grup de resistència. (..)  És una pel·lícula de guerra on no es dispara ni una bala, però parla més de valentia que molts espectacles de batalla. La valentia aquí significa actes senzills (..). Així és com moltes dones van lluitar la guerra: d’una manera molt poc espectacular, però no per això menys important. Seguir aquesta lluita és una experiència profundament commovedora i inspiradora. Gran part d’això és gràcies a la seductora Fries, que encarna perfectament un tipus d’heroïna quotidiana que es guarda molt per a ella mateixa però fa el correcte. Sembla fràgil, però resulta ferma i irrompible, un personatge refrescant que no cal que sigui cridaner, visible o que busqui l’atenció. L’actriu transmet molt a través del seu cos, fent que el seu personatge sigui encara més captivador. Els flashbacks de la vida anterior a la presó d’Hilde que continuen al llarg de la pel·lícula no es mostren per ordre cronològic, sinó psicològic, la qual cosa fa que la història sigui més complexa, brillant amb diferents tons emocionals, i caigui de l’encant i l’esperança a la por i la pèrdua. (..) Com indica clarament la pel·lícula de Dresen, pot fer que qualsevol faci qualsevol cosa (..).

Berlinale Special.

D’ ISHII Gakuryu, “The Box Man” / “Hako Otoko”. Producció: Japó. Durada: 2h. Guió: Kiyotaka Inagaki, Gakuryu Ishii, basat en la novel·la de 1973 ‘The Box Man‘, de Kōbō Abe. Amb Masatoshi Nagase, Tadanobu Asano, Koichi Sato, Ayana Shiramoto. Nota sinòptica: Un home sense nom renuncia a la seva identitat per viure amb una gran caixa de cartró al cap, trobant-se amb tota una sèrie de personatges mentre passeja pels carrers de Tòquio. Sinopsi: Un home amb una caixa de cartró al cap va pels carrers de Tòquio. Mirant el món a través d’una espiera, escriu sense parar en una llibreta el que pot veure. El fotògraf Myself veu l’home i en queda fascinat. Decideix fer el mateix i convertir-se ell mateix en un home amb caixa. Però el seu camí per arribar-hi no és fàcil, innombrables reptes i perills l’esperen. Inclouen un fals metge que vol robar-li la identitat d’home-caixa, un militar que busca utilitzar-lo per al crim perfecte i una dona misteriosa que fa tot el possible per seduir-lo. Pot en Myself aconseguir el seu somni de convertir-se en un home amb caixa? Gakuryu (Sogo) Ishii: Hakata, Fukuoka, Japó, 15.01.1957. La seva pel·lícula “Crazy Thunder Road” / “Kuruizaki sanda rodo“(1980) va fer del director, en aquell moment conegut com Sogo Ishii, la punta de llança d’una nova onada cinematogràfica japonesa. Va dirigir pel·lícules d’avantguarda punk, com “Crazy Family” / “Gyaku Funsha Kazoku” (1984), que es va projectar al Fòrum de la Berlinale de 1985, secció a la qual també va ser convidat el 1986, amb “1/2 Mensch“. “El laberinto de los sueños” / “Le Labyrinthe des rêves” / “Labyrinth of Dreams” / “Yume no Ginga” va ser seleccionada a Panorama de 1997 i al Festival de Sitges d’aquell mateix any. El 2010, va canviar-se el nom a Gakuryu Ishii. Les seves pel·lícules més recents inclouen “The Flower of Shanidar” / ” Shanidar no Hana” (2013), “Bitter Honey” / “Mitsu No Aware” (2016) i “Punksamurai Slash Down” / “Punksamurai Kirarete Sourou” (2018). Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Gerard Casau, a X: ‘The Box Man’ adapta la novel·la de Kobo Abe amb obstinada fidelitat, però el millor arriba al final, quan Ishii es desmarca i troba una declinació en imatges de les idees del text. El camí que escull el film és solitari, però vet aquí la seva llibertat.

De von HEINZ Julia, “Treasure“. Producció: Alemanya, França. Durada: 1h52. Guió: Julia von Heinz, John Quester, basat en la novel·la autobiogràfica ‘Too Many Men‘, de l’escriptora novaiorquesa Lily Brett. Amb Lena Dunham, Stephen Fry, Zbigniew Zamachowski. Nota de gènere: comèdia dramàtica. Sinopsi: Després de la caiguda del teló de ferro, la periodista musical Ruth (Lena Dunham) i el seu pare Edek (Stephen Fry), un supervivent de l’Holocaust, fan una gira per la seva terra natal, Polònia. El seu viatge els porta a Varsòvia, Łódź, Cracòvia i el camp de concentració d’Auschwitz-Birkenau. La Ruth vol descobrir les seves pròpies arrels i explorar la història de la seva família. L’Edek, que aleshores va prendre la decisió d’anar-se’n de Polònia per sempre i acabar amb el passat, acompanya la seva filla principalment per a vigilar-la. L’encantador bon vivant segueix la seva pròpia agenda divertida durant el viatge, ple de distracció i entreteniment. Només quan els dos visiten l’antiga casa de la família i coneixen la família polonesa que ara hi viu, l’actitud de l’Edek comença a canviar. Per primera vegada a les seves vides, pare i filla s’apropen realment l’un a l’altre. Aquest viatge de dos novaiorquesos per la Polònia postsocialista és un poderós exemple de com tornar a connectar amb un passat dolorós no ha de ser dolorós en si mateix. El passat pot ser un tresor inesperat. Julia von Heinz: Berlín, Alemanya, 03.06.1976. La seva òpera prima “Ce qui compte à la fin” / “Nothing Else Matters” / “Was am Ende zählt” (2007) es va estrenar a la Berlinale. Molts anys després,  “Y mañana el mundo entero” / “Et demain, le monde entier” / “Tomorrow the Entire World” / “Und morgen die ganze Welt” (2020) es va projectar a competició al 77è Festival de Cinema de Venècia. El 2021 signà conjuntament amb Michele Placido, Olivier Guerpillon, Jaco Van Dormael i Michael Winterbottom el film d’episodis “Isolation“, que es presentà a les Giornate Degli Autori de Vènecia, en el qual els cinc directors relaten els efectes -econòmics, psicològics i socials- de la pandèmia de la COVID als seus respectius països. Diu el Festival de Berlín que “Treasure” és la tercera part de la seva trilogia ‘Aftermath’, que tracta sobre les repercussions de l’Holocaust a Alemanya i arreu del món. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. VI: Filmnation.

