Club 7 Cinema

Diversos comentaristes s’han perdut amb la nova pel·lícula d’Abderrahmane Sissako, mentre hi ha qui assegura que l’ha entès i, en discordància amb la majoria, la defensa amb belles paraules. No passa pas el mateix amb l’òpera prima de la cantant italiana Margherita Vicario, que no he trobat qui la defensi, a desgrat de les bones intencions que asseguren que atresora la pel·lícula. I es pot dir que tampoc ha convençut “Spaceman” / “El astronauta”, esgarriat film de ciència ficció amb un Adam Sandler seriós a qui acompanyen Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini i Paul Dano. Sort n’hi ha hagut del documental sobre Michael Powell i Emeric Pressburguer amb Martin Scorsese i, per als amants del cinema més radical, amb l’experimentació de “Tu me abrasas” de Matías Piñeiro. I, amb poca atenció mediàtica, un documental militant sobre l’acció directa que va preservar un paratge francès i ha donat peu a una vivència políticament, econòmicament i socialment alternativa.

Competició.

D’Abderrahmane SISSAKO, “Black Tea“. Producció: França, Mauritània, Luxemburg, Taiwan, Costa d’Ivori, 2023. Durada: 1h50. Guió: Abderrahmane Sissako, Kessen Tall. Amb Nina Mélo, Chang Han, Wu Ke-Xi, Michael Chang. Nota sinòptica: Després de dir “no” el dia del seu casament, l’ Aya (Nina Mélo) marxa de Costa d’Ivori per començar una nova vida a Guangzhou, Xina. Sinopsi: L’Aya, una dona ivoriana d’uns trenta anys, diu que no el dia del seu casament, per a sorpresa de tothom. Emigrada a la Xina, treballa en una botiga d’exportació de te amb en Cai, un xinès de 45 anys. L’Aya i en Cai s’enamoren, però la seva història sobreviurà als tumults del seu passat i als prejudicis? Abderrahmane Sissako: Kiffa, Mauritània, 13.10.1961. Membre del JUrat de Berlín 2003, del Jurat d’Un Certain Regard de Canes el 2003, del Jurat de Canes el 2007, president del Jurat de la Cinéfondation i dels curtmetratges a Canes 2015, havent-ne estat membre el 2000. Amb 4 films presentats a Canes, d’entre els quals “Timbuktu” (Premi del Jurat Ecumènic 2014) i “Bamako” (2006), debuta ara en la competció berlinesa. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. DF: Gaumont*. DI: Academy Two.

Algunes reaccions:

