Club 7 Cinema

Ens diuen que, com era d’esperar, Steven Spielberg ha tingut una acollida multitudinària al Festival de Berlín, el dia que li han lliurat l’Os d’Or Honorífic. Sens dubte la notícia mediàtica i cinèfila de la jornada; però la Competició del certamen ha presentat l’última, entranyable, romàntica pel·lícula del veterà Philippe Garrel -quines ganes de veure-la!-,  que, en clau testamentària, ha reunit els seus tres fills per primer cop a la pantalla. I al seu costat, un nou film críptic de la formalista alemanya Angela Schanelec. Mentrestant,a les seccions paral·leles un documental sobre Donna Summer, una de terror amb què debuten uns youtubers…

Competició.

Le grand chariot (The Plough), de Philippe Garrel, producció França / Suïssa 2022, amb Louis Garrel, Damien Mongin, Esther Garrel, Lena Garrel, Francine Bergé

Sinopsi: Tres germans formen l’última generació d’una família de titellaires dirigida amb passió pel pare. Són una mena de mags, però amb prou feines poden arribar a final de mes, treballant principalment per amor a l’ofici. L’àvia també hi contribueix, no només com a modista sinó també com a dipòsit de records i saviesa. Un esdeveniment tràgic desafiarà el desig de cada germà de continuar.

Algunes reaccions.