Algunes reaccions:

Sergi Sánchez, a Facebook: Lena Dunham, la que va ser la veu de la generació ‘millenial’, havia decidit desaparèixer del mapa, habitar aquest parèntesi en què una histerectomia i la seva addicció als ansiolítics la van deixar fora de camp. A “Treasure”, de Julia von Heinz, projectada a la secció Berlinale Special, torna com a actriu i productora d’un d’aquests drames basats en una història real que tantes sobretaules il·luminen. Aquí es tracta d’una heroïna típicament dunhamiana -periodista, amb problemes amb el menjar i la seva autoimatge- que emprèn un viatge per Polònia amb el seu pare (Stephen Fry) a la recerca de les arrels jueves. El tema li toca de prop -la mare de Dunham combrega amb la Torah- però això no és suficient perquè el resultat no sigui lleig, maldestre i irrellevant. Guy Lodge, a la ressenya per a ‘Variety’: (..) “Treasure”, un vehicle clarament serpentejant perquè Lena Dunham i Stephen Fry resolguin conflictes pare-filla tan trivialment universals com inquietants específics de la història. La urgència i el dinamisme que van marcar l’últim llargmetratge de von Heinz estan en gran part absents; per a una història d’una tristesa tan particular i punyent, sembla més aviat suau. (..) Una pel·lícula amb cor però que no mossega, la lloable sensibilitat de la qual es gira amb massa facilitat cap al sentimental. Leslie Felperin, a la ressenya per a ‘The Hollywood Reporter’: (..) dirigida per la directora alemanya Julia von Heinz, les dues pel·lícules anteriors de la qual (“Nothing Else Matters” i “And Tomorrow the Entire World”) també exploren les conseqüències de l’Holocaust en les generacions posteriors. Així (..) “Treasure” semblaria dotada de la matèria primera necessària per fer una obra atractiva i intrínsecament interessant. Per desgràcia, la pel·lícula és un embolic inepte i mal fet, o, com l’anomenaria la meva àvia, un ‘mishegoss’, tan confus i mal engendrat que és difícil realitzar una autopsia probatòria, basada estrictament en una sola visualització, d’on tot surt malament. Es pot veure l’esquelet d’un guió viable i potencialment robust, acreditat a von Heinz i al seu marit i col·laborador John Quester, que troba la comèdia en els temperaments i els desitjos desajustats dels dos personatges principals. (..) Confesso que no he llegit el llibre de Brett, però a jutjar pel que en puc recollir, gran part de la fricció entre els dos personatges principals prové de la manera com l’Edek, que parla polonès amb fluïdesa tot i que rovellat, es porta bé amb la gent dels indrets, mentre que la Ruth no veu més que somrients antisemites al seu voltant. És fàcil imaginar que això també hauria funcionat a la pantalla, però en canvi alguna cosa ha anat malament amb la interpretació dels personatges, com si els cineastes i el repartiment tinguessin por de fer que Ruth fos massa desagradable. Així, en canvi, hi ha un gran èmfasi en el trauma de la Ruth, la seva bulímia i els problemes corporals. (..) Per descomptat, els personatges, igual que les persones a la vida real, poden ser un feix de contradiccions. Però, d’alguna manera, aquesta complexitat, aquesta capacitat de contenir sentiments completament oposats alhora, no es veu en l’actuació de Fry, de la mateixa manera que la contrarietat de la Ruth es percep gestual, poc alineada a la de Dunham. Per molt que tots estimem a Fry, un tresor nacional al Regne Unit, mai ha estat un actor amb molta amplitud i aquí està gairebé al seu límit. Certament, és profundament admirable que hagi dedicat temps per aprendre polonès prou bé com per parlar-lo força al llarg de la pel·lícula. Però tenint en compte que l’Edek es va traslladar a Nova York després de la guerra, no tindria un accent novaiorquès en anglès en lloc de sonar com un polonès britànic de South Kensington? És fàcil obsessionar-se amb aquests dubtes perquè és molt difícil identificar on tot va malament a “Treasure”. El repartiment de suport ofereix actuacions perfectament útils que serveixen al clar objectiu del guió d’evocar la vergonya que senten molts polonesos per l’Holocaust, el desig generalitzat de no parlar-ne. I, per descomptat, hi ha la por generalitzada a principis de la dècada de 1990 que els jueus, amb raó, tornin i reclamessin els béns que van ser confiscats a les seves famílies. (..) D’alguna manera, un càsting pobre i una direcció feble aconsegueixen ensorrar una premissa molt prometedora, que sembla oportuna a la llum dels debats actuals sobre la identitat jueva. No servirà de res que “Treasure” s’hagi estrenat al circuit de festivals tan poc després que “A Real Pain” de Jesse Eisenberg, de temàtica molt semblant, debutés a Sundance, guanyant un fort reconeixement. Però el món hauria de ser prou gran per contenir més d’una pel·lícula sobre jueus que tornen a visitar el vell país i experimenten tot tipus de sentiments (..). Altres reaccions: Ola Salwa, la ressenya per a’Cineuropa’.

