Club 7 Cinema

Cada dia, entre el 13 i el 24 de maig de 2025 vaig publicant aquesta mena d’apunts, en què enllisto les pel·lícules que es projecten per primer cop, a la jornada en qüestió, i oficialment en alguna de les seccions del Festival de Canes, a la Quinzena dels Cineastes, a la Setmana de la Crítica i a l’ACID. I, atenció si sou seguidors del Club 7 Cinema, que enguany és en aquest mateix article que hi afegiré les cròniques que, des de Canes, vagin enviant els enviats especials.

Per tal d’evitar que l’apunt sigui encara més llarg del que resultarà, hi he escapçat la informació de cada pel·lícula, deixant-hi tan sols allò essencial per a identificar-la i em permeto assenyalar-vos que per a trobar la fitxa més completa de cada film i el perfil del director corresponent només cal que aneu a l’enllaç TOT CANES 2025 i hi navegueu per la secció escaient, perfectament identificada aquí, per a cada pel·lícula. També, al final de les dades de cada pel·lícula de les d’avui, podeu trobar l’enllaç amb l’apunt d’aquest blog dedicat a la corresponent categoria.

A més a més de les cròniques o enllaços de ressenyes recollits aquí (a mesura que vagin arribant i jo hi tingui accés), vaig editant alguns apunts específics, de Ressons de Canes sobre films dels quals, per la seva importància o acollida, valgui la pena fer-ne una remarca especial.

Diumenge 18 de maig, a Canes 2025.

COMPETICIÓ.

FOTO: “The Phoenician Scheme“ (Focus Features)

De Wes ANDERSON, “The Phoenician Scheme“ / “La trama fenicia”.

Producció: EUA, Alemanya. Any: 2024. Durada: 1h41.

Gènere: ‘Thriller’ (comèdia?) d’espionatge.

Nota sinòptica: Història fosca d’espionatge que segueix la tensa relació pare-filla dins d’una empresa familiar. Els girs de la trama giren al voltant de la traïció i les opcions moralment grises. Tràiler: VO.

Amb: Benício Del Toro (Zsa-zsa Korda, el pare), Mia Threapleton (la filla,monja), Michael Cera (Bjorn Lund), Tom Hanks (Leland), Bryan Cranston (Reagan), Riz Ahmed (príncep Farouk), Scarlett Johansson (cosina), Hope Davis, Benedict Cumberbatch (oncle Nubar).

A Canes: Festival de Canes 2025 – Competició | En aquest blog, més informació: Competició.

Ressons a la projecció del film:

Xavi Serra, a la crònica per al diari Ara: (..) El seu cinema es manté, pel·lícula rere pel·lícula, tremendament fidel a si mateix i aliè a modes i tendències, construint una filmografia d’una coherència excepcional en el cinema nord-americà de les últimes dècades. Una república independent dins de Hollywood que només és possible gràcies a la sobrenatural capacitat d’Anderson per convocar en cada pel·lícula un bon grapat d’estrelles internacionals que rebaixen el seu caixet per formar part de l’univers personalíssim del director (..) / (..) La trama empresarial, complexa i difícil de seguir per moments, no deixa de ser un pretext per escenificar una història de retrobament entre un pare i la seva filla, interpretada per Mia Threapleton, enèsima ‘nepo baby’ de Hollywod –és filla de Kate Winslet– i la novetat més refrescant de la ‘troupe’ d’Anderson / (..) “La trama fenicia” és un retorn a l’estètica narrativa marca de la casa: diàlegs vertiginosos, escenaris d’un barroquisme fora mida i una posada en escena antinaturalista en què els actors semblen gairebé figuretes de ‘stop-motion’ que el director manipula a plaer (..) / Tot i que “La trama fenicia” no arriba al nivell de paroxisme formal de “La crònica francesa” (2021), les últimes pel·lícules d’Anderson s’atrinxeren tant en les seves marques d’estil que sovint ofeguen les emocions que bateguen dins de les històries. I l’impressionant dispositiu narratiu del director sembla, cada vegada més, un fi en si mateix, i no un mitjà per desplegar la història i els personatges.

Nando Salvà, a la crònica per al diari El Periódico: (..) Wes Anderson ha anat endinsant-se cada vegada més en el cor del seu propi univers (..), on imperen les demarcacions precises d’espai i color, les composicions meticulosíssimes, els personatges hieràtics que declamen diàlegs estilitzats i els objectes del passat reconvertits en relíquies pop, i que en les seves últimes pel·lícules ha adquirit prou densitat per deixar els seus visitants una mica perduts i fins i tot esgotats. En aquest sentit, és important deixar clar des del principi que la ficció que Anderson va presentar ahir a concurs al Festival de Canes és gairebé minimalista si es compara amb les dues immediatament anteriors de la seva filmografia, “La crónica francesa” (2021) i “Asteroid City” (2023), (..) / (..) Al llarg de la pel·lícula, Korda i la seva filla volen d’un país a l’altre per renegociar acords amb els socis comercials del magnat, i mentrestant Anderson, sense sortir de Wesville [l’univers de WES Anderson], ens convida a recordar els mètodes dels autòcrates que governen el nostre món. Qualsevol que hagi estat atent a la seva carrera entendrà que no és la primera vegada que el texà utilitza el seu cine hermèticament segellat per fer-se ressò d’aspectes problemàtics de la realitat contemporània: a través tant d’”El Gran Hotel Budapest” (2014) com de l’al·legoria animada “Isla de perros” (2018), per exemple, va fer advertències sobre l’auge de l’autoritarisme que van resultar ser profètiques / I mentre acompanya Korda en un viatge a través del qual l’empresari va comprenent el mal causat per la seva avarícia, els seus artificis, la seva paranoia, el menyspreu per la seva família i la seva actitud arrogant davant el patiment aliè, Anderson torna a assajar la comèdia en què s’ha especialitzat en l’última dècada, matisada a base de terror existencial i coberta per l’allargada ombra de la mort (..); pot ser que, mentrestant, aquesta pel·lícula no transmeti la melancolia irresistible d’obres prèvies del seu autor, com “Moonrise Kingdom” (2012) i “El Gran Hotel Budapest” (2014), però, en bona mesura perquè els personatges no són simples maniquins dissenyats per exhibir els capricis estilístics del seu creador, és la millor pel·lícula sorgida d’Andersònia [l’altra manera que té en Nando Salvà d’anomenar l’univers de Wes ANDERSON] en aquesta dècada.