Gregory Coutaut, a la crítica per a ‘Le Polyester’: Deu anys de silenci en la carrera d’un cineasta no és poca cosa, sobretot quan això ve immediatament després de la pel·lícula més celebrada del seu autor. No hauria estat d’estranyar que l’èxit i els nombrosos premis aconseguits per “Timbuktu” l’any 2014 haguessin donat un impuls addicional a la ja reconeguda filmografia d’Abderrahmane Sissako, i tanmateix va passar el contrari. Tot i que va treballar amb Damon Albarn en la creació de l’òpera ‘Le Vol du Boli’, el cineasta maurità no ha signat res pel cinema durant aquest llarg període. (..) L’acció [de “Black tea”] transcorre a la comunitat africana del barri de Little Africa (també anomenat Chocolate City, de manera menys diplomàtica) a la ciutat de Canton. Tot comença, però, al continent africà, durant una cerimònia de noces on no distingim de seguida el nombre exacte de parelles de promesos, ni qui en sortirà com a protagonista. La càmera se centra ràpidament en l’Aya, i tots els ulls que l’envolten fan el mateix perquè té el cor de dir no al seu futur marit en l’últim moment, fent esclatar la bombolla d’il·lusió de tota la gent. És en una altra bombolla on l’Aya es veu transportada per fer un salt en l’espai i el temps. Aquí està ben integrada a Little Africa, un barri càlid on conviuen diferents idiomes i colors de pell i treballen en harmonia ideal. La petita Àfrica cobra vida sobretot a la nit, quan els carrers, cafeteries i botigues es transformen en caixes de joieria de neó. No estic segur que Sissako aconsegueixi, igual que els grans mestres asiàtics, de restaurar tota la poesia melangiosa d’aquests oceans de llum artificial, però encara que es mantingui una mica massa a la superfície, el seu treball sobre la brillantor dels colors segueix sent molt agradable per als ulls. Lluny de la llum del dia, aquest petit racó del paradís sembla viure com exempt dels greus problemes del món real. Aquest encant relaxat és alhora una qualitat inesperada i la limitació flagrant de “Black Tea”. L’autor de “Bamako” sembla absolutament poc interessat en l’angle polític de les relacions comercials entre la Xina i l’Àfrica. Això no seria un problema si substituís aquesta manca d’anàlisi per una altra cosa, però la superficialitat també es troba de mica en mica en l’escriptura dels personatges, tots massa plans. Com més avança “Black Tea”, menys precís es fa el seu tema a mesura que els fils narratius (és un retrat col·lectiu o una pel·lícula romàntica?) passen i passen a primer pla abans de desaparèixer. És difícil batre a l’uníson amb el cor de la pel·lícula, ja que és difícil distingir el cor d’una estructura estranya i bastant llisa.  Nando Salvà, a la crònica per a ‘El Periódico’: (..) [“Black Tea” i “Gloria!” són les dues pel·lícules] més oblidables i lamentables entre les aspirants a l’Os d’Or presentades de moment (..) [“Black tea”] va viatjant entre la Xina, la Costa d’Ivori i Cap Verd per parlar entre murmuris de no se sap molt bé què –els mecanismes de l’atracció, les propietats aromàtiques del te, l’assimilació cultural, el preu de les maletes–, i mentrestant exigeix nivells semblants de cursileria, amanerament i desesperació per assemblar-se a “In the Mood For Love” (2000). Jordan Mintzer, a la ressenya per a ‘The Hollywood Reporter’: Una part de la ressenya de pel·lícules per a publicacions com ‘The Hollywood Reporter’ és proporcionar-ne un resum argumental clar i concís al lector. Aquesta tasca pot resultar especialment difícil en el cas de “Black Tea”. (..)  Aquest drama completament enigmàtic mai ofereix una trama concisa, saltant d’un personatge i història a un altre, saltant d’un país a un altre i de període de temps, i després acabant amb un gir a la M. Night Shyamalan (per ser amable). ) o Dallas (per ser menys amables) que ho posa tot en qüestió. No totes les pel·lícules necessiten estructures clàssiques de tres actes, i algunes de les millors fan alguna cosa diferent. Les pel·lícules anteriors de Sissako, de 62 anys, que també inclouen l’excel·lent “Bamako” i “Waiting for Happiness”, mai no han explicat històries tradicionals en el sentit de Hollywood. Però en els millors casos, com el seu esgarrifós retrat d’un poble assetjat a “Timbuktu”, poden deixar impressions extremadament fortes, entre la realitat i la paràbola, o entre el conte popular i la crònica del malestar contemporani. Sembla que això era el que buscava el director (..) a “Black Tea” (..). A mesura que avança la història comencem a fer-nos cada cop més preguntes. Com va acabar l’Aya allà? Com es va involucrar amb el seu cap, que, cada nit, li dóna lliçons carregades d’eròtica sobre l’art del te, a diferència de Patrick Swayze que mostra a Demi Moore com fer ceràmica a “Ghost”? I per què seguim ara la història de Cai, que implica una relació anterior amb una dona a Cap Verd que va portar la seva dona, Ying (Wu Ke-Xi), a divorciar-se d’ell? I què passa amb tots els personatges africans que coneixem a Chocolate City però que no coneixem mai perquè continuen apareixent i sortint de la pel·lícula tan ràpidament? (..). Guy Lodge, a la ressenya per a ‘Variety’: (..) És un pas en fals desconcertant de Sissako, típicament un cineasta d’un vigor tan formal i polític; (..) els deu anys que separen “Black Tea” de la bella i destrossadora “Timbuktu” del 2014 semblen més aviat un eó (..). Fabien Lemercier, a la crítica per a ‘Cineuropa’: Abderrahmane Sissako esborra les fronteres entre l’Àfrica i l’Àsia, somni i realitat i present i passat amb una enigmàtica i melancòlica cinta sobre l’amor i la llibertat. (..) Un viatge sorprenent i molt personal. Tan minimalista com a la recerca d’una vasta universalitat, ancorada en un fil conductor molt senzill (amor, trobada) i tanmateix complexa en les seves divagacions, d’una bellesa formal incontestable però que no amaga de cap manera l’artificialitat dels seus secrets de fabricació, la pel·lícula es revela com un món cinematogràfic propi, que requereix de l’espectador paciència i virtuts conciliadores. (..) Primer l’ambient, després el gust, i finalment les sensacions. Com les etapes de la cerimònia del te, Abderrahmane Sissako presta la màxima atenció (i estètica) a cada seqüència, cada gest, cada paraula, per insignificants que semblin a primera vista, per crear espais de respiració i un clima d’experiència que desperta preguntes i retarda les respostes. Manifest delicat i idealista (“mirar el món d’una altra manera”) a favor de l’harmonia entre els éssers (“no prohibir-se ser feliç”) i el temps necessari perquè el futur prengui forma en un planeta on la trobada entre cultures ja està en moviment, però on encara s’han de resoldre alguns comptes del passat (mentides i amargor), la pel·lícula busca “l’olor original”, la de l’amor i la felicitat. Un desig de perfecció que el cineasta transposa de manera rotunda (diverses subtrames), fins i tot críptica (“hi ha certes coses de les quals no sé com parlar”) i a un ritme tan tranquil que s’arrisca a deixar alguns espectadors una mica dubitatius.

De Margherita VICARIO, “Gloria!“. Producció: Itàlia, Suïssa. Durada: 1h40. Guió: Margherita Vicario, Anita Rivaroli. Amb Galatea Bellugi, Carlotta Gamba, Veronica Lucchesi, Maria Vittoria Dallasta, Sara Mafodda, Paolo Rossi, Elio, Natalino Balasso, Anita Kravos, Vincenzo Crea, Jasmin Mattei.  Sinopsi: Ambientada en un institut de dones de Venècia a finals del segle XVIII, narra la història de la Teresa (Galatea Bellugi), una noia amb un talent visionari, que, juntament amb un petit grup de músics extraordinaris, transcendeix els segles i desafia els cadafals polsegosos de l’Antic Règim inventant música rebel, lleugera i moderna. Pop! Nota: òpera prima. Margherita Vicario: Roma, Itàlia, 13.02.1988. Actriu, compositora, és co-autora del curtmetratge musical “Si riesco parto” (2011). La seva tesi de llicenciatura va explorar l’ús de la música popular per part de Bertolt Brecht en el teatre polític. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. DI: 01. EI: 11.04.2024.