Encounters.

De Mamadou DIA, “Demba“. Producció: Senegal, Alemanya, Qatar. Durada: 1h59. Guió: Mamadou Dia. Amb Ben Mahmoud Mbow, Awa Djiga Kane, Mamadou Sylla, Aicha Talla, Saikou Lo. Sinopsi: En Demba, de 55 anys, es prepara per jubilar-se després de 30 anys de servei a l’ajuntament del seu petit poble del nord del Senegal. L’estiu fa calor i quan s’acosten els dos anys de la mort de la seva dona, s’adona que no ho pot superar. A mesura que la seva salut mental es deteriora, torna a connectar amb el seu fill després d’un període d’allunyament. Nota del festival: La pel·lícula pren la vida d’un home de mitjana edat per explorar la tensió entre el dolor i la curació, la pertinença i l’allunyament, la salut mental i el trastorn psiquiàtric. La seva inspiració prové d’una pregunta genuïna: com pot una societat que no té una paraula per a “depressió” acceptar-la? Mamadou Dia: Director i director de fotografia senegalès resident a Nova York, on va obtenir el seu màster en guió i direcció a la Tisch School of the Arts de la Universitat de Nova York el 2017. Amb aquesta formació i la seva experiència treballant com a video-periodista durant més de vuit anys pel continent africà, les seves històries exploren el fi equilibri entre la ficció i la realitat, la narrativa i el documental. El seu darrer curt, “Samedi Cinema” (2016) -en què dos nens escriuen cartes per a aconseguir diners per anar al cinema; però aquell dissabte tenen l’última oportunitat de veure el final de la pel·lícula, ja que el teatre municipal local tanca-, es va presentar a la Mostra de Venècia i al Festival Internacional de Cinema de Toronto. El seu llargmetratge “Nafi’s Father” / “Baamum Nafi” (2019) -la baralla entre un imam i el seu poderós germà pel matrimoni dels seus fills, que revela com una petita comunitat deriva lentament cap a l’extremisme- va guanyar el Lleopard d’Or i el Premi a la Millor Òpera Prima al Festival de Locarno 2019 i va ser seleccionat per a representar els acadèmics del Senegal als Oscars 2021. Enllaços: IMDB, AlloCiné,  MyMovies, Filmaffinity. VI: The Party Film Sales.

Algunes reaccions:

Vladan Petkovic, a la crítica per a ‘Cineuropa’: El director senegalés Mamadou Dia parla sobre la salut mental i la seva percepció, amb un particular acostament estilístic que fa tan bé com mal a la pel·lícula. Tracta principalment el tema de la salut mental, que el director aborda barrejant realitat, records, flashbacks i deliris, fins al punt de resultar irreconeixible. Això dona com a resultat tant una imatge impressionant estilísticament com una manca de claredat narrativa (..).

De Nele WOHLATZ, “Dormir de olhos abertos” / “Sleep with Your Eyes Open”. Producció: Brasil, Taiwan, Argentina, Alemanya. Durada: 1h37. Guió: Nele Wohlatz, Pío Longo. Amb Chen Xiao Xin, Wang Shin-Hong, Liao Kai Ro, Nahuel Pérez Biscayart, Lu Yang Zong. Sinopsi: Una ciutat costanera del Brasil. La Kai (Liao Kai Ro) arriba de vacances des de Taiwan amb el cor trencat. Un aire condicionat que funciona malament la porta a acabar a la botiga de paraigües d’en Fu Ang (Wang Shin-Hong). Podria fer-se’n amiga, però aleshores la temporada de pluges no arriba i la botiga tanca. Mentre busca en Fu Ang, la Kai es troba amb Xiao Xin (Chen Xiao Xin) i un grup de treballadors xinesos en un elegant edifici de gran alçada. La Kai es veu estranyament reflectida a la història de Xiao Xin. Nota del festival: Aquesta comèdia tranquil·la de malentesos no segueix una dramatúrgia tradicional. Els protagonistes, interpretats per un conjunt d’actors i professionals novells, van i vénen de manera inesperada. D’una ciutat desconeguda a l’altra, segueixen les exigències de la seva feina. Però al llarg d’un estiu calent i lent, els vincles delicats creixen entre ells com illes en un mar ple de taurons. Nele Wohlatz: Alemanya, 1982. Va estudiar escenografia i filosofia a la Universitat d’Arts Aplicades de Karlsruhe i cinema a la Universidad Torcuato Di Tella de Buenos Aires, on va viure durant 12 anys. Les seves pel·lícules s’han projectat en festivals com Locarno, Rotterdam, Viennale, Mar del Plata International Film Festival i institucions com el Lincoln Center i el MoMA de Nova York. El seu primer llargmetratge, “El futuro perfecto” / “The Future Perfect” (2016) -els possibles futurs d’un jove immigrant xinès a Buenos Aires, explicada en l’idioma d’un llibre de text elemental d’espanyol; pel·lícula en què ja hi ha com a actor Nahuel Pérez Biscayart-, va guanyar diversos premis -entre els quals, la Millor Òpera Prima al Festival de Locarno- i va ser seleccionat per més de 70 festivals internacionals de cinema. Enllaços: IMDB, AlloCiné,  MyMovies, Filmaffinity, D’A-directora.