Paco Vilallonga, a la crònica per a Diari de Girona:  (..) la presentació de “The phoenician scheme” ha confirmat l’estancament absolut del director texà. El nou film d’Anderson és una nova mostra -com ja passava a “The french dispatch” i a “Asteroid city”, també presentades a Canes- de la més absoluta perfecció estètica al servei d’una història que no aconsegueix transmetre cap emoció / Mai el fons i la forma d’una pel·lícula havien estat tan separades com en el darrer cinema d’Anderson. Amb vestuari de la gran Milena Canonero i disseny de producció d’Adam Stockhausen (..)  acaba convertida en un artefacte d’escenaris sumptuosos, visualment impecable, però incapaç de generar cap tipus d’empatia emocional ni interès en la història que ens està explicant. És la darrera confirmació de que la carrera i estil d’Anderson estan entrant en un perillós bucle del que necessita sortir urgentment.

Imma Merino, a la crònica per al diari El Punt Avui: No hi ha dubte que Wes Anderson (..) és un cineasta també rar, a la seva manera i en la mesura que ha creat un món propi amb una gran imaginació visual que exhibeix en decorats brillants. Al director (..) no li és aliena una fantasia fabuladora capaç de crear mons originals, sovint amb la complicitat del seu amic Roman Coppola com a guionista o inspirador d’arguments. Tanmateix, tot i que no deu ser per res que segueixi tenint fans incondicionals, n’hi ha que es pensen que Anderson es complau en el seu enginy visual, la seva originalitat i les seves ocurrències fins a arribar a crear un efecte de saturació. Una nova mostra d’això, a parer d’aquesta cronista, és “The Phoenician Scheme” / “L’esquema fenici”, presentada a concurs a la selecció oficial. (..) Potser vol dir alguna cosa sobre el món, però hi ha tanta broma amb poca gràcia i tant d’embolcall visual sense ser tan brillant com en films anteriors que tot pot semblar un miratge que amaga un no-res.

Joan Millaret Valls, a l’article per a cinemacatala.net: (..) una nova comèdia extravagant i marciana de la mà una altra vegada del seu guionista habitual, Roman Coppola. Una aventura desmesurada i estrafolària explicada com una historieta gràfica, amb escenes com vinyetes, amb enquadraments perfectes, debilitat per la planificació geomètrica, trames impossibles i absurdes i personatges caricaturescos.

Diego Batlle, a la crítica per a Otros Cines: Siempre es un placer encontrarse con una película de Wes Anderson, dueño de un estilo, una estética, una forma de pensar, sentir y hacer el cine auténticamente personal, decididamente autoral. Basta ver un solo plano para saber que estamos frente a una de las delirantes fábulas de este director exquisito, lúdico, siempre creativo y por momentos brillante / Sin embargo (me pasa a mi pero creo que también a muchos otros espectadores), hay algo que se ha ido perdiendo a medida que avanza la filmografía del director: algunos dirán que se perdió magia del cine, otros la empatía o la capacidad de emocionar. Uno puede admirar cada uno de esos encuadres, de esos planos (obras de arte), de esos milimétricamente calculados movimientos de cámara y en esa observación también hay disfrute, pero también se pueden ver por momentos como estructuras artificiosas, un poco huecas y desangeladas / “El esquema fenicio”, ambientada en los lugares más exóticos que puedan imaginarse en el año 1950, es en su esencia mucho más concentrada que las últimas películas de Wes Anderson. Es cierto que hay un desfile de estrellas en pequeños papeles o en simples cameos (..), pero el protagonista de casi todas las escenas es Anatole “Zsa-zsa” Korda (Benicio del Toro), un enigmático industrial y uno de los hombres más ricos de Europa (..) / (..) Zsa-zsa decide desheradar a sus hijos varones y nombrar como su única sucesora a Liesl (Mia Threapleton), su hija de 20 años a la que no ve desde hace mucho tiempo porque ella ha tomado los hábitos para ser monja de clausura / Esa relación padre-hija (los acompaña casi siempre el tutor de ella, un sueco llamado Bjorn interpretado por Michael Cera) será el corazón “emocional” (no, no hay demasiada emoción) de una comedia de enredos brillante en su forma (allí está para ayudarlo la armada francesa integrada por el fotógrafo Bruno Delbonnel y el músico Alexandre Desplat), disfrutable como pieza de diseño integral (ver las decenas de cameos es otro de los atractivos), pero apenas simpática en su resultado final.

Diego Lerer, a la crítica per a Micropsia: Más modesta en ambición y más concentrada –temáticamente y en cantidad de personajes relevantes– que otras películas suyas, THE PHOENICIAN SCHEME ofrece un ligero cambio a las más recientes películas panópticas de Wes Anderson para organizarse como un estudio relativamente complejo acerca del poder y del dinero. Es un film igualmente repleto de los ‘gadgets’ de Wes, solo que aquí parecen limitados en tamaño y variedad, más cercanos a la estética de sus recientes cortos y con un aspecto más digital que de costumbre. O eso parece / (..) Entre atentados, peleas, supuestas visitas al Paraíso (muchos de los actores que aparecen brevemente, incluyendo a [Bill] Murray en el rol de Dios, lo hacen ahí), más explosiones y el acostumbrado diálogo veloz y certero que practican todos sus actores, la nueva película de Wes retoma el eje de las complicadas relaciones entre padres e hijos que fueron especialmente importantes en los primeros films del realizador. Es una película más agresiva que otras suyas, con más escenas que podrían ser consideradas de acción –dentro de lo que es su matemático cine– y una que pone en discusión también el tema del poder, del dinero y su utilización / Entre escenas que recuerdan visual y temáticamente al cine de Powell y Pressburger, y actuaciones muy exactas de la desconocida Threapleton y de Cera, el circo de Wes Anderson alcanza algunos momentos más relevantes que los de sus últimas películas, un tanto menos ombliguistas. No serán suficientes para convencer a los que ya lo dan por terminado, en tanto que los fans lo seguirán siendo haga lo que haga, así que eso no cambia. Su cine sigue siendo insular y encerrado en sí mismo, pero al menos aquí se lo nota un tanto preocupado por el mundo. Tenga el nombre que tenga en su particular universo.