Violeta Kovacsics escriu a ‘OtrosCinesEuropa’: (..) és una pel·lícula sobre la transmissió. Hi ha pares, àvies, fills, germans i nadons. A més, el teatre de titelles que condueix el personatge interpretat per Aurélien Recoing es presenta com un negoci familiar, compartit amb els seus tres fills. La descendència en la ficció ho és també a la vida real: són Louis, Esther i Lena Garrel, els tres fills del director de la pel·lícula, Philippe Garrel. Els seus noms són també els dels personatges. Així pren forma una intersecció entre realitat i ficció, entre art i família, que ha marcat gran part de l’obra del director de “Les Amants reguliers”, que al llarg dels anys va treballar amb Maurice (el pare), Louis (el fill) o Brigitte Sy (la seva exdona). Al cinema de Garrel, la vida impregna la ficció, o la ficció no és més que una continuació de la vida. És des d’aquesta perspectiva que cal observar “Le grand chariot”. És una pel·lícula sobre la vida i la mort, no només dels éssers estimats, sinó d’una manera de fer art. A “Le grand chariot” hi ha titellaires, actors i pintors, tots ells amb les seves expectatives i precarietats (..) A “Le grand chariot” (..) hi ha un diàleg constant entre generacions. L’àvia recorda anècdotes dels seus pares, mentre que la filla petita explica a l’àvia de les manifestacions feministes. El present s’imposa (és curiós que Garrel entengui el feminisme com una cosa eminentment contemporània), i l’espectacle artesà sembla un vestigi del passat. “Per què cal ser modern? Els textos clàssics són moderns. El que és clàssic és la resistència”. Aquestes frases les pronuncia l’Esther, però defineixen perfectament el lloc d’un cineasta travessat pel temps (..) Hi ha alguna cosa nova a “Le grand chariot”, una obra que, amb el seu alè crepuscular, emergeix com una bellíssima carta d’un cineasta als seus fills i a les generacions més joves. Gerard Casau ha piulat: (..) potser és la pel·lícula més càlida de Philippe Garrel. Un film d’afectes, herències i cert “final de raça”, en què es palpa tant l’emoció d’evocar els pares com la felicitat i orgull en filmar els fills. Jordan Mintzer, a la seva crítica per a ‘The Hollywood Reporter’: (..) Amb els tres fills del director en els papers principals, “Le Grand Chariot” juga a ser una pel·lícula [testamentària] amb prou feines disfressada en la qual el cineasta imagina com podria continuar la vida després de la seva pròpia mort. Prenent el títol al peu de la lletra: Qui agafarà l’arada després que passi el patriarca? És una pregunta intrigant, però que Garrel respon repetint els seus temes preferits en lloc d’oferir alguna cosa completament nova. Potser el  millor que s’ha empescat ha estat transformar el seu alter ego a la pantalla, interpretat per Aurélien Recoing, en un titellaire que treballava durant molt de temps en la tradició ‘guignol’ de França (..), en lloc de convertir-lo en director de cinema. També hi ha una vessant autobiogràfica -el pare de Garrel, l’actor Maurice Garrel, també era un titellaire bregat- i és un gir intel·ligent que fa que el de “Le Grand Chariot” sigui un ofici artístic moribund que, igual que el cinema, algun dia pot deixar d’existir. També són els moments més forts de la pel·lícula els que veiem els tres fills del titellaire, Louis (Louis Garrel), Martha (Esther Garrel) i Lena (Lena Garrel), posant en escena espectacles per a nens que miren amb terror i alegria, en escenes que recorden a la famosa seqüència del ‘guignol’ d’ “Els 400 cops”, de Truffaut (una seqüència que era una metàfora de les pel·lícules). La descendència de Garrel no només demostren ser uns titellaires convincents, sinó que interpreten aquelles