Algunes reaccions:

Diego Lerer, a la crítica per a ‘Micropsia’: (..) Comedia humana de creus culturals, nacionals i lingüístics (..). A través de dos temps i dues experiències similars però alhora diferents, Wohlatz comença explicant la història de Kai (Liao Kai Ro), una noia taiwanesa que arriba al Brasil sembla que des d’Argentina, després de ser deixada plantada pel seu xicot, telefònicament, abans d’anar a l’aeroport. La noia s’acomoda en un hotel amb problemes d’aire condicionat, recorre la ciutat, va a la platja, beu per primera vegada una caipirinha i mira de moure’s sense coneixement de l’idioma (parla una mica de castellà però no sembla entendre gairebé res del portuguès), confonent-se més d’una vegada. En un dels seus recorreguts, la Kai topa amb en Fu Ang (Wang Shin-Hong), un home d’origen xinès que és amo d’un negoci de venda de paraigües. El tipus li presta una clau anglesa per arreglar el seu aire condicionat i, temps després, quan va per a tornar-l’hi, descobreix que el negoci està tancant i en Fu Ang ja no hi és. Una caixa de postals que Kai s’emporta, moltes d’elles escrites i dedicades, li permeten descobrir la història de Xiaoxin (Chen Xiao Xin), una altra noia d’origen xinès la història de la qual té moltes coincidències amb la seva. I allà, a manera de possible flashback, la pel·lícula passa a explicar durant una bona estona la vida a Recife d’aquesta altra dona. (..) Amb una lleugeresa similar a la de la seva òpera prima, Wohlatz anirà portant la seva pel·lícula com una successió d’escenes anecdòtiques, creuaments de personatges, xerrades, discussions, alguna baralla i els citats moments una mica insòlits. Si bé els xocs culturals i lingüístics apareixen constantment, el que prima en general és la sensació de les protagonistes de certa confusió, d’estar en un lloc on mai no semblen saber bé què fer o cap on anar. No entenen gairebé mai el que els diuen, es perden constantment i el més semblant a un lloc de pertinença apareix quan es tornen a trobar amb altres expats xinesos i, bé, el políglota actor argentí [Nahuel Pérez Biscayart]. (..) Pel·lícula d’expatriats, d’habitants del món –la coproducció, entre l’Argentina, el Brasil, Taiwan i Alemanya, així ho reflecteix–, (..) és també una història sobre les rares connexions i inesperats vincles que s’armen en aquests recorreguts: gent que viu històries semblants a les d’un mateix o que se senten envaïts, potser, per moments similars de desesperança i solitud. La vida, en un sentit més literal que poètic, són aquelles persones que se’t creuen mentre vas d’un lloc a l’altre. Maria Adell, a la ressenya per a ‘Otros Cines Europa’: (..) explora amb lleugeresa i malenconia l’experiència del migrant. La parella de gratacels idèntics que destaca a l’skyline de Recife, la ciutat brasilera on transcorre la delicada i emocionant “Dormir de olhos abertos”, el nou treball de Nele Wohlatz, invoca una idea de dualitat. I, de fet, són dues dones, Kai i Xiao Xin, les que protagonitzen el segon llargmetratge en solitari de la cineasta germano-argentina, que a més bifurca en dos temps la narrativa d’una pel·lícula que sap capturar el lànguid transcórrer de la vida quotidiana … o unes vacances en solitud.  Kai, una turista taiwanesa amb el cor trencat, troba per atzar –com si fos un film de Hong Sangsoo– una caixa de sabates plena de postals. En elles, una altra dona jove, Xiao Xin, va escriure fa temps, de forma fragmentària, un llibre per capítols en què narrava els somnis, pensaments, emocions i anhels de la diminuta comunitat d’emigrants xinesos a què va pertànyer. Les troballes formals més importants d’aquesta pel·lícula de combustió lenta, que s’inicia amb la lleugeresa de Rohmer i acaba deixant un pòsit d’apesarada saudade, tenen a veure amb aquesta noció de dualitat (..). El sentiment d’incomunicació i estranyesa que experimenta tothom que viu en un país estranger ja aflorava en el primer i molt llorejat llargmetratge en solitari de Wohlatz, “El futuro perfecto”. I cal apuntar que la mateixa cineasta ostenta la condició d’estrangera en ser una dona d’origen alemany que viu i treballa a l’Argentina. Així, “Dormir d’olhos abertos”, amb el seu relat en dos temps enfilat per l’atzar, explora la sensació de solitud, aïllament i nostàlgia que caracteritzen l’experiència migrant. Nostàlgia del menjar (..), i també de l’idioma, entès com un pont per als afectes i no com una barrera infranquejable . Una idea, la del llenguatge com a via d’aproximació a l’altre, que acosta el film de Wohlatz a l’univers de Jim Jarmusch, del qual també sembla emular el to, entre auster i tragicòmic. Caminant sobre el tall emocional, però descartant l’afectació dramàtica en favor de la sobrietat i la lleugeresa, “Dormir de olhos abertos” deixa un pòsit tan malenconiós com la suau bossa nova que compassa els títols de crèdit finals del film. Altres reaccions: Olivia Popp, crítica per a ‘Cineuropa’.

Panorama.

De Markus STEIN, “Baldiga – Unlocked Heart” / “Baldiga – Entsichertes Herz”. Producció: Alemanya. Amb Jürgen Baldiga, Timo Lewandovsky, Bernd Boßmann, Ulf Reimer, Birgit Baldiga. Documental. Sinopsi: Utilitzant retalls de diari, fotografies i records dels companys, la pel·lícula pinta el retrat de l’artista Jürgen Baldiga que va captar amb sensibilitat i de manera autèntica l’escena queer de Berlín occidental dels anys vuitanta i principis dels noranta amb la seva càmera. Enllaços: IMDB. MyMovies.