Gregory Coutaud, a la crítica per a Le Polyester: Est ce que les films de Wes Anderson, c’est vraiment toujours la même chose ? Oui et non, car derrière l’unité de style évidente et les castings récurrents, certains de ses derniers longs métrages possédaient des structures narratives alambiquées dont les zigzags (les récits dans les récits ou autres gimmicks méta dans “The French Dispatch” et “Asteroid City”) allaient justement à l’encontre de la prévisibilité qu’on lui reproche souvent, et pas toujours à tort. Et puis, quel serait exactement le problème s’il faisait toujours le même film? Après tout c’est une remarque que l’on peut faire en apparence à propos des œuvres de Rohmer ou d’Hong Sangsoo, mais ce que ces cinéastes explorent familièrement de film en film, c’est justement une imprévisibilité (celles des sentiments, de l’art, des liens humains). C’est sans doute davantage là que ça coince dans le cas d’Anderson. La répétition y est plus anxiogène car les films sont de plus en plus bâtis comme des dioramas fixes et rigides. Si Hong Sangsoo filme le quotidien et parvient à y faire jaillir des vertiges magiques, Anderson bâtit des aventures riches de potentiel extraordinaire mais les enferme dans des vitrines de plus en plus épaisses et glacées / “The Phoenician Scheme” n’est à aucun titre le film du renouvellement que l’on est désormais en mesure d’attendre de ce cinéaste particulièrement doué mais enfermé dans ses habitudes. Les interprètes n’ont plus rien d’autre à jouer qu’un extrême détachement pince-sans-rire, grimés d’une moustache ou d’un chapeau en guise de gags dont la malice désuète ne fait plus rire grand monde. Ceci concerne celles et ceux qui ont des vraies scènes, car certains interprètes célèbres sont ici réduits a des cameos muets et si brefs qu’on ne réalise leur présence qu’en lisant le générique de fin. Le peu de temps d’écran, de dialogue ou de vie qu’Anderson donne à ses comédiens apporte à son cinéma une dimension cruelle et même morbide qu’on serait à vrai dire bien curieux de voir davantage assumée comme telle et exploitée. Pourquoi morbide ? Parce que “The Phoenician Scheme” ressemble moins à la comédie d’aventures annoncée qu’à des tableaux composés à l’aide de poupées humaines empaillées. Un très joli sarcophage, un musée de cire / Ce n’est pas fatalement un défaut ou une faute, et surtout cela n’empêche pas le film d’être une nouvelle fois un plaisir pour les yeux qui vagabondent dans les moindres détails et recoins de l’image généreuse en couleurs et en style. Il n’y a pas un plan, même furtif, qui ne soit immanquablement identifiable comme « un plan à la Wes Anderson ». Cette beauté ne devrait ni être prise pour acquise ni oubliée, mais il est vrai que toutes ces compositions millimétrées faites avec un soin fétichiste de collectionneur de papillons participent justement à l’impression générale de voir par moments une œuvre si peu surprenante ou touchante qu’elle semble sortie d’une intelligence artificielle.

Gian Luca Pisacane, a la ressenya per a Cinematografo: Al centro del cinema di Wes Anderson c’è la simmetria. Ogni inquadratura è perfettamente scomponibile in parti uguali o complementari. L’esempio lampante è stata l’installazione che ha creato alla Fondazione Prada, il Bar Luce. Ha dichiarato di averla ideata in maniera opposta a come delinea i suoi set, ma in realtà i punti cardine ci sono tutti: l’equilibrio degli elementi, le sfumature, le colonne che indicano dove guardare. Gli angoli si smussano e diventano curve. Nell’Anderson-pensiero i dettagli si moltiplicano, sono bilanciati. I colori pastello proiettano in un mondo retrò, in un turbinio che richiama gli anni Cinquanta e Sessanta. Ha creato un immaginario personale, sovraccarico, che abbraccia i cinefili di ogni latitudine / Ormai si dice che faccia sempre lo stesso film, che dopo “Grand Budapest Hotel” non ci sia più nulla da inventare. Ma qualcosa sta cambiando. I toni si stanno facendo agrodolci, più cupi. Dall’armonia si passa alla frammentazione, le favole non sono così incantate. “Asteroid City” si focalizzava su una comunità in mezzo al deserto, dove le sfide erano il lutto, l’isolamento e infine un’invasione aliena, ammiccando anche alla pandemia / Ora in “La trama fenicia” (..)  si affronta il tema dell’aldilà e l’anima del progetto si fa in parte testamentaria. La religione è molto presente attraverso il personaggio di una giovane che sta per prendere i voti. Il suo nome è Liesl. Suo padre è il protagonista: Zsa-zsa Korda, un uomo d’affari che piega la legge al suo volere. (..) La fede si scontra con gli interessi economici. Chi vincerà? Non saremo noi a svelarlo / Ma ciò che colpisce è la rappresentazione ultraterrena realizzata da Anderson. L’ispirazione è alle icone, alle immagini sacre. Zsa-zsa Korda ha delle visioni: le immagini vengono desaturate, il protagonista viene processato per ciò che ha fatto in vita, incontrando anche Dio in persona. Anderson è più riflessivo del solito. Non muta la sua poetica: lo spirito è leggero, il ritmo è sincopato, ammiccando al surreale. Ma qui è come se facesse un passo in più, aggiornando un tema a lui caro: quello di trovare il proprio posto nel mondo. In “Moonrise Kingdom – Una fuga d’amore” due ragazzi scappavano proprio per essere padroni del loro destino. Ed è così per la maggior parte dei suoi personaggi / Qual è quindi il senso dell’esistenza secondo Anderson? La risposta è in continuo movimento. Adesso è come se stesse alzando gli occhi verso l’alto, ma senza tradirsi. Il montaggio è sempre accelerato, i dialoghi si sovrappongono, le cromature si moltiplicano. Ma è come se il sogno si stesse incrinando. Anderson si sta facendo più maturo / In ‘L’occhio del regista’ curato da Laurent Tirard, nell’intervista a Takeshi Kitano, si legge: “Il cinema è un fatto molto personale. Quando realizzo un film è soprattutto, e prima di tutto, per me stesso. È come una meravigliosa scatola di giocattoli con la quale gioco. Una scatola di giocattoli molto costosa, certo, e qualche volta mi vergogno di divertirmi tanto. Arriva il momento, però, in cui il film è ormai finito, e non ti appartiene più”. Noi non sappiamo quanto Anderson pensi al suo pubblico quando gira. Ma il principio della “scatola di giocattoli” lo potremmo applicare anche a lui. Di sicuro si diverte, infonde entusiasmo, anche se i detrattori spesso sostengono che la forma utilizzata porti a una mancanza di empatia. Ma è come se fosse arrivato il momento in cui “il film non gli appartiene più”. Il suo cinema sta facendo un percorso, sta diventando altro, si misura con il trascendente. E forse esorcizza le sue paure portate dallo scorrere delle primavere. Resta coerente, ma si aggiorna. L’incanto si fa disincanto / “La trama fenicia” si inserisce in questa nuova corrente che insegue un’utopia: l’obiettivo di Zsa-zsa Korda è dar vita a un’opera mai realizzata. Proprio come in “Megalopolis” di Francis Ford Coppola (costruire la città perfetta) e “The Brutalist” di Brady Corbet (innalzare una struttura all’avanguardia, attraverso i decenni). Si lavora sul livello del sogno, questa volta in modo più accorato. C’è l’azione, l’adrenalina, il magnetismo famigliare che avvicina i padri ai figli / Anderson è quindi uguale, ma diverso. Non inventa nulla, mantiene una poetica che lo definisce (e che in molti cercano di copiare senza successo), ma cambia marcia. Forse per i prossimi film il nostro pianeta non sarà più sufficiente, e Anderson dovrà spostarsi altrove. Noi restiamo in attesa, consapevoli che il percorso è segnato, ma che il domani regalerà di sicuro qualche sorpresa.