Algunes reaccions:

Nando Salvà, a la crònica per a ‘El Periódico’: [“Black Tea” i “Gloria!” són les dues pel·lícules] més oblidables i lamentables entre les aspirants a l’Os d’Or presentades de moment (..). I Gloria! la primera pel·lícula d’una cantant pop italiana anomenada Margherita Vicario, viatja fins a una institució per a noies òrfenes a la Venècia de fa dos segles a fi de reivindicar la solidaritat entre dones i el poder alliberador de la música, i per a això exhibeix un nivell de sofisticació narrativa perfectament acceptable en, per exemple, un telefilm de Disney Channel, però no tant en una pel·lícula que aspira a premi en un dels festivals més prestigiosos del món. Nicolas Bardot, a la crítica per a ‘Le Polyester’: A la primera escena de “Glòria!”, els protagonistes (la Teresa, i la canalla que l’envolta) es comuniquen sense paraules però amb notes musicals. Aquesta és una aposta que pot ser prometedora en el primer llargmetratge de la italiana Margherita Vicario, que també és cantant. La música és un llenguatge per a la Teresa, una noia que no parla, i per a qui tot el que l’envolta és música. Poc després, des del punt de vista sensible de la Teresa, un moment quotidià es transfigura en una escena d’una pel·lícula musical: els sorolls que l’envolten es converteixen en notes i componen un ritme, una melodia. La recepta: un lleuger pessic de “Dancer in the Dark” i tres cullerades gruixudes de Disney. Perquè malauradament, molt ràpidament, “Glòria!” porta peülles pesades. Quant al to, fa la impressió que estem veient una adaptació d’una novel·la juvenil, la direcció dels actors empeny tothom a exagerar com en una telenovel·la. La pel·lícula, però, està sens dubte carregada de bones intencions. Vicario intenta tornar al seu lloc dones esborrades d’una història masclista. Aquestes adolescents, fins i tot el 1800, tenien set d’emancipació mentre la veïna Revolució Francesa obria noves perspectives. El propòsit és perfectament lloable, però el tractament encara ens sembla massa pesat. Quan una de les seves companyes vol expressar musicalment els seus sentiments, la Teresa l’anima i l’acompanya amb un piano de xarop digne d’un confessionari de reality. La pel·lícula aposta per la música moderna, composta per Teresa que no només sent la música en tot sinó que també compon música “del futur”. Ai, quan “Glòria!” tomba cap a ‘Glee’ (..). “Glòria!” també s’encalla en aquesta paradoxa en què noies joves a la recerca de la llibertat fan la seva pròpia música fora dels codis, tot això en una pel·lícula sense perspectiva, molt estereotipada i, a banda del seu gir musical, molt acadèmica. El final vergonyós i súper cursi, en què els bons són molt simpàtics i els dolents són decididament molt mesquins, als nostres ulls és massa ingenu, massa sacarina, malgrat tota la bona voluntat. Guy Lodge, a la ressenya per a ‘Variety’: Amb la possible excepció de “Tora! Tora! Tora!”, qualsevol pel·lícula amb un signe d’exclamació al títol haria de ser, per dret propi, un musical brillant i a gran escala. Una espumosa història sobre sensibilitats en conflicte amb la música clàssica en un refugi venecià per a nenes, “Gloria!” no acaba de seguir aquesta regla; però és quan suspèn del tot la realitat per assolir un èxtasi coral de cants que el debut desigual de Margherita Vicario resulta més emocionant. Per altra banda, aquesta barreja de drama d’època emmidonada i d’elevació feminista contemporània i adreçada a la joventut topa amb un guió de fòrmula, amb personatges adotzenats i punts de la trama que no s’avenen amb les ambicions artístiques més elevades de Vicario. Tanmateix, és difícil resistir-se a l’entusiasta energia de la pel·lícula, que segurament conquerirà el públic dels festivals (començant per Berlín, on ha aconseguit una selecció força generosa a la Competició) i al públic italià (..). Altres reaccions: Savina Petkova, la crítica per a ‘Cineuropa’.

Berlinale Special.

De BUNGARTEN Maximilian i Anna-Maria Dutoit, Kilian Armando Friedrich, Indira Geisel, Eva Gemmer, Felix Herrmann, Hannah Jandl, Justina Jürgensen, Hilarija Ločmele, Daniela Magnani-Hüller, Sophie Mühe, Camille Tricaud, Marie Zrenner, “Eleven Tomorrows: Berlinale Meets Football” / “Elf Mal Morgen: Berlinale Meets Fußball”. Producció: Alemanya. Durada: 1h46. Documental. Nota sinòptica: Amb aquesta pel·lícula, el Festival de Berlín contribueix al programa cultural del Campionat d’Europa de Futbol, que enguany organitza Alemanya. Per a aquest projecte s’han encarregat onze curts documentals sobre onze equips de futbol base molt diferents. Les pel·lícules han estat realitzades per estudiants de la Universitat de Televisió i Cinema de Munic en col·laboració amb els mateixos equips i Benedetta Films com a productors. Enllaços: IMDB, MyMovies, Filmaffinity.