Algunes reaccions:

Olivia Popp, a la crítica per a ‘Cineuropa’: Avui en dia, la part occidental de Berlín encara és un refugi per a clubs gais, locals amb solera que poden representar la seva història a la vibrant subcultura queer de Berlín Occidental. Els anys 70 i 80 van portar una tragèdia indescriptible en forma de crisi de la sida, on la comunitat va ser delmada igual que la de San Francisco. Aquesta època a Berlín està documentada de manera molt personal a través del treball d’un artista i fotògraf alemany occidental anomenat Jürgen Baldiga, que es va descriure als seus diaris com una “personalitat gai” cap al final de la seva curta vida. (..) “Baldiga” és el segon llargmetratge documental del cineasta que narra la vida dels homes gai a Alemanya durant el final del segle XX. (..) És el segon documental recent sobre en Baldiga després de la pel·lícula de 2019 de Jasco Viefhues “Rescue the Fire“. Nascut l’any 1959 a Essen, en Baldiga es va traslladar a Berlín quan tenia vint anys i va treballar com a cuiner i treballador sexual, alhora que feia activitats creatives. Segons els seus diaris, en Baldiga estava més interessat a documentar els que es trobaven al marge de la societat. No obstant això, tot i que mai va deixar d’expressar-se a través de l’art, va lluitar físicament i emocionalment després de contraure el VIH d’una de les seves parelles quan tenia vint-i-tants anys. A partir d’aleshores, va començar a fotografiar-se febrilment a si mateix i a la seva vida per “aturar el temps, o millor, capturar la vida”, tal com va escriure. Això va portar al seu massiu arxiu personal de fotos i vídeos, juntament amb una gran col·lecció de diaris, dels quals l’Stein extreu [material] en massa. La pel·lícula agafa la veu i la perspectiva d’en Baldiga llegint fragments dels seus diaris, que escrivia sovint en tercera persona, i s’acompanya d’una subtil partitura electrònica de Manuela Schininà i Eike Hosenfeld. La segona meitat de la pel·lícula s’endinsa molt en Baldiga per fer front a la sida, amb escrits profundament emotius dels seus diaris parlats juntament amb fotos íntimes de Baldiga, els seus amics i els seus amants. Com a personatge públic, va intentar desestigmatitzar la sida alhora que s’enfrontava a noves frustracions pròpies, provinents d’una vida plena de sexe sense fi i de festa sense preocupacions. La seva vida amb la sida es contextualitza encara més a través d’entrevistes amb homes alemanys que van viure la crisi de la sida i professionals mèdics que comenten la gravetat del virus. L’Stein combina sense problemes imatges d’arxiu i fotos, entrevistes, fragments de diaris parlats i recreacions històriques per crear un ric retrat de la vida de l’artista a Berlín centrant-se en la seva vida amb la sida i com va influir en el seu treball i els seus focus creatius. Dividida en set parts titulades, la pel·lícula no inclou cap text, de manera que cada entrevistat i cada foto o vídeo parlin per si sols. “Baldiga” també actua com una generosa retrospectiva de l’obra de l’artista menys conegut, que va des de fotografies molt explícites i escenificades d’ell mateix fins a retrats sincers d’amics. Majoritàriament en blanc i negre, les fotos sovint s’agrupen en diferents patrons al marc, demostrant una col·lecció sorprenent de fotografies abans que en Baldiga se suicidés el 1993.

D’Asli ÖZGE, “Faruk“. Producció: Alemanya, Turquia, França. Amb Faruk Özge, Derya Erkenci, Gönül Gezer. Sinopsi: En Faruk, que té més de 90 anys, esdevé cada cop més el protagonista de la pel·lícula que la seva filla està fent sobre l’imminent demolició del seu bloc de pisos a Istanbul. Una història sobre la gentrificació i una complexa relació pare-filla. Enllaços: IMDB. MyMovies.

Alguna reacció:

Diego Lerer, a la crítica per a ‘Micropsia’: (..) “Faruk” explica aquesta història [de gentrificació] de manera lateral, cinematogràficament creativa. Podríem definir-ho com a autoficció o una barreja entre documental i ficció en què es recompten i adapten situacions de la vida real. En Faruk és el pare d’Asli Özge, la realitzadora del film. I d’entrada ho veiem amb ella, les càmeres i els tècnics de la pel·lícula preparant-se per rodar diferents escenes. Aquest sistema es mantindrà al llarg del temps, modificant-se amb el pas dels esdeveniments, transformant la pel·lícula en un híbrid formal en què en un moment deixa de ser important què és documental i què no és. Tot, o gairebé tot, se sent com a veritable. (..) El que fa Asli, en aquesta (falsa) desconstrucció del documental, és intentar retratar el seu pare, un paio que vol conservar la seva dignitat (..) i que no sap com fer-ho per enfrontar un món nou en què tipus com ell són incòmodes i fins i tot descartables. Escapant-se de la pel·lícula més òbvia de denúncia, “Faruk” mostra el protagonista en els seus moments lliures, ficcionalitzats per a les càmeres, en què balla, s’imagina amb belles noies al seu costat, celebra l’Any Nou i gaudeix nedant o veient (dolents) programes de televisió. Si bé això fa que, a la segona meitat, la pel·lícula perdi una mica el costat més directament crític, alhora guanya en riquesa, en empatia, en humanitat. Amb el temps l’obra avançarà, les coses canviaran, però el que serà sempre igual, tant a la realitat com a la ficció, és que persones de l’edat de Faruk seran sempre les víctimes del directe o indirecte (passiu-agressiu) maltractament dels més joves. En aquests temps, seure al balcó a mirar la vida passar és econòmicament inviable. I per a aquestes coses no hi ha metres quadrats.