escenes amb una energia i un abandó que són menys presents quan els seus personatges només estan vivint la vida i es mouen (..). Fabien Lemercier, a la seva crònica per a’ Cineuropa’: Philippe Garrel retroba el color i perfecciona encara més el seu art refinat, reflexiu i romàntic passant-lo pel filtre del suavitzant familiar (..) És una pel·lícula d’un mestre-miniaturista nodrit de les múltiples capes invisibles de tota una existència d’artista-artesà i d’home que Philippe Garrel ha presentat a competició (..) I, sense voler enterrar el director abans d’hora, la seva nova obra sembla una mica un testament (no cedeix tanmateix al crepuscle, ja que la pel·lícula és en color, un fet força rar en la seva filmografia) o un pas de relleu, fins i tot un homenatge a una línia d’artistes, ja que els tres fills (Louis, Esther i Lena) del mestre es reuneixen per primera vegada a la pantalla i la trama gira al voltant d’una companyia familiar de titellaires (professió que havia exercit Maurice Garrel, pare del cineasta, abans de convertir-se en actor). Dit això, òbviament tampoc és un documental familiar, encara que els exegetes es Garrel segur que podran descodificar molts elements biogràfics. Perquè el director ja ha arribat a un nivell de domini de l’esquema narrativa romàntica i fluida (amb els seus clàssics com la veu en off i les seves navegacions entre diversos personatges) que pot agafar tota l’alçada necessària per aixecar-se i transmutar qualsevol possible confusió entre la realitat i els personatges en la creació d’una obra senzilla i clara d’imaginació i esperit (..) Sense forçar mai les coses i evitant amb molta cura el més mínim desbordament melodramàtic, Philippe Garrel tracta amb suavitat una multitud de temes que li són més propers al cor (la vida de l’artista, la família, l’amor, l’amistat, el temps). Un quadre perfecte en la seva modèstia de superfície emmascarant un altre món darrere del teló d’aquell que sap estirar els fils dels titelles de la ficció i que coneix tots els girs de l’existència. Sergi Sánchez, a Facebook: És una bella pel·lícula testamentària, en què el francès Philippe Garrel sembla acomiadar-se del cinema defensant-ho com un assumpte de família. Aquí hi ha els seus fills, que interpreten una troupe de marionetistes que afronta el seu art des de l’afecte i l’empatia, i accepta la dissolució del projecte en comú quan la mort ataca els seus fonaments. El futur és el que importa: Garrel celebra el seu funeral anticipat beneint la seva herència. Jonathan Romney, a ‘Screen International’: Una peça trista que es percep com una relíquia d’un cinema europeu que ja no està realment en sintonia amb els temps.

Music, d’Angela Schanelec, producció Alemanya / França / Sèrbia 2023, amb Aliocha Schneider (Jon), Agathe Bonitzer (Iro), Marisha Triantafyllidou, Argyris Xafis.

Sinopsi: El mite d’Èdip és el nucli d’aquesta peça magistral de narració el·líptica en què cada detall, per petit que sigui, esdevé un signe, o no. Aquesta és una pel·lícula que ens transporta des de les muntanyes i platges de Grècia fins als llacs de Berlín, i des dels anys vuitanta fins als nostres dies. Entremig, hi ha una data que es pot comprovar: 2006 (amb futbol i dos minuts decisius per a Itàlia). Un nen nounat és rescatat d’una tempesta una nit. El paramèdic Elias i la seva dona l’accepten, li diuen Jon i el crien. Quan és jove, ataquen en Jon i comet un homicidi involuntari. La víctima no és altra que… Durant el seu empresonament, en Jon i una oficial de presons anomenada Iro es converteixen en parella. El magnetòfon reprodueix música barroca: la llista de reproducció inclou Monteverdi, Bach, Pergolesi.