De HINTON David, “Made in England: The Films of Powell and Pressburger“. Producció: Anglaterra. Durada: 2h11. Amb Martin Scorsese (narrador). Documental. Nota: Conté material d’arxiu rar de les col·leccions personals de Powell, Pressburger i Scorsese. Sinopsi: Martin Scorsese va descobrir les pel·lícules de Powell i Pressburger quan era nen, assegut davant de la televisió familiar. En aquest documental, explica la seva història d’amor de tota la vida amb les pel·lícules del tàndem. “Per a mi, aquest conjunt d’obres és una presència meravellosa, una font constant d’energia i un recordatori del que són la vida i l’art” -diu Scorsese-. A partir d’una gran varietat de material d’arxiu, Scorsese explora plenament la col·laboració entre l’anglès Powell i l’hongarès Pressburger, que van prosperar davant de l’adversitat durant la Segona Guerra Mundial però que finalment es van veure afectats per la indústria cinematogràfica dels anys cinquanta. Scorsese celebra la capacitat del duet per crear “pel·lícules comercials subversives” i descriu fins a quin punt les seves pel·lícules han influït en el seu propi treball. David Hinton: Guardonat director, Hinton es va passar deu anys treballant a “The South Bank Show” fent perfils de pel·lícules d’una àmplia gamma d’artistes, inclòs Michael Powell, cosa que va fer que els dos es fessin amics. Guanyador de dos premis BAFTA pels seus documentals, també ha realitzat una gran varietat de pel·lícules experimentals i adaptacions teatrals per a la televisió. Va rebre un Emmy per la seva pel·lícula de dansa “Great Performances: Two by Dove” mentre “Strange Fish” (1993) va guanyar un Prix Italia. També ha organitzat un màster de dansa a la pantalla, a la London Contemporary Dance School, i ha impartit tallers de cinema de dansa arreu del món. Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Guy Lodge, a la ressenya per a ‘Variety’: Per a qualsevol amant del cinema que va créixer, depenent de la generació a què hom pertanyi, amb les pel·lícules de Michael Powell i Emeric Pressburger o amb l’essencial manual cinèfil dels anys noranta “Un viatge personal amb Martin Scorsese a través del cinema americà” (o amb tots dos, com és el cas d’aquest escriptor), “Made in England: The Films of Powell and Pressburger“ arriba com un plaer absolut. Documental bastit de manera senzilla que recorre les pujades vertiginoses i les baixades esporàdiques de la filmografia més iridiscentment fabulosa del cinema britànic, aquesta pel·lícula de David Hinton  ja fora molt plaent com un simple llargmetratge. El fet que Martin Scorsese, veterà defensor de Powell i Pressburger, en narri els fets, amb la mateixa combinació d’autoritat acadèmica i entusiasme avuncular que va apotar a “Un viatge personal…”, fa que el documental sigui més que la suma de les ja de per si atractives parts: una targeta postal commovedorament sincera d’un cineasta (..), retallant la distància entre el descobriment juvenil i la nostàlgia de la gent gran. Al Regne Unit, “Made in England…” arriba amb claredat després d’un recent augment de la consciència pública i l’exposició del treball del duet, després d’una retrospectiva del British Film Institute la tardor passada i de les reestrenes a nivell nacional de “The Red Shoes” i “Peeping Tom”(..). Perquè és, com apunta Scorsese, la seva pròpia generació de cineastes nord-americans la que va començar la rehabilitació de la reputació de Powell i Pressburger quan van caure dràsticament en desgràcia de la indústria britànica als anys seixanta, després del psicothriller radical i en solitari de Powell “Peeping Tom”, que va ser rotundament excoriat per (..) [la] premsa nacional (..). Quan era un jove cineasta, Scorsese va buscar l’esquiu Powell com a mentor. Aquesta connexió personal —Powell es va casar finalment amb la muntadora de Scorsese Thelma Schoonmaker, aquí acreditada com a productora executiva—, naturalment, acoloreix la narració afectuosa del director nord-americà, encara que no a costa de la visió o la franquesa pel que fa als fracassos artístics ocasionals del duet. Mentrestant, les imatges d’entrevistes d’arxiu ben escollides garanteixen que Powell i Pressburger tinguin la seva pròpia veu, sovint irònica, mentre que una gran quantitat de clips del seu treball, que van des de la canonització fins a l’obscur, parlen per si mateixos. Amb 133 minuts, el document és llarg però mai avorrit, donada la generositat d’atenció que es prodiga a gairebé tota la filmografia de Powell i Pressburger. Si hi ha marge per retallar, és en una introducció celebrativa que es resumeix en gran mesura a mesura que avança la pel·lícula (..). Scorsese parla (..) [d’aquests films emblemàtics de Powell i Pressburger] amb un temor encara embadalit, de tant en tant cridant l’atenció sobre la influència del seu muntatge, música i treball en color a les seves pròpies pel·lícules: la llum vermella que de vegades inunda “Mean Lights” [“Mean Streets” ?] és un homenatge directe a Powell i Pressburger, remarca, tot i que al mateix Powell li va semblar exagerat (..).