De Jianjie LIN, “Brief History of a Family” / “Jia ting jian shi”. Producció: Xina, França, Dinamarca, Qatar. Amb Zu Feng, Guo Keyu, Sun Xilun, Lin Muran.  Sinopsi: El destí d’una família acomodada s’entrellaça misteriosament amb el de l’enigmàtic nou amic del seu fill, a la Xina posterior a la política de tenir només un fill. Emocions reprimides, expectatives no satisfetes i secrets no parlats sobreïxen. Nota: presentada anteriorment al Festival de Sundance 2024. Nota: òpera prima. Enllaços: IMDB. MyMovies.

De Basel ADRA, Hamdan BALLAL, Yuval ABRAHAM i Rachel SZOR, “No Other Land“. Producció: Palestina, Noruega. Documental. Sinopsi: Aquesta pel·lícula realitzada per un col·lectiu palestí-israelià mostra la destrucció de Masafer Yatta, a Cisjordània, per part de les autoritats israelianes i la improbable aliança que es desenvolupa entre l’activista palestí Basel i el periodista israelià Yuval. Nota: òpera prima. Enllaços: IMDB. MyMovies.

De Nora FINGSCHEIDT, “The Outrun“. Producció: Anglaterra, Alemanya. Amb Saoirse Ronan, Paapa Essiedu, Stephen Dillane. Sinopsi: Després de viure la vida al límit a Londres, la Rona intenta acceptar el seu passat problemàtic. Torna a la bellesa salvatge de les illes Òrcades, d’Escòcia, on va créixer, amb l’esperança de curar-se. Nota: presentada anteriorment al Festival de Sundance 2024. Enllaços: IMDB, MyMovies.

De Farahnaz SHARIFI, “My Stolen Planet” / “Sayyareye dozdide shodeye man”. Producció: Alemanya, Iran. Documental. Sinopsi: La Farah, una dona iraniana, es veu obligada a emigrar al seu planeta privat per ser lliure. Compra els records d’altres persones en forma de pel·lícules Super 8 i enregistra i arxiva els seus propis per crear una història alternativa de l’Iran. Enllaços: IMDB. MyMovies.

Algunes reaccions:

Olivia Popp, a la crítica per a ‘Cineuropa’: La resistència és tan personal com política al documental de Farahnaz Sharifi, que utilitza imatges d’arxiu per examinar la vida a l’Iran des de la revolució fins avui. (..) Nascuda el 1979, la infància de Sharifi va transcòrrer just després de la revolució iraniana, que va emmarcar aquesta seva infantesa com a nena en termes de drets i llibertats limitats, personificats en el hijab obligatori. Descriu un cisma que va néixer entre el món alliberador dins de casa seva i el món confinat fora de la llar: dos “planetes”, aquest últim governat per l’ordre sociolegal del nou règim. Sharifi no defuig l’acte de mostrar, com es veu amb la inclusió d’un vídeo d’iranians assassinats, entre altres clips carregats d’emocions. Pel que fa a les imatges que representen allò que aparentment no és remarcable, cada imatge desenvolupa un significat semiòtic sota la seva commovedora narració, esdevenint política quan es presenta com una reflexió o una revolta contra la restricció política fins en els detalls més petits. (..) Dins del “planeta privat” de Sharifi, que també s’estén a altres espais on les dones iranianes són lliures de ser elles mateixes, allò mundà es fa bell. Es capturen moments íntims i passatgers que representen una faceta oposada i més tranquil·la de la resistència («La nostra vida quotidiana, que és un crim als seus ulls», diu el narrador) més que els captats en actes de protesta al carrer. D’altra banda, el món exterior sempre està documentat, amb els telèfons mòbils enganxats a les cares i ulls digitals sempre mirant. A través de la veu en off, la cineasta qüestiona el seu impuls de filmar-ho tot, però “filmar o no filmar” mai és la qüestió: no és tan en blanc o negre. El cinema és testimoni de tragèdies i injustícies i, per tant, la documentació també és vital. Sens dubte, la gesta d’un muntatge cohesionat [del material que la directora ha reunit] és lloable i els temes cada cop més rellevants, però “My Stolen Planet” també sembla un exercici [que ja s’ha] fet anteriorment, un mosaic d’allò personal i polític que, finalment, es desenvolupa de manera força convencional. Alguna presa de riscos i experimentació audiovisual podrien haver elevat les tesis sòlides de la pel·lícula durant els seus 82 minuts de durada.​

De Dag Johan HAUGERUD, “Sex“. Producció: Noruega. Amb Jan Gunnar Røise, Thorbjørn Harr, Siri Forberg, Birgitte Larsen. Sinopsi: Dos neteja xemeneies que viuen en matrimonis monògams i heterosexuals, tots dos acaben en situacions que desafien les seves opinions sobre la sexualitat i els rols de gènere. Enllaços: IMDB. MyMovies.