Peter Bradshaw, a la crítica per a The Guardian, li posa 3 estrelles sobre 5 i en diu: Wes Anderson has contrived another of his elegant, eccentric, rectilinear comedies; as ever, he is vulnerable to the charge of making films that stylistically resemble all his others, and yet no more, surely, than all those other directors making conventional films that resemble all the rest of their own conventional work / “The Phoenician Scheme” is enjoyable and executed with Anderson’s usual tremendous despatch, but it is somehow less visually detailed and inspired than some of his earlier work; there is less screwball sympathy for the characters, and it is disconcerting to see actors of the calibre of Tom Hanks, Willem Dafoe and Scarlett Johansson phoning in tiny, deadpan, almost immobile cameos. But there is a likeable lead turn from Mia Threapleton, an eerie visual and aural echo of her mother, Kate Winslet / (..) It rattles amiably along in that savant-child style that Anderson has made his own, but is in danger of becoming a mannerism. It is always entertaining, and delivered with the usual conviction and force but with less of the romantic extravagance than we’ve seen before, less of the childlike loneliness that has been detectable in his greatest movies.

Sandra Onana, a la ressenya per a Libération: (..) Comme dans “Asteroid City” (2023), la manière andersonienne, son souci stylisé de l’infiniment rikiki, se confronte à des enjeux scénaristiques étirés à des dimensions XXL. Après l’invasion extraterrestre et le vertige cosmique, une intrigue assommante de gros sous globalisée, où quelques boîtes de chaussures renferment un plan à même de faire et défaire les équilibres mondiaux. Il y a un agent infiltré et des crashs d’avion sur fond de géopolitique potache, des vedettes jouent aux andouilles dans un cartoon d’espionnage. Chaque rôle semble avoir été écrit au pif pour trouver un usage à ce que les accessoiristes piochaient dans leur malle à costumes, du béret de marin au canotier en osier – de vrais chefs-d’œuvre de la peinture, dont un Renoir, ont par ailleurs été prêtés par des musées pour décorer le plateau(..).

Més ressons de la projecció del film: Carlos F. Heredero, la crònica per a Caimán | Davide Abbatescianni, crítica per a Cineuropa | Peter Debruge, la ressenya per a Variety | Pete Hammond, la ressenya per a Deadline |

FOTO: “O Agente Secreto” (© VictorJuca – Ad Vitam).

De Kleber MENDONÇA FILHO, “O Agente Secreto” / “The Secret Agent” / “L’agent secret”.

Producció: Brasil, França, Alemanya, Països Baixos. Any: 2025. Durada: 2h38.

Sinopsi: 1977. En un Brasil turmentat per la dictadura militar, en Marcelo, un home d’uns quaranta anys que fuig d’un passat problemàtic, arriba a la ciutat de Recife on espera construir una nova vida i retrobar-se amb la seva família. Això sense tenir en compte les amenaces de mort que s’amaguen i planen sobre el seu cap.

Amb: Wagner Moura (Marcelo), Maria Fernanda Cândido (Elza), Gabriel Leone (Bobbi), Carlos Francisco (Seu Alexandre), Alice Carvalho (Fatima), Udo Kier (Hans).

A Canes: Festival de Canes 2025 – Competició | En aquest blog, més informació: Competició.

Ressons de la projecció del film:

Paco Vilallonga, a la crònica per a Diari de Girona: “O agente secreto”, la pel·lícula brasilera de Kleber Mendonça Filho, ha estat una de les sorpreses fins ara de la competició. En les taules de puntuacions de la crítica que publiquen revistes especialitzades com ‘Screen’ o ‘Le film français’ ja apareix com la més ben puntuada de totes les pel·lícules projectades fins ara, una mica per sobre de “Sirat” d’Oliver Laxe. Mendonça Filho situa la trama al Brasil dels anys 70, en plena dictadura militar. És el mateix moment que va tractar Walter Salles a “Aún estoy aquí”, el film brasiler que va guanyar l’Oscar a millor pel·lícula internacional. Però aquí la perspectiva és molt diferent perquè l’acostament es fa des del thriller i el cinema d’espies i sense la càrrega emocional que tenia el film de Salles. Interpretada per un gran Wagner Moura -el protagonista de la sèrie “Narcos”- demostra el bon moment que viu el cinema brasiler, connectant amb el públic actual tot fent uns exercicis de memòria històrica modèlics.

Xavi Serra, a la crònica per al diari Ara: (..) està protagonitzada per un enginyer que s’oculta en una mena de programa privat de protecció per a perseguits pels poders fàctics d’un estat autoritari i corrupte. La pel·lícula juga una mica a fet i amagar amb l’espectador, movent-se entre el ‘thriller’, el drama d’època i l’exercici de memòria històrica amb canvis de rumb inesperats i deixant buits importants del relat perquè l’espectador els acabi d’omplir. Mendonça Filho sembla més interessat en capturar l’estat d’ansietat i paranoia dels nàufrags d’una societat fallida que en estirar els fils argumentals que oferia la història, una decisió qüestionable, però que fa d’”O agente secreto” un film realment singular.

Nando Salvà, a la crònica per al diari El Periódico: (..) és la pel·lícula més monumental de les que ha dirigit fins ara el brasiler Kleber Mendonça i, de fet, funciona com a recopilatori d’elements presents en el seu cine previ (..) / Es tracta d’un thriller polític inconfusiblement negre, menys interessat a construir un misteri que a exsudar fatalisme, i decidit a regalar-se a l’espectador a través d’una successió de filigranes estilístiques que inclouen escombratges de càmera, pantalles partides i una escena que rendeix homenatge al cine exploitation mostrant una cama humana que sembra el caos en un parc on es practica un cruising desenfrenat. Mendoça tendeix a allargar les escenes més del necessari i, com a resultat, el ritme de la pel·lícula és més lent del que potser hauria de ser, però això no li impedeix mostrar una contagiosa energia anàrquica mentre captura la podridura de la dictadura i contagia un profund amor pel Brasil, la seva història i els seus costums, i també pel cine en si.

Imma Merino, a la crònica per al diari El Punt Avui: (..) Una altra cosa, a considerar seriosament tot i la seva irregularitat i a vegades certa confusió, és “O agente secreto”, film de Kleber Mendonça Filho que, fent-hi present la seva estima per les sales de cinema, aborda la corrupció i la persecució en temps de la dictadura brasilera.