De RENCK Johan, “Spaceman” / “El astronauta”. Producció: EUA (Netflix). Durada: 1h46. Guió: Colby Day, basat la novel·la de ciència ficció del 2017 ‘Spaceman of Bohemia‘, de Jaroslav Kalfar. Amb Adam Sandler, Carey Mulligan, Kunal Nayyar, Lena Olin, Isabella Rossellini, Paul Dano. Sinopsi: Durant els últims sis mesos, l’astronauta Jakub (Adam Sandler) ha estat en una missió espacial solitària als confins del sistema solar. De mica en mica s’adona que la seva dona, la Lenka (Carey Mulligan), potser ja no l’està esperant per quan torni a la Terra. Decidit a salvar el seu matrimoni a qualsevol preu, en plena desesperació, rep inesperadament l’ajuda d’un ésser alienígena. Juntament amb Hanuš (Paul Dano), el nom de la criatura que ha viscut des del principi dels temps i que s’amaga a les entranyes de la nau espacial de l’astronauta, en Jakub intenta esbrinar què ha anat malament en la seva relació i com pot recuperar la seva dona. Johan Renck: Suècia, 05.12.1966. Director i productor que treballa al cinema, la televisió i en vídeos musicals. El seu treball de direcció per a la sèrie d’HBO ‘Chernobyl‘ va rebre diversos premis, incloent un premi Emmy, BAFTA i DGA. Ha signat, entre d’altres, 3 episodis de la sèrie ‘Breaking Bad‘, 1 capítol de ‘The Walking Dead‘, 2 de ‘Bloodline‘… Com a director de vídeos musicals, ha treballat amb David Bowie, Madonna, New Order, Robbie Williams i Beyoncé. També és cocreador de la sèrie de concerts ‘ABBA Voyage‘.  Enllaços: IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Nando Salvà, a la crònica per a ‘El Periódico’: (..) les pel·lícules que més clar han deixat quin gran actor és Adam Sandler quan vol són les seves incursions en el cine més vocacionalment seriós. (..) El cine ambientat a l’espai exterior està ple de criatures monstruoses, però, que se sàpiga, la que coprotagonitza “El astronauta” no només és la primera aranya pop del grup sinó, més important, la primera que funciona a tall de projecció de la soledat i l’angoixa existencial del personatge titular. I aquest matís possiblement representa l’única mostra d’originalitat d’una pel·lícula que pren préstecs descarats de ficcions cinematogràfiques infinitament més aconseguides sobre homes perduts en l’espai com “Solaris” (1972), “Moon” (2009), “Interestellar” (2014) i “Ad Astra” (2019), i que mentrestant omple el metratge tant de vergonyant galimaties pseudocientífic com d’al·lusions a una multitud d’assumptes –quins sacrificis estem disposats a fer i quins no al formar una parella, els traumes que els nostres pares ens causen i que marquen la nostra pròpia paternitat, el jou soviètic sobre Txecoslovàquia, el sentit de l’Univers– que, òbviament, els seus 108 minuts de metratge no tenen temps de desenvolupar com haurien merescut (..). Owen Gleiberman, a l’article per a ‘Variety’: (..) Si algun actor té els recursos per mantenir el centre d’una pel·lícula com aquesta, probablement sigui Adam Sandler. Però “Spaceman”, és el meu deure informar, és un conte de fades de ciència ficció trist i serpentejant. S’estrena avui al Festival de Cinema de Berlín, i s’entén perquè l’hi han programat: té un ambient distòpic auster que li permet passar per una pel·lícula d’art. Sandler, sens dubte, fa el que pot amb el paper. Però el director, Johan Renck, adaptant la novel·la del 2017 “Spaceman of Bohemia” (el guió és de Colby Day), no sap com portar el públic. Fa una bona feina per establir la dinàmica espacial de la nau, que a l’interior sembla molt de l’Europa de l’Est dels anys setanta (metall vell pintat amb tons grisos i grisos; equips envellits; molt desordre d’emmagatzematge). L’atmosfera distòpica casual, impulsada per una banda sonora d’efectes modernistes fantasmagòrics, gairebé podria sortir d’una versió dramàtica televisiva de “Solaris”. (..) Tota la situació d’una dona amb dubtes sobre el seu matrimoni que decideix trencar amb el seu marit heroi astronauta mentre ell és en una missió espacial d’alt nivell sembla fonamentalment manipulada. No es pot dir que això no pugui passar, però el guió de “Spaceman” és massa prim per donar suport al que passa. (..) La tranquil·la interpretació de veu d’en Paul Dano com a Hanus sovint recorda la veu de HAL a “2001: A Space Odyssey”. Aquella pel·lícula se situa sobre aquesta, perquè Kubrick va ser el director que va demostrar que es podia fer un drama de ciència ficció sobre el buit de l’espai —el buit d’aquest, el no-drama— i encara mantenir captivat el públic. Aquesta sembla ser la intenció darrere de “Spaceman”. Però en Kubrick, per dessota de la seva altivesa, era un animador instintiu que sabia que necessitaves un conflicte i un dolent. “Spaceman” es perd a l’espai i, sobretot, s’hi queda, fluix [sense forces], perquè tot el que hi passa és massa suau, fins que es cura la relació de Jakub i Lenka. Estem veient una targeta Hallmark a càmera lenta. David Rooney, a la ressenya per a ‘The Hollywood Reporter’: La primera cosa que crida l’atenció de “Spaceman” és com de mesurat es mostra Adam Sandler en el paper principal de l’astronauta txec Jakub. La dolçor tonta de l’actor està totalment subsumida en un Major Tom del segle XXI, un personatge impregnat de la profunda tristesa i la inseguretat de l’aïllament, que respon a l’arribada d’un intrús alienígena a bord de la seva nau, ja sigui del naixement de l’univers o simplement manifestat per la ment ansiosa de Jakub, com un neuròtic que ha trobat un bon terapeuta. (..) Tot i que [aquesta] pel·lícula de Netflix té la seva part d’errors narratius habituals (fallades del sistema de comunicació, intromissió corporativa, turbulències que amenacen la vida), és principalment una història de discòrdia matrimonial i la crida d’atenció i expiació d’un home massa enderiat en els seus somnis per veure què és el més preuat per a ell. Aquesta, en poques paraules, és la limitació d’aquest drama de ciència-ficció fascinant però poc potent. Res fa que els problemes emocionals d’una parella semblin petits i banals com un teló de fons d’infinit còsmic. El director Johan Renck, un veterà de televisió i vídeos musicals més conegut per ‘Txernòbil’, d’HBO, no amaga les seves inspiracions, especialment “Solaris” i “2001: A Space Odyssey”. Però traieu-hi les trampes de ciència-ficció i l’estrany company alienígena aràcnid (la veu de Paul Dano, que sona per a tot el món com l’ordinador de parla suau HAL 9000 de la pel·lícula Kubrick) i el que teniu és bàsicament sabó matrimonial. L’adaptació d’en Day elimina la major part del rerefons polític de la novel·la del 2017, deixant només rastres residuals de la recerca de la redempció de Jakub pels pecats del seu pare, un informador del Partit Comunista deshonrat públicament després de la caiguda del règim. Aquest fil no és prou robust aquí per persuadir l’espectador que l’objectiu heroic de Jakub és molt més que la glòria personal. És un testimoni de la calidesa desgastada de l’actuació de Sandler que, fins i tot quan la seva visió és més desconcertada, el personatge segueix sent simpàtic (..).