Algunes reaccions.

Wendy Ide, a ‘Screen International’: (..) exigeix una inversió considerable per part de l’audiència i raciona les recompenses fins i tot pels que es comprometen completament amb l’experiència. Sergi Sánchez, a Facebook: A les brusques el·lipsis de “Music” l’alemanya Angela Schanelec està recreant el mite d’Èdip mentre redimeix la seva dimensió tràgica a través de la música (del barroc al bell folk canadenc). Per Schanelec les omissions són més narratives que el relat, de manera que l’espectador haurà de desxifrar els signes que, dispersos en plans dilatats, organitzen un discurs que barreja l’automatisme bressonià amb els protocols de l’“slow cinema”. Hi ha massa opacitat al primer tram de la història, però l’atmosfera del film és tan estranya i misteriosa que acaba per seduir. Jordan Mintzer, a la seva crítica per a ‘The Hollywood Reporter’: (..) L’última pel·lícula de Schanelec, “Music”, pot resultar encara més desconcertant per al públic, tot i que està plena d’algunes de les característiques distintives de la directora: plans llargs bellament compostos; una narració el·líptica que avança en el temps sense previ avís; actuacions tranquil·lament contingudes que se centren més en el gest que en el diàleg; i un ús quirúrgicament precís del so i la música (..) “Lliurement inspirada en el mite d’Èdip” segons els crèdits -“lliurement” és la paraula clau aquí-, la pel·lícula està ambientada majoritàriament a Grècia en un moment no especificat que sembla els anys 70 o 80. Però com que el temps en si mateix sempre és bastant elusiu a l’obra de Schanelec, és difícil dir quan està passant exactament la història o durant quant de temps estan passant determinats esdeveniments. També característic de les pel·lícules de Schanelec és l’ús de l’espai fora de camp, amb esdeveniments importants que tenen lloc durant les el·lipsis o simplement lluny de la càmera. Conèixer la història d’Èdip tampoc serà de gran ajuda aquí. En aquesta versió, l’heroi tràgic ha estat rebatejat com a Jon (Aliocha Schneider), mentre que el seu interès amorós ja no és la seva pròpia mare Jocasta, segons l’obra de Sòfocles, sinó una guàrdia de la presó anomenada Iro (Agathe Bonitzer) (..) És difícil espatllar una història la trama de la qual serà impenetrable per a molts espectadors, tot i que és important esmentar que l’última part de la pel·lícula s’ambienta a Berlín, on Jon, que sembla que està perdent la vista com Èdip, s’ha convertit en un músic d’èxit. Els rodets de tancament presenten un parell d’actuacions d’estudi molt ben interpretades en què Schneider interpreta cançons de l’artista canadenc Doug Teilli, oferint la música que promet el títol i un final molt més alegre que la clàssica tragèdia. El títol “Músic” també fa referència més generalment al que Schanelec buscava en el mite original, que són les ressonàncies musicals que crea entre els diferents personatges, així com entre els personatges i els llocs on habiten. La seva pel·lícula està plena de silencis o mitjos silencis en què ningú parla durant llargs períodes, però també hi ha música en aquests moments, com si la gent interaccionés només compartint el mateix espai. Tot i així, el que fa que la seva darrera obra sigui especialment difícil d’entendre, encara que mai desagradable de veure, és la combinació del mite amb un realisme banal i quotidià massa fugaç per apreciar-lo. Tot i que les pel·lícules anteriors de Schanelec es van centrar, en la seva major part, en la vida de famílies o joves alemanys, aquí mai estem segurs de qui són Jon i Iro, ni per què són interpretats per una parella d’actors francesos que parlen grec amb fluïdesa. En aquest sentit, “Music” sembla ser més un homenatge a l’estètica única de la directora —el seu ús especialitzat de la imatge i el so, del personatge i del paisatge— que qualsevol cosa que s’assembli a una narració, encara que hi hagi fragments de la història escampats per tot arreu (..). Violeta Kovacsics, a la seva crònica per a ‘OtrosCinesEuropa’: (..) Al començament de “Music”, la nova pel·lícula d’Angela Schanelec, el paisatge ocupa el gruix del pla, com si fos un quadre. Sobre aquesta composició, i gràcies al treball de posada en escena, les accions s’aniran presentant de manera fragmentària, esquiva, encara que és possible reconstruir el que passa (..) Schanelec proposa més preguntes que respostes, encara que els enigmes es poden anar resolent mitjançant petits detalls. On som? (..) I quan? (..) No tot a “Music” és un secret, per més que la posada en escena el·líptica hi insisteixi. El nou treball de la veterana cineasta alemanya, emblema de l’Escola de Berlín, no només presumeix d’un desplegament escènic de gran bellesa, sinó que enlluerna per la seva manera audaç de revelar narrativament el pas del temps. Els personatges envelleixen, però els actors romanen igual. Vet aquí una idea curiosa, que incideix en el misteri que la pel·lícula planteja sense que la directora tingui la més mínima intenció de revelar res des de l’evidència. Schanelec no afluixa. No fa concessions. És més, quan la pel·lícula es torna una mica explicativa (només una mica), la proposta perd força (..) La música, que abunda al tram final, pretén dotar d’emoció una pel·lícula que, durant bona part del metratge, bloqueja aquesta possibilitat. “Music” no és un jeroglífic (en el fons, la partitura és clarament la d’una tragèdia), sinó una obra hermètica (..). Jessica Kiang, a la seva crítica a ‘Variety’: (..) l’últim bell i estrany artefacte d’art i assaig (..) de la formalista intransigent Angela Schanelec, sembla una proposta igualment condemnada. Les limitacions del llenguatge poques vegades són tan evidents com quan s’enfronten a les elisions platejades i les omissions nítides i críptices d’aquest cop d’ull a “Èdip Rex” de Sòfocles. És poc probable que Schanelec ampliï enormement la seva base de fans aquí, però els pocs i fervents seguidors que ha acumulat al llarg de les seves 10 fantàsticament intrincades pel·lícules poden quedar més que mai captivats per la fèrtil il·lògica de “Músic”, una expressió postmoderna d’un text premodern (..) Es tracta d’una pel·lícula que exigeix alguna cosa de l’espectador, en un moment en què fer aquestes demandes no està de moda i fins i tot s’ha arribat a considerar amb recel, com si fer alguna cosa amb la teva pel·lícula que no sigui entretenir fos imperdonablement pretensiós. Però per als pocs, els valents, els intel·lectualment temeraris que són immunes a les acusacions de pensar massa en les coses, “Music” és entretinguda, donant un entrenament sobtat i difícil a una part del teu cervell que pot haver-se atrofiat una mica, almenys des de darrera pel·lícula d’Angela Schanelec (..). Gerard Casau ha piulat: A més de donar-li títol, l’ús de la música aporta a Music una nova textura al cinema d’Angela Schanelec. Amb tot, em costaria menys creure’m el misteri i l’abstracció tràgica si la sinopsi no s’encarregués d’explicitar allò que les imatges busquen elidir.