Joan Millaret Valls, a l’article per a cinemacatala.net: (..) Un film que parla de repressió, opressió, escamots de la mort i moviments clandestins que es beneficia notablement d’una mirada d’estranyesa gràcies a la presència d’elements fantàstics, inquietants o anòmals. Estem parlant d’una cama humana en el ventre d’un tauró, malsons o visions, el gat amb tres ulls, l’influx del film de terror de possessions ‘La profecía’ (1976, Richard Donner) o el tractament gore d’alguns assassinats. El film arrenca molt bé amb una brillant seqüència inicial d’un moribund abandonat en una benzinera i el registre indiscriminat a que és sotmès el protagonista, però al final tampoc es pot desempallar massa dels codis que el vinclen amb el cinema d’època i històric.

Carlos F. Heredero, a la crònica per a Caimán: Recife (Brasil), año 1977. Allí sitúa Kleber Mendonça Filho este’ thriller’ de coherentes modales, formato y cromatismo setenteros (incluido el scope anamórfico) que radiografía el estado de corrupción, venalidad y violencia en el que vive el país bajo la dictadura militar que en aquel momento encabeza el general Ernesto Geisel, hacia cuyo retrato –colgado en los despachos de instancias oficiales– se acerca en varias ocasiones la cámara del cineasta. Su protagonista es Marcelo (de verdadero nombre, Armando), un funcionario en busca de su hijo (criado hasta entonces por sus abuelos), pero atrapado en una red de intereses bajo cuyo entramado aparece una poderosa empresa cuyo nombre resuena, no por azar, con el de la poderosa Petrobras, de la que había sido presidente el propio Geisel. Perseguido por los sicarios de esa compañía, alojado en un edificio-refugio para perseguidos por la dictadura (regido por una memorable anciana que dice haber sido antes “primero comunista y luego anarquista, o al revés”, porque no lo recuerda exactamente), de imprecisa definición ideológica y oculto bajo una falsa identidad, el protagonista atraviesa este largo relato (158 minutos) al compás de una narración vibrante capaz de mezclar los ecos de “Tiburón”, John Carpenter, Brian de Palma y Mario Bava, junto con una vívida y diversa representación del Brasil de la época, en todas sus manifestaciones (el carnaval, las cloacas policiales, los crímenes empresariales, los disidentes, la población LGTBI, los comercios y la vitalidad callejera, un parque público de ‘cruising’, la proyección de “Tiburón” y de “La profecía” en los cines) con un pulso admirable y con una capacidad para integrar diferentes registros más que notable / Inmersión vitalista y colorista en un país caótico en el que los perseguidos por las mafias estatales se agrupan en refugios solidarios y en el que, andando el tiempo, las fichas y los registros de lo sucedido comienzan a ser materia de estudio por los jóvenes de nuestra época (..). Una notable realización de un cineasta cinéfilo que había sido antes crítico de cine y que sabe ‘reutilizar’ las bien visibles referencias fílmicas de las que se alimenta para componer, a partir de ellas, una obra con poderosa originalidad y a la que su puesta en escena consigue dar una densidad propia.

Àngel Quintana, al seu compte de Facebook, en què avança la crònica per a Caimán: En la primera escena de “El agente secreto” de Kléber Mendoça Filho un hombre yace muerto y cubierto por unos sacos de periódico en una gasolinera de Recife. Son las fiestas de Carnaval del año 1977y la policía no ha tenido tiempo para retirar el cadáver. Durante la celebración hay muchos muertos y en un cine de la ciudad —-uno de los locales evocados por Mendoça en su película anterior “Retratos fantasmas”- se proyecta “Tiburón”. Los periódicos hablan de que ha sido hallada la pata de un hombre devorado por un cetáceo y esa misma pata acabará paseándose sola por la ciudad imponiendo su poder. Todo el pasado tiene algo de pesadilla, de recuerdo borroso y kitsh. En el presente, el viejo cine no existe y ha sido substituido por un banco de sangre. Con pocos elementos, Kléber Mendoça nos da algunas claves de un curioso thriller político de denuncia, que revisita el pasado a partir de diversas capas y desde un imaginario en el que introduce numerosos elementos de la cultura popular, sobre todo del cine de terror de serie B. / “El agente secreto” es, como lo fueron previamente “Aquarius” o “Bucarau”, una parábola de las heridas de su país construido como un retrato de fantasmas. Marcelo -excelente Wagner Moura- , es alguien que huye de un pasado y al mismo tiempo quiere investigar las huellas de otro pasado anterior que atañe a su propia familia. A medida que huye o investigue aparecen una serie de personajes desaparecidos de los que se han querido borrar las huellas.(..) Los fantasmas del pasado se van instalando como si estuviéramos en una película de serie B que dialoga con los programas dobles que se proyectan en el cine de la ciudad. (..) Kléber Mendoça habla del pasado de su país para entender las heridas que subyacen en el presente, evoca las heridas para construir un relato sobre la sangre de la propia historia. El cine de Kléber Mendoça puede parecer disperso, irregular, amante del mal gusto. El cineasta se sitúa muy lejos del academicismo de “Aún estoy aquí” de Walter Salles, para construir un relato en tensión en el que, tras la pulsión de muerte de la historia, siempre acaba fluyendo la fuerza de la vida.

Diego Batlle, a la crítica per a Otros Cines: (..) a Marcelo lo persiguen unos “pesados” contratados para asesinarlo y su único refugio será una red de contraespionaje de la resistencia que supuestamente lo ayudará a salir del país junto al chico con pasaportes falsos (figura en una lista de quienes tienen prohibida la salida del país) / (..) En las más de dos horas y media de “O Agente Secreto” pasan muchas (¿demasiadas?) cosas: hay un presente que transcurre en el ominoso Brasil de 1977, pero habrá también flashbacks hacia un pasado no menos tenebroso (allí conoceremos a quien fue su pareja y madre de su hijo) y flashforwards que llegan hasta la actualidad, donde unas jóvenes estudiantes investigan esos oscuros y poco conocidos hechos de la dictadura militar (hay algunas conexiones con la oscarizada “Aún estoy aquí”, de Walter Salles, en ciertas búsquedas) / (..) Y, si bien hay algo de terror en el asunto (veremos muchos cuerpos desmembrados), la película remite más al espíritu de los thrillers políticos y psicológicos setentistas, con sus climas enrarecidos y su tono paranoico, y algo de cine clase B y del primer Brian De Palma / (..) Más que las escenas de acción (que las hay), a Kleber Mendonça Filho le interesan los efectos psicológicos, la dinámica social, las negaciones de muchos y las formas de resistencia de unos pocos en tiempos tenebrosos en los que el poder estaba en manos de los militares (la dictadura se extendió entre 1964 y 1984 y la gestión del general Ernesto Geisel fue entre 1974 y 1979), pero con el apoyo, la connivencia y el aprovechamiento por parte de distintos sectores políticos y empresarios / Puede que la película se resienta un poco por la multitud de capas, por su estructura caleidoscópica y espiralizada, pero pocos cineastas son capaces hoy de transportarnos a una época, un lugar y unas historias que generan fascinación (tanto desde la empatía humana como por la degradación social). Así, pendulando, cabalgando entre el cine de género(s), el ensayo político y el drama familiar, Kleber Mendonça Filho se consolida como uno de los directores brasileños (y no solo brasileños) más importantes de los últimos años.