Encounters.

De Guillaume CAILLEAU i Ben RUSSELL, “Direct Action“. Producció: Alemanya, França. Durada: 3h36. Fotografia: Ben Russell. Muntatge: Guillaume Cailleau, Ben Russell. Documental.  Sinopsi: L’acció directa és una tàctica estratègia  de protesta que busca aconseguir un objectiu directament i pels mitjans més eficaços. “Direct Action”, la pel·lícula, és un retrat contemporani d’una de les comunitats militants activistes més destacades de França: un fort col·lectiu rural de 150 persones que va resistir amb èxit a un projecte d’ampliació d’un aeroport internacional el 2018, va crear una zona autònoma entre 2012 i 2018, va sobreviure a múltiples actes violents, intents de desnonament per part de l’estat francès i van generar un nou moviment ecologista el 2021. Utilitzant un enfocament d’observació col·laboratiu i immersiu, la pel·lícula documenta la vida quotidiana d’un ecosistema divers d’activistes, okupes, anarquistes, agricultors i els etiquetats pel govern com a “eco-terroristes”. L’èxit d’un moviment de protesta radical pot oferir un camí per superar la crisi climàtica? Guillaume Cailleau (1978). Artista i cineasta resident a Berlín, produeix pel·lícules amb la seva pròpia empresa Caskfilms. El seu treball explora noves formes per abordar qüestions polítiques i socials. Els seus films s’han projectat en festivals com ara Berlín, Nova York, Rotterdam i Edimburg. El seu curtmetratge -documental- “Laborat” -en un centre d’investigació del càncer, un equip de filmació registra els experiments que s’estan realitzant amb ratolins-va guanyar un Ós de Plata a la Berlinale 2014. Ben Russell (EUA, 1976). Artista i cineasta, Russell resideix actualment a Marsella, França. Els seus treballs se centren en la intersecció entre l’etnografia i la psicodèlia i s’han presentat arreu del món. Va ser artista expositor a la ‘documenta 14’ el 2017 i la seva obra ja s’ha mostrat a la Berlinale diverses vegades, éssent l’anterior ocasió el 2018, amb “The Rare Event“, a la secció Forum Expanded. Enllaços: Caskfilms-Direct Action, IMDB, AlloCiné, MyMovies, Filmaffinity. VI: Shellac.

Algunes reaccions:

Fabien Lemercier, a la crítica per a ‘Cineuropa’: Ben Russell i Guillaume Cailleau se submergeixen en el dia a dia del moviment ecologista ZAD a Notre-Dame-des-Landes per signar un documental hipnòtic i artísticament radical. Hi havia una vegada un territori de 1.650 hectàrees situat a l’oest de França, on un projecte aeroportuari va cristal·litzar l’oposició de grups molt compostos (de pagesos a anarquistes, d’ecologistes a activistes de l’alterglobalització) que s’hi van establir i van crear el ZAD (Zone À Defendre) de Notre-Dame-des-Landes l’any 2009. Després d’anys de conflictes molt mediàtics amb el govern i múltiples enfrontaments amb la policia, el projecte aeroportuari va ser finalment abandonat i la ZAD (violentament) evacuada el 2018. Però encara hi viuen més de 150 persones, que hi han desenvolupat activitats agrícoles i una micro-economia, però també un espai de concentració per acollir altres lluites com la del moviment ecologista radical dels Aixecaments de la Terra, recentment en el punt de mira amb les manifestacions (convertides en enfrontament) contra els “megabassins” de Sainte-Soline seguida d’una dissolució del col·lectiu pel Ministeri de l’Interior, que ha estat finalment revocada pel Consell d’Estat. És al cor de la vida quotidiana d’aquesta ZAD (o almenys la seva part políticament visible per tal de preservar l’anonimat dels activistes) que el cineasta nord-americà Ben Russell (..) i el seu homòleg francès Guillaume Cailleau (que hi fa el seu primer llargmetratge) s’han instal·lat els anys 2022 i 2023, amb el fascinant documental “Direct Action” (..). Una pel·lícula òbviament compromesa (“dona’m la mà, camarada. Presta’m el teu cor, company. Reconstruirem les barricades”), però que, amb habilitat i molt d’art, pren la visió contraria a l’estètica del reportatge (..) sobre les tensions extremes dels cara a cara amb la policia (no obstant això abordat en el pròleg i en un tram final esgarrifós). És, efectivament, des de dins i al ritme pacífic de la natura que el documental es desenvolupa a través de plans fixos molt llargs (més fluids gràcies al bonic sentit de l’enquadrament d’en Ben Russell) que detallen les accions i els gestos més prosaics de la vida quotidiana dels habitants de la ZAD. (..) [Vol] una mínima (o fins i tot més) paciència (la pel·lícula dura 216 minuts), però revela un enfocament cinematogràfic magnetitzador de la diversitat i la profunda identitat d’un nucli d’activistes que viuen d’acord (i en acció) amb els seus pensaments. Una existència exigent en concentració, imaginació i memòria (s’evoca la Catalunya de 1936), un falansteri d’estil Thoreau al qual la pel·lícula ret un homenatge molt bonic, certament unilateral però que és sobretot en si mateix un gest artístic original perfectament en línia amb el seu tema, com un mirador que configura el seu propi espai-temps. Jaime Pena, a l’article per a ‘Caimán’: Quan algú pregunti què és el cinema polític, la meva recomanació és que passi per “Direct Action”. Retrat de la ZAD (zone à defensar) de Notre-Dame-des-Landes, tot en aquesta pel·lícula de Guillaume Cailleau i Ben Russell parteix dels elements més simples, per això també els més radicals i els més polítics. (..) A Notre-Dame-des-Landes hi segueixen vivint grangers, ramaders, ecologistes, squatters… que la càmera de Russell recull en les seves diferents activitats quotidianes, sempre en llargs plans-seqüència i en cinema , potenciant la qualitat granulosa de la imatge: un pla per al granger que llaura la terra, un pla per a unes mans que passen el pa o per a una dona esmolant una serra mecànica (de tot se n’aprèn). Aquestes activitats són les que ocupen bona part de l’atenció de Cailleau i Russell, però també les lúdiques (..) o les assemblees i els preparatius per a l’activisme. És aquesta diversitat la que proporciona a “Direct Action” una lleugeresa poc habitual en aquestes pel·lícules observacionals de plans fixos tan llargs i durada tan extensa (més de tres hores i mitja), però és que fins i tot el pla més auster, un de la pluja caient sobre uns cotxes abandonats, s’aprofita per recomanar un descans de cinc minuts. És aquesta diversitat, però també una progressió calculada que condueix a una hora final magistral, amb les protestes i els enfrontaments amb la policia. Hi ha almenys dos plans extraordinaris. (..) El cinema polític és això: saber on col·locar la càmera i “Direct Action” és tota una lliçó d’on col·locar la càmera i què s’ha de filmar. Encara que alguns no ho entenguin.

​

De Matías PIÑEIRO, “Tú me abrasas” / “You Burn Me” / “Du verbrennst mich”. Producció: Argentina, Espanya. Durada: 1h04. Guió: Matías Piñeiro, adaptació d’un capítol de ‘Dialoghi con Leucò‘, de Cesare Pavese, publicat l’any 1947 –text sobre la figura de la poetessa Safo– . Amb Gabi Saidón, María Villar, María Inês Gonçalves, Agustina Muñoz. Sinopsi: L’antiga poetessa grega Safo (Gabi Saidón) i la nimfa Britomartis (María Villar) es troben al costat del mar i mantenen una conversa sobre l’amor i la mort. Es diu que Safo es va llançar a l’oceà per mal d’amor. Britomartis sembla que va caure d’un penya-segat i va caure a l’aigua mentre fugia d’un home. Totes dues discuteixen les històries i les imatges que han sorgit al seu voltant per intentar entendre, almenys per un moment, la naturalesa agredolça del desig. Nota del festival: La pel·lícula no només adapta el text sinó també les notes al peu i els buits de la història. Per exemple, el fet que, l’any 1950, un Pavese desesperat es va suïcidar a l’habitació d’un hotel amb aquest llibre al seu costat. O que els poemes de Safo només han sobreviscut a fragments. O que l’escuma de mar està associada històricament i científicament amb la fertilitat i els bacteris, és a dir, amb la vida mateixa. “Tot mor al mar i torna a la vida”, diu Britomartis. “Tú me abrasas” introdueix noves lectures i traduccions que van més enllà dels mites de Pavese i Safo. Matías Piñeiro: Buenos Aires, Argentina, 1982. Guionista i director de cinema, actualment resideix a Nova York, EUA. Els seus curts i llargmetratges s’han estrenat a la Berlinale, Toronto, Locarno, Canes i al Festival de Cinema de Nova York. La seva obra es basa sovint en fonts literàries. De fet, des de fa deu anys desenvolupa un cicle de pel·lícules basades en els rols femenins de les comèdies de William Shakespeare anomenat “Las Shakespeareadas”. És professor de cinema al Pratt Institute (Nova York – EUA) i coordina el departament de Creació cinematogràfica a l’Elías Querejeta Zine Escola (Donosti, País Basc). Va formar part de l’equip de programació del Festival Punto de Vista Film (Pamplona, Navarra) i de l’Anthology Film Archives (N.Y., EUA). Actualment treballa en l’adaptació de “The Lesson of the Master”, de Henry James, i en una pel·lícula d’assaig basada en “De remediis utriusque fortunae”, de Francesco Petrarca. Enllaços: IMDB, AlloCiné,  MyMovies, Filmaffinity.