Berlinale Special.

Talk to Me, de Danny Philippou, Michael Philippou, producció Austràlia 2022, amb Sophie Wilde, Alexandra Jensen, Joe Bird, Otis Dhanji, Miranda Otto

Sinopsi: A Austràlia, una banda d’adolescents descobreix com convocar esperits. Després d’unes quantes sessions de grup, algú va massa lluny i obre la porta al món dels morts. Un flagell de visitants sobrenaturals camina entre els vius, desencadenant casos de possessió a cada pas. El grup de joves es veu obligat a triar en qui confiar: els vius o els morts.

Comentari del Festival: Els germans bessons Danny i Michael Philippou, que s’han fet un nom amb vídeos polèmics de YouTube, debuten com a directors aquí amb una pel·lícula de terror que és alhora impactant i viral a la vegada i que transposa els excessos i la sàtira de l’acció en directe que es troben a Internet. a les demandes narratives del cinema. El resultat és una barreja d’adrenalina de comèdia, por i visions increïbles que és difícil d’oblidar!

Algunes reaccions.

Gerard Casau ha piulat: ‘”Talk to Me” oblida aviat el seu potencial viral (què passa quan a la gen-Z li dóna per gravar-se invocant esperits?) per instal·lar-se en un goig més clàssic a l’hora de compondre el terror. Encara que no aconsegueixi mantenir la seva intensitat inicial, causarà estralls. David Rooney, a la seva crítica a ‘The Hollywood Reporter’: Hi ha un apunyalament, un suïcidi violent i un accident inquietant amb la mort d’un cangur en els primers minuts de “Talk to Me”, i a partir d’aquí, la pujada d’adrenalina d’aquesta col·lisió de malson entre vius i morts poques vegades s’apaga. Després d’haver-se fet un nom amb el contingut d’acció i terror còmic en línia del seu canal de YouTube ‘RackaRacka‘, els germans bessons australians Danny i Michael Philippou fan el salt al cinema amb seguretat i imaginació, preparant emocions punyents que aprofiten amb habilitat el seu propi bagatge en sensacions virals de vídeo (..). Xavi Serra, a la seva crònica al diari ‘Ara’: (..) deu ser una de les pel·lícules de terror més efectives i canòniques que ha passat mai per la Berlinale. Els australians Danny i Michael Philippou manegen els codis del gènere amb gran habilitat  (..) Més sòlida en el vessant lúdic que en el dramàtic (..) es gaudeix intensament mentre els Philippou construeixen el crescendo que esclatarà quan, inevitablement, el joc de la mà d’escaiola [en què juguen els adolescents protagonistes] acabi com el rosari de l’aurora. A partir d’aquest moment es perd l’equilibri assolit entre el drama i el terror i la història navega una mica sense rumb, però la seva efectivitat i originalitat faran de “Talk to me” una de les grans pel·lícules de terror de l’any.

Love to Love You, Donna Summer, de Roger Ross Williams, Brooklyn Sudano, producció USA 2023 | Documental.

Sinopsi: Explica l’extraordinària història de la reina de la discoteca Donna Summer a través d’un ric arxiu de fragments inèdits de pel·lícules, vídeos casolans, fotografies, obres d’art, escrits, àudios personals i altres enregistraments que recorren la vida d’una de les intèrprets més emblemàtiques. Des dels seus primers anys de carrera amb Giorgio Moroder a Alemanya, fins als anys posteriors més centrats en l’espiritualitat i la vida familiar com a refugi dels problemes associats tant a la notorietat com a les ferides íntimes, la seva història és tant més especial com per ser explicada en primera persona.

Algunes reaccions.

David Rooney, a la seva crítica a ‘The Hollywood Reporter’: Codirigida per Roger Ross Williams i Brooklyn Sudano, la filla de Summer, la pel·lícula és un retrat amb materil d’arxiu de l’artista els èxits eterns de la qual amb el productor Giorgio Moroder encara poden omplir una pista de ball (..) El risc quan un membre de la família immediata està involucrat en un homenatge a una figura important del firmament de la cultura pop és que la història que decideixen explicar potser no és la que els fans volen escoltar. Aquest és un problema -si més no per a aquest antic noi de discoteca- amb “Love to Love You, Donna Summer”, d’HBO. (..) El document està farcit de material d’arxiu fantàstic. Però desaprofita en gran mesura una plataforma ideal per a reafirmar el lloc vital del tema en la història de la música pop i reclamar la música disco com un gènere la influència del qual mai ha minvat (..) Se’ns recorda constantment que Summer era ambivalent a l’hora de ser coronada com la Reina del Disco, perquè sentia que marginava els seus dots vocals per al gospel, el R&B i el soul, sense esmentar que no encaixava bé amb el seu renaixement religiós posterior (..) El document és molt més complet pel que fa a la vida personal de Summer i les línies generals de la seva trajectòria professional que els detalls, amb una aportació considerable de Brooklyn Sudano i la seva germana Mimi Dohler; les seves ties, Mary Ellen i Dara Bernard, que van cantar com a suport per a Summer; i el segon marit de Summer, Bruce Sudano (..).

Us ha agradat aquest article? Compartiu-lo!