Diego Lerer, a la crítica per a Micropsia: (..) es un ambicioso desafío del que Kleber Mendonça Filho sale más que airoso, creando un fresco de la época (mediados de los años ’70) en un país en el que se vivía, por debajo de una aparente bonhomía, en un estado de permanente simulación y terror / (..) Durante la primera de las tres partes en las que el film se divide, el director de BACURAU presenta más de una docena de personajes y situaciones que, de entrada, es complicado de relacionar (..) / (..)  Con algo de relato de espías a lo John le Carré, un ‘touch’ de los thrillers políticos de Costa-Gavras (o el Melville de EL EJERCITO EN LAS SOMBRAS) pero con escenas de acción y violencia que beben más del cine de terror (los disparos más que agujeros de bala destrozan a la gente en pedazos en plan John Carpenter), Mendonça Filho va hilando un retrato de la vida en Brasil –más específicamente en la Recife que conoce tan bien y filma espectacularmente– en tiempos de sospechas y suspicacias. Cuando unos mafiosos conectados políticamente ponen un precio en la cabeza de ‘Marcelo’, O AGENTE SECRETO se transforma en un film de gangsters y de acción puro y duro / Una película con espíritu abarcador, un retrato de época –por un buen rato no queda claro quién está haciendo qué ni cuál es su objetivo– en el que se tratan de integrar momentos de la vida cotidiana y (quizás demasiados) personajes secundarios y subtramas, EL AGENTE SECRETO pone la lupa en las etapas más complicadas y difíciles de nuestros países, pero no tanto desde la perspectiva del drama político clásico –que está, pero en segundo plano– sino contándolo con los recursos y los excesos de los géneros populares: pantallas partidas, gore, secuencias musicales y hasta una «pierna asesina» que persigue a jóvenes díscolos para matarlos /  A la vez, como su anterior RETRATOS DE FANTASMAS, la película es también homenaje al cine que amó (y mamó) de pequeño y a las grandes salas de Recife en las que las vio. El hijo de ‘Marcelo’ bien podría ser Kleber, que era un niño pequeño en esa época, recorriendo los cines de su ciudad fascinado –viendo a la gente morir de miedo con LA PROFECIA o tener pesadillas de por vida por culpa de TIBURON— y, al salir a la calle, dándose cuenta que ese horror cotidiano que se vive subterráneamente en algún momento será también una película. La suya.

Olivier Lamm, a la ressenya per a Libération: Virtuose, le thriller de Kleber Mendonça Filho sur un universitaire poursuivi par la dictature brésilienne dans les années 70 est très politique, brutal et joyeux / (..) Hormis quelques «flashforwards», “l’Agent secret” se déroule en 1977, alors que ‘Marcelo’ revient à Recife en espérant récupérer son fils et des papiers pour quitter le pays. Les choses, et le film, ne se dérouleront pas comme prévu ni comme annoncés par le titre, le fantasme qu’il suscite et l’incroyable scène d’ouverture – avec sa station-service, son cadavre en décomposition, son contrôle de police et son fabuleux suspense. C’est certes un ‘fucking’ thriller politique innervé de tension dont Marcelo est le héros et la proie au même titre que les autres dissidents recueillis par la vieille militante Dona Sebastiana. Mais son ton, explicité par les incursions de Flavia l’archiviste dans le Brésil contemporain, est presque aussi doux et mélancolique que celui d’”Aquarius” (2016), dont l’héroïne se tenait comme un totem entre le Brésil idéalisé du passé et celui déliquescent et barbare du présent / Extraordinaire projet que l’entreprise ouvertement nostalgique de cet “Agent secret”, Kleber Mendonça Filho évoquant pour justifier le choix de l’année qu’il fait ressurgir à l’écran sa découverte du cinéma tout en nous contant le pire de ce qui pouvait survenir à un citoyen brésilien sous la junte, la dépossession de tout, l’assassinat des proches, le danger de mort permanent. Et le film, infiniment dur et joyeux à l’image de ce carnaval qui lui sert de décor – dont on apprendra à la faveur d’une coupure de journal qu’il provoqua la mort de 90 personnes –, ne se contente pas de tout contenir, mais lie et imbrique les éléments des plus sordides aux plus enchanteurs, le cinéma et la mort, l’amitié et la déshumanisation, une déflagration de violence accompagnée par un air de proto-samba / (..) “L’Agent secret” assume bien sûr sa part de fiction et son ambition de grande fresque historique mais il apparaît ostensiblement, au moment de faire basculer le récit vers la tragédie – qui survient hors-champ non seulement de l’image, mais à cinquante ans de distance – que Mendonça Filho entendait parler avec son film de la mémoire et du sujet urgemment politique de ce que l’on choisit d’en faire. Se souvenir, c’est toujours un peu entrer en dissidence contre ceux qui veulent nous imposer leurs récits ou détourner les faits de l’histoire, semble nous dire le Brésilien, qui a ébauché le scénario de “l’Agent secret” en France en attendant que Bolsonaro, nostalgique proclamé de la junte, soit mis dehors par ses concitoyens / “L’Agent secret” est une fiction mais aussi un film-souvenir en hommage à ceux qui ont contribué à faire que la mémoire d’un jeune garçon né en 1968 à Recife, futur cinéaste, ne soit pas seulement peuplée cinq décennies plus tard de visions de cadavres pourrissant sur le sol et de cauchemars. Parmi les célébrités présentes dans le diaporama du générique, on a reconnu Caetano Veloso et Maria Bethânia.