Algunes reaccions:

Diego Lerer, la crítica per a ‘Micropsia’: Un llenguatge cinematogràfic armat amb plans com a paraules. Una poètica consistent en mans, objectes, tecles de piano, roques, mar. Matías Piñeiro intenta, a “Tu me abrasas”, trobar una manera de filmar una conversa i una sèrie de poesies o fragments de poesies. El film és un diàleg o una sèrie de diàlegs: entre Safo i Britomartis –segons el llibre de Cesare Pavese que s’imagina una conversa entre totes dues–, entre la prosa i la poesia, entre el cinema i la literatura. És una pel·lícula que es pregunta com filmar un llibre i que ofereix fragments delicats de respostes possibles. En algun punt, es podria descriure el que és nou del director de “Viola” –el seu primer treball en solitari no shakespearà en molt de temps– com un documental sobre la seva pròpia construcció. Agustina Muñoz és la narradora, que oficia com a presentadora de torn i després posarà veu a un personatge que estudia la vida i els escrits de Safo. En una estructura de lectures, de reflexions sobre aquestes lectures i dels ressons que elles produeixen, Gabi Saidón serà una actriu que posa el cos a la poetessa de Lesbos i María Villar farà el mateix amb la nimfa cretenca Britomartis. Mai no deixaran de ser elles mateixes, però funcionaran com a conductes d’aquestes converses imaginades per Pavese. Piñeiro partirà d’aquesta conversa per aprofundir lateralment en la història de l’escriptor, en la seva mort a Torino i sortirà d’allà camí a fer el mateix amb Safo, de la poesia de la qual només queden fragments que de vegades impacten més del que ho podrien fer versos complets. El realitzador jugarà amb les diferents traduccions d’aquestes poesies (diverses versions en castellà, però també en anglès, italià i grec) i, fonamentalment, intentarà trobar mitjançant el muntatge, més d’una vegada, una mena de llenguatge poètic que pugui transformar aquestes línies en imatges connectades entre si. Les converses entre Safo i Britomartis al llibre de Pavese integren ‘Espuma de mar’, un dels textos de ‘Diàlegs amb Leucó’, que Pavese va publicar el 1947. I tant elles com les (..) línies de poesia de Safo rondaran les habituals temàtiques amoroses que integren la majoria dels films del director de “Todos mienten”: les passions, els desenganys, el desig i la sexualitat, posades als cossos, les cares i les veus de dues dones que conversen en actuals locacions europees. Filmada en 16mm i amb una fotografia dessaturada, malenconiós en la manera com sempre sembla estar evocant un temps passat, “Tu me abrasas” segueix mostrant l’evolució de Piñeiro cap a un tipus de cinema cada cop més experimental i d’assaig, que funciona en una manera que sembla intuïtiva. És un realitzador que escriu amb imatges i que hi juga com si fossin fragments de poesia que altres persones trobaran dins de diversos segles i hauran de reconstituir. Com els fracturats versos trobats de Safo, els plànols de Piñeiro evoquen una idea romàntica del cinema i s’expressen amb la bellesa dels fragments entretallats: mans, objectes, tecles d’un piano, roques, el mar i un cos que s’interna al seu escuma. Gerard Casau, a X: Se sap que ningú filma els llibres (i les mans que en passen les pàgines) com els argentins. I així és justament com es desplega ‘Tu me abrasas’ de Matías Piñeiro, entre Safo, Pavese i una Torí filmada en Super-8. Com no m’ha d’agradar?. Jaime Pena, a X: En una Berlinale en què l’única taula de salvació la constitueixen vells coneguts com Tsai, Hong o Reitz, de sobte sorgeix com una erupció de textos i imatges “Tu me abrasas”, amb què Matías Piñeiro s’inventa un nou univers fílmic més proper a l’experimental. Diego Batlle, a la crítica per a ‘Otros Cines’: Enmig d’un cinema cada cop més algorítmic, més preformatat, que genera impactes instantanis, ofereix gratificacions demagògiques i certeses tranquil·litzadores, apareixen petites, sensibles, delicades i fràgils pel·lícules com “Tu me abrasas” que aposten per allò sensorial, per una experiència austera i reposada. (..) Un film que indaga (i es pregunta) sobre les formes de la memòria, de la preservació, de les relacions entre dones, de l’adaptació i del seu propi procés creatiu. Rodada en 16mm amb una tècnica molt artesanal, aquesta barreja d’assaig, collage i “literatura filmada” (els fulls dels llibres són part essencial de la proposta, com també les traduccions, les notes al peu i les anotacions al marge) va ser concebuda amb l’aportació de diversos participants d’EQZE, escola de cinema de la qual Piñeiro és coordinador de la carrera de Creació. “Tu me abrasas” té alguna cosa malenconiosa, nostàlgica i fins i tot atemporal perquè, si bé hi ha imatges clarament actuals, té un ‘look’, un ritme cadenciós com d’una altra(es) època(es). Potser una experiència una mica més críptica i àrida que les seves comèdies shakespearianes més lleugeres, però no per això menys fascinant, es tracta -en definitiva- d’una altra valuosa ‘posta’ en el camí d’un cineasta que no es lliga a fórmules (pròpies o alienes) , que busca, prova (moltes vegades encerta, de vegades no tant), juga (perquè sempre es percep un esperit lúdic) i modela la en general rígida matèria fílmica amb la destresa i flexibilitat d’un ceramista o un escultor abans que la seva obra arribi a la seva forma definitiva. Altres reaccions: Jara Yáñez i Jaime Pena, l’article per a ‘Caimán’; Savina Petkova, la crítica per a ‘Cineuropa’.

Us ha agradat aquest article? Compartiu-lo!