Algunes reaccions:

Savina Petkova, a la crítica per a ‘Cineuropa’: El nou llargmetratge de Dag Johan Haugerud fa preguntes importants sobre la condició social de l’heterosexualitat masculina. (..) Aprofundint en l’heteronormativitat emmascarada com a inclusió que impregna la societat noruega, “Sex” recorda l’enginy de les primeres pel·lícules de Ruben Östlund, però les similituds s’acabenen aquí. Quan un neteja xemeneies (Jan Gunnar Røise) confia al seu cap que no només va dormir amb un home, sinó que també li va explicar amb alegria l’experiència a la seva dona immediatament, el conseller delegat (Thorbjørn Harr) queda desconcertat. Mantenir-se educat i curiós és imprescindible, i tot i que els dos homes òbviament són propers, el seu vincle encara està sotmès a pressions insuperables sobre què és la masculinitat heterocodificada. A partir d’aquí, “Sex” està molt preocupada per parlar i per res dels actes sexuals en si. Com a tal, la pel·lícula és qualsevol cosa menys seca. La seva inventiva formal (..) i la seva escriptura intel·ligent s’uneixen en una comèdia discreta de la condició (hu)mana. (..) “Sex” camina per la corda fluixa entre l’empatia a nivell superficial i la profunda comprensió mútua no només quan es tracta dels dos homes, sinó també a les seves respectives llars. (..) Tanmateix, Haugerud es manté amb un tacte notable a l’hora de crear els seus personatges, fins i tot quan observa les seves reaccions com si fos sota un microscopi. Un pot preguntar-se: aquests dos homes heterosexuals monògams casats, momentàniament exposats a l’aspecte queer, estan realment madurs per al canvi? O la seva experiència d’alteritat radical acabarà convertint-se en una insígnia d’honor mentre segueixen les seves activitats com sempre? Tot i que aquestes preguntes són vàlides, una lectura benèfica veurà un horitzó més ampli després dels crèdits: si no podem confiar que homes com aquests descobreixin, parlin i processin la seva sexualitat com una cosa sempre en constant canvi, la batalla ja està perduda. Amb el teló de fons d’una Oslo que sembla feta només de llocs en construcció i xemeneies per netejar, “Sex” reconeix que totes les nostres convencions estan constantment en procés de ser destruïdes i reconfigurades.

De Philipp FUSSENEGGER i Judy LANDKAMMER, “Teaches of Peaches“. Amb Peaches (és a dir, Merrill Nisker, més coneguda pel seu nom artístic Peaches, que és una música i productora d’electroclash canadenca), Leslie Feist, Chilly Gonzales, Shirley Manson, Charlie Le Mindu. Documental. Sinopsi: Unint a la perfecció joies d’arxiu exclusives amb imatges de gira dinàmiques, aquest documental captura el recorregut transformador de la canadenca Merrill Nisker, aclamada internacionalment com a Peaches. Nota: òpera prima. Enllaços: IMDB. MyMovies.

Algunes reaccions:

Savina Petkova, a la crítica per a ‘Cineuropa’: Philipp Fussenegger i Judy Landkammer s’uneixen per a documentar el ‘tour’ d’aniversari de la icona canadenca. L’artista canadenca Merrill Nisker, més coneguda pel seu nom artístic Peaches, sens dubte ha ajudat a donar forma a la música tal i com la coneixem avui. La carrera de Peaches va començar a la dècada de 1990, amb un parell de bandes i un àlbum en solitari al Canadà, però va ser només després d’un diagnòstic de càncer i l’anhel d’un nou començament que es va traslladar a Berlín. Aviat, es va registrar amb el famós segell d’electrònica peculiar Kitty-Yo i va llançar l’àlbum, ara icònic, ‘The Teaches of Peaches’ l’any 2000. El so encantador que té el títol no acaba de fer justícia a l’impacte que ha tingut sobre la música popular, l’electro i l’experimental des de llavors, pel que fa a composicions, lletres i interpretació. Peaches no és una estrella pop normal i corrent; mai ho va ser ni ho serà. Així que un es pregunta com un “documental pop-star” més aviat convencional pot contenir l’extravagància i el combustible creatiu que té en excés. Explicant tot això, la pel·lícula “Teaches of Peaches” de Philipp Fussenegger (“I Am the Tigress”, “Henry”) i Judy Landkammer (muntadora de Bruce LaBruce) es va estrenar a la Berlinale d’enguany, a la secció Panorama. El documental musical (..)  es va rodar durant la gira “The Teaches of Peaches Anniversary Tour” del 2022. Amb poca o cap intervenció dels directors, paral·lela la cronologia de la gira amb una cronologia de la carrera de l’artista des dels anys noranta fins a l’actualitat. Però, com és el retrat d’un artista treballant? Enregistraments de concerts en 4K, imatges d’arxiu VHS, fotografies de seguiment entre bastidors centrades en els cabells, el maquillatge i la disfressa, i diversos caps parlants. Els col·laboradors i amics de Peaches Leslie Feist, Chilly Gonzales i Shirley Manson de Garbage hi fan acte de presència i parlen de la seva història compartida amb la cantautora, les seves relacions laborals i vitals, i com veuen que la seva influència s’estén més enllà de la pròpia música. Peaches parla amb franquesa de la seva evolució artística i personal, i també ho fan els seus amics, però tot i que la pel·lícula dedica gran part de la durada a la gènesi de l’àlbum del 2000, sembla que hi falta alguna cosa. Sempre que som capaços de centrar-nos en l’escriptura de cançons i les actuacions, que sovint són fluides de gènere per la seva naturalesa, el documental es converteix en una font d’inspiració insubstituïble, situant l’obra de Peaches com una celebració del dolor, l’alegria i la destrucció. Però cada intent de mostrar “la dona darrere” de Peaches està destinat a fracassar, només perquè la mateixa Peaches ja és singular i completa: la seva música és tan mordaçment honesta que s’ha de reconsiderar la idea d’una escissió entre la persona estrella i la persona real. El documental voreja qüestions de sexualitat i identitat, però amb prou feines aconsegueix fingir interès per les preferències sexuals de l’artista; senzillament, això no importa. En parlar tan obertament del seu procés de fer música com a resultat de reinventar-se a si mateixa, Peaches fa impossible que cap pel·lícula sobre ella sigui sensacionalista. D’aquesta manera, “Teaches of Peaches” nega i, posteriorment, transcendeix el seu propi subgènere del “docu-elogi”. Peaches va ser una de les poques dones músics les lletres de les quals en aquell moment tractaven directament sobre el sexe, i que van fer que els cossos nus (inclosos els seus) formessin part de l’escenografia (així com vestits sofisticats fets de cabells). L’estètica de ‘Sembla repugnant; M’encanta!’ regna; el seu poder subversiu ha caracteritzat a Peaches des de fa més de dues dècades, i encara no està clar com una influència tan forta ha aconseguit no filtrar-se en la forma de la pel·lícula. Dit això, qualsevol persona que arribi a passar dues hores amb Peaches (i el documental) s’ha de considerar afortunat de rebre ensenyaments d’aquest tipus.