Fabien Lemercier, a la crítica per a Cineuropa: (..) With his new film, the remarkable and fascinating “The Secret Agent”, (..) Kleber Mendonça Filho has engaged in a high-flying cinematic conversation against forgetting with the cruel past of his country in the 1970s. The Brazilian filmmaker has transformed this step backwards into memories to be handled with care into a prototypical work, brilliantly slotting together different narrative layers and playing with genre cinema codes to find the best distance from his subject. This seemingly complicated architecture, rich in back and forths around a great number of secondary characters, progressively delivers all its secrets and messages in a fabulous whirlwind embodied by terrifically enjoyable archetypes (including some “bad guys”), even if tragedy lurks / (..) the filmmaker’s approach advances his plot in three chapters (‘The little boy’s nightmare’, ‘The Identification Institute’ and ‘Blood transfusion’) and on several fronts (under water, like a secret agent) until he brings them together. In the centre of the adventure is Marcelo (Wagner Moura), who we will later learn is really called Armando (..) / (..) An expert when it comes to cryptically preparing his playing field, the Brazilian filmmaker makes his unique voice resonate by masterfully amalgamating all the voices of his chorus of characters. Hiding emotion for a long time under a formal mask of entertainment and homage to the heritage of the 7th art, the film reveals itself to be a choice piece in the museum to the murderous memory of Brazil.

Federico Pontiggia, a la ressenya per a Cinematografo: (..) onesto e degno / (..) un thriller eminentemente e non banalmente politico, che il regista di “Retratos Fantasmas” (2023), il documentario sul cinema nella sua Recife, del ‘generico’ Bacurau (2019) e dell’eccellente “Aquarius” (2016) declina nella memoria del Paese, con un agente sotto copertura operativa e al di sopra di ogni sospetto morale, spia scoperta della repressione del Sistema e, di converso, della resistenza umana. Di “Bacurau”, appunto, c’è l’incursione di genere, ovvero una gamba amputata che si vendica, di “Aquarius” la profondità esistenziale, giocate nel Brasile del regime dei Gorillas: Marcelo cerca di sfuggire al suo misterioso retaggio, lascia San Paolo per Recife, ma la pace – durante un Carnevale che fa 91 morti – è possibile, l’inteso rifugio è agibile? / Kleber Mendonça Filho ha cercato di “esplorare come gli individui operano all’interno di un sistema oppressivo, come resistono o si sottomettono”, ricreando l’atmosfera oppressiva di una dittatura per trasmettere l’angoscia dei personaggi agli spettatori: “Questo film ci immerge in un’epoca in cui i muri avevano orecchie e in cui ogni mossa poteva essere sospetta” – il lavoro sul sonoro è notevole, la sottrazione al verosimile, al fattuale sensibile e, appunto, inquietante / Non è un film perfetto: la cornice contemporanea in cui ritroviamo, per mezzo delle audiocassette esaminate da una ricercatrice, la vicenda di Marcelo è arbitraria, posticcia, deludente, e la narrazione, anche per l’iterazione cui si concede, è farraginosa, stracca a tratti, ma “O agente secreto” rinnova l’attenzione politica di Kleber Mendonça Filho per il proprio Paese, di cui sonda le dinamiche di potere e ausculta le diseguaglianze sociali con transfocate temporali e, sì, ideologiche / Dopo “Io sono ancora qui” di Walter Salles, Academy Award al miglior film internazionale quest’anno, il Brasile consegna a sé e al mondo un altro monito civile sulla dittatura militare.

Peter Debruge, a la ressenya per a Variety: Carnaval provides a convenient cover story for nearly 100 deaths and disappearances in “The Secret Agent,” Kleber Mendonça Filho’s robust sense-memory immersion into the sights, sounds and suffocating climate — both political and meteorological — the Brazilian director associates with 1977 Recife. It was a period of great “mischief,” per the super cinematic thriller’s opening titles, although that’s too light a word to describe the everyday corruption that permeates practically every aspect of this meaty 160-minute period piece. Mendonça remembers it well, demonstrating how even the worst of times can inspire a perverse sort of nostalgia / The 56-year-old director was just 8 years old at the time the the film takes place — roughly the same age as Fernando, the son of his main character, a man of multiple identities played by “Narcos” star Wagner Moura — and it seems safe to assume that the boy’s all-consuming desire to see “Tubarão” (the Portuguese title for “Jaws”) was inspired by the filmmaker’s own experience. Mendonça shows a remarkable ability not just to re-create but to transport us back to that time, with its oppressive heat and paranoia / Throughout the movie, the men go to work without shirts — their only way to cope with the temperature — but that’s nothing compared with the daily pressure put on citizens under the military dictatorship, whose grip endured for another eight years. Unlike Walter Salles’ recent “I’m Still Here,” this more genre-skewing project isn’t about political abductions — at least, not directly — as Moura’s Marcelo (not his real name) flees northern Brazil to reunite with his son /  (..) If it weren’t for the title, we might not realize we’re watching a suspense movie, and even then, that’s not really the vibe Mendonça is going for — despite stylistic choices that echo John Carpenter (Panavision lenses), Brian De Palma (split screen) and Martin Scorsese (pop-music needle drops). Like the filmmakers of France’s New Wave, Mendonça began his career as a reporter and critic, and that sensibility infuses every frame, striking an enticing balance between originality and homage / Here, we find him in Hitchcock mode, as a well-connected government official has taken a contract out on Marcelo, forcing him to seek refuge with an old woman in Recife, who’s harboring half a dozen or so others like himself. Together, they represent a makeshift resistance movement, composed mostly of “longhairs,” gays and outspoken women / The eponymous secret agent isn’t Marcelo (a university research scientist), but could be Elza (Maria Fernanda Cândido), a woman who arranged his alias as well as a job for him in Recife’s identification office. There, he’s free to scour the records for any document that might be linked to his late mother, the significance of which becomes clear in the film’s present-day coda (where clean-shaven Moura appears in a second role) / It’s rather shocking when Mendonça first cuts from 1977 to a pair of contemporary university students, whose job is to transcribe audio cassettes tied to Marcelo’s case — they’re also unconventional candidates for secret-agent status, invisibly sifting through clues to reveal the past. There’s not enough evidence in Marcelo’s file for them to make sense of what happened to this man, but that doesn’t stop Mendonça from giving us the full picture as a series of revelations, the way it might in a real investigation. But no authority is trying to right an injustice here; this informal inquest exists for our benefit alone / On his first day on the job, Marcelo observes the double standard at play in a system that protects the wealthy while keeping the working class in their place — the same dynamic by which someone like himself could be snuffed without recrimination. That’s just one of many tangential critiques the director lobs at Brazilian society in a movie that might have clocked in well under two hours without such digressions / (..) Stranger things to happen in Mendonça’s slippery and constantly surprising narrative / When the tabloids get wind that a human leg has been found in a shark’s stomach, the public goes wild. Decades before social media, the story becomes a viral sensation, motivating local theater owners to bring “Jaws” back to theaters while also inspiring outrageous reports of “the Hairy Leg” in the media. In a delicious, absolutely gonzo aside, Mendonça imagines these stories in the form of a shlocky exploitation movie in which a disembodied limb lurks in the bushes of a local park, jumping out and attacking the gay men cruising there — suggesting how such stories were planted by the regime to discourage unwanted behavior / (..) Mendonça crams the film with vivid time-capsule details: vintage American cars and vinyl records, token-hungry phone booths and old-school printing presses, obscenely tight shorts and sweltering heat / These elements all contribute to a powerful sense of place, which has been filtered through a cinephile’s lens. Mendonça shot the film digitally, using vintage camera equipment to achieve a high-contrast, anamorphic widescreen look consistent with that era. But there’s no mistaking a more modern sensibility as the director shifts the focus from political dissidents to a different set of heroes: queer runaways and women of color, who sit with Marcelo in the film’s best scene, sharing stories that were likely never recorded, honored here for the first time.