De Bruce LaBRUCE, “The Visitor“. Producció: Anglaterra. Amb Bishop Black, Macklin Kowal, Amy Kingsmill, Kurtis Lincoln, Ray Filar. Sinopsi: Un refugiat es renta en una maleta petita a la vora del riu Tàmesi, a Londres. En arribar a la casa d’una família de classe alta, sedueix a tots i cadascun dels membres de la família, representats en escenes de sexe explícites. Una relectura de “Teorema“, de Pasolini. Enllaços: IMDB. MyMovies.

Algunes reaccions:

Diego Lerer, a la crítica per a ‘Micropsia’: No m’interessa gaire, usualment, el cinema de Bruce LaBruce. Tinc la sensació, la majoria de vegades, que fa pel·lícules la presumpta provocació de les quals és adolescent, banal, gastada; posades per a espectadors que busquen suposats impactes de l’ordre d’allò sexual o morbós, però que a penes resulten exercicis una mica ‘camp’ que fan servir un codi comú entre realitzador i espectadors. Les seves pel·lícules solen ser un joc una mica autocomplaent de pretès impacte en allò lligat a allò polític, allò sexual i les seves maneres de representació, però en el fons la meva sensació és que no és altra cosa que un passatemps autocelebratori, massa conscient de cadascun dels seus efectes. És cert que un remake, reversió o versió lliure de “Teorema“, de Pier Paolo Pasolini, semblava anar-li com anell al dit a LaBruce. I potser és així. El problema és que no hi ha res, per a mi, massa interessant per fer amb això, més que portar a un suposat extrem del que és social i estèticament tolerable el que es mostra. Aquí, l’estrany misteriós que es fica a les vides dels membres d’una família adinerada no és res més que un immigrant africà que apareix màgicament (surt de dins d’una maleta) a la costa del riu Tàmesi mentre un indigent escolta un discurs radial d’un polític de dreta i acaba vivint en una casa londinenca luxosa i moderna. La resta dels 100 minuts de la pel·lícula, que amb la notable excepció d’una llarga escena, és pràcticament muda, se n’anirà en un contingent d’escenes de sexe entre els diversos personatges, en la majoria dels casos amb «el visitant», però també només entre ells: mare, pare, germana, germà, minyona. Tots els combos i combinacions imaginables –pel que fa a gèneres, orificis, fetitxes i quantitat de persones– es desenvoluparan al llarg d’una pel·lícula que, en algun moment, començarà a tornar-se tediosa i repetitiva. LaBruce, com acostuma a ser en algunes de les seves pel·lícules, posa en primer pla el subtext polític que sosté a les seves escenes, barrejant en aquest cas aquestes escenes de sexe una mica porno amb cartells revolucionaris que, com a ‘agitprop kitsch’, parlaran de revolució sexual, de lluita de classes anal, de ‘foot fetishes’, de combats contra els rics per la via del sexe oral i coses així. Hi ha, a més, una escena en què el visitant prepara un sopar per als propietaris de casa en què se serveix com a dinar, bé, ja s’imaginaran què. Res que Pasolini no hagi fet servir en alguna altra de les seves pel·lícules. (..) Aquí, el visitant té alguna cosa de justicier, d’alliberador de repressions per la via de l’experimentació sexual suposant que això rebotarà en altres àmbits, però tinc la sensació que la metàfora de l’alliberament de qualsevol tipus de repressió té cada cop menys implicacions pel que fa a canvis polítics. Sí, potser provocarà canvis en l’ordre personal, però no crec que res del que aporti «el visitant» siguin coses que aquest tipus de famílies no sàpiga fer sense ajuda. Al final, com ell mateix ho diu, no és gaire més que un peó en un joc que segueix tenint els mateixos guanyadors de sempre. Per més que ‘lexperiència de veure “The Visitor”, almenys durant una estona, et faci creure el contrari. Catherine Bray, a la ressenya per a ‘Variety’: (..) En la reinvenció gràfica del descarat director canadenc apareixen diverses maletes misterioses per aquí i per allà, cadascuna de les quals conté un home nu idèntic, tots interpretats per l’artista de ‘performance’ Bishop Black. La resta de la pel·lícula segueix un d’aquests nois, el “Visitor” del títol de la pel·lícula, mentre s’endinsa a la llar d’una família adinerada i en sedueix cada membre per torns. La producció ha aconseguit un lloc imponent perquè es desenvolupin les entremaliadures del visitant: una d’aquelles enormes cases de Londres fetes gairebé totalment de vidre, com una mena de peixera cubista gegantina. En altres aspectes, els valors de producció són una mica de bricolatge. Això és un Pasolini a través dels primers John Waters, que inclou una llarga escena d’alegre coprofàgia (..).

Us ha agradat aquest article? Compartiu-lo!