CANNES PREMIÈRE.

FOTO: “Magalhães” (Andergraun).

De Lav DÍAZ, “Magalhães” / “Magallanes” / “Magellan”.

Producció: Catalunya, Portugal, Filipines, França, Taiwan. Any: 2025. Durada: 2h36. Llengües: espanyol i portuguès.

Gènere: Drama històric. Nota sinòptica: En Magallanes és un capità que es rebel·la contra el poder del rei, perquè és humanista i creu en la justícia. Però quan finalment aconsegueixi el comandament de la flota de les espècies, amb la qual farà la primera circumnavegació de la Terra, què descobrirà sobre si mateix? Vídeo: Tast.

Amb: Gael García Bernal (Fernão de Magalhães), Dario Yazbek Bernal (Duarte Barbosa), Roger Alan Koza (Alfonso de Albuquerque), Amado Arjay Babon (Enrique),

Informació: A la producció, Andergraun Films (Montse Triola, Albert Serra).

A Canes: Festival de Canes 2025 – Cannes Première | En aquest blog, també: Una coproducció catalana sobre Magallanes, al Festival de Canes 2025 | I més informació: Cannes Première.

Ressons de la projecció del film:

Imma Merino, a la crònica pel diari El Punt Avui: (..) una altra coproducció amb la participació d’Andergraun Films [de Montse Triola i Albert Serra]. La pel·lícula, a propòsit del navegant i comerciant portuguès Fernão de Magalhães, que va arribar el 1521 a les després anomenades Filipines amb una expedició pagada per l’imperi espanyol, està signada per un cineasta rar, el filipí Lav Diaz, amb els seus plans de llarga durada (com ho són els seus films) i la seva mirada estranyament observacional. Tanmateix, s’hi detecta el treball en la fotografia i el muntatge de l’extraordinari Artur Tort, col·laborador fonamental de les obres d’Albert Serra des de fa més de deu anys / Gràcies a l’immens talent de Tort, a “Magalhães” no només hi ha belles imatges per ser justes, sinó també de molt cruentes, que volen donar compte de la violència exercida pels “colonitzadors” de l’època que van explorar el món que no coneixien amb el propòsit d’enriquir-se (com sempre) amb el pretext de convertir els nadius a la “veritable fe cristiana”. Encarnat per l’actor argentí Gael Garcia Bernal, Magalhães comença a fer-se present en el film com un jove que forma part d’una expedició portuguesa que arriba a Malacca (actualment a Malàisia) creant la sensació entre els nadius que aquells “homes blancs” responen a les seves pregàries als déus: aviat, havent-hi una massacre, s’adonaran que fora millor que les seves pregàries no haguessin sigut ateses. Retornant a Portugal, Magalhães té la idea que, per arribar a les illes cobejades per les seves espècies, podia haver-hi una nova ruta: és així que va descobrir el després anomenat “estret de Magalhães”, amb el qual, pel sud, es passa de l’oceà Atlàntic al Pacífic. La idea no va comprar-la el rei portuguès, però sí l’emperador Carles I. Potser els millors moments de la pel·lícula, una travessia de dues hores i mitja que (..) corresponen a un viatge interminable amb amotinaments, execucions, desesperació i angoixa en no divisar terra ferma. El film, que segueix lliurement la documentació històrica, mostra com, en arribar a l’illa de Mactan, es va reproduir allò que, suposadament, havia passat a Malacca: els “salvadors”, volent imposar el cristianisme i els seus interessos, van revelar-se com uns criminals contra els quals van rebel·lar-se els nadius esperonats per Lapu-Lapu, rei de Mactan, i Magalhães va morir en la batalla. Els colonitzadors, però, van tornar al lloc i d’altres que van anomenar les Filipines després que Juan Sebastián Elcano completés la “volta al món” que va encetar Magalhães amb la seva ambició i cobdícia compartida.

Xavi Serra, a la crònica per al diari Ara: (..) Té tot el sentit que sigui Diaz, cronista habitual de la història de Filipines, qui s’apropi a la figura de Magalhães, fins ara explicada des de la perspectiva europea. Amb el mexicà Gael García Bernal de protagonista, la pel·lícula s’obre i es tanca amb el panorama devastat que deixen dues batalles brutals a Kochi, a l’Índia portuguesa, i a l’illa de Cebu, on mor Magalhães, i les seves gestes són despullades d’èpica i emmarcades en la deriva militarista, expansionista i colonial de Portugal i Espanya al segle XVI. Els plans estàtics de composició virtuosa de Diaz donen forma, per tant, al dret del poble filipí a reescriure un episodi clau de la història de la humanitat com el veritable inici de la seva lluita per la llibertat i contra l’opressió occidental.

Àngel Quintana, al seu compte de Facebook, en què avança la crònica per a Caimán: En 1974, Robert Bresson decidió entrar en el ciclo de las leyendas artúricas para rodar, con los caballeros recubiertos de lanzas y armaduras, “Lancelot du Lac”. El cineasta convirtió el plano en un escondite en el que, con pocos elementos visuales y un gran trabajo de sonido, consiguió transformar la épica en detalle, en la base de una gran película. “Magallanes” de Lav Diaz parece seguir una parte de la estrategia llevada a cabo por Bresson, aunque por su contenido nos puede recordar ciertos trabajos de Manoel de Oliveira o de Paolo Rocha. Diaz construye un gran relato épico que arranca el momento en que Fernando de Magallanes y su tripulación llegan, a pesar de sus penurias, al estrecho de Malacca y consigue abrir un camino para la navegación hacia el sudeste asiático. La película sigue en el momento en que, desde Lisboa, el navegante plantea una nueva ruta para evitar la competencia de los barcos castellanos y turcos. La ruta requiere pactos, negociación con la monarquía española y la vivencia de una gran aventura épica que deja a la tripulación de la nave completamente exhausta. Diaz acaba su relato en el momento en que llegan a la costa del Pacífico, se encuentran con los indígenas, intentan establecer vias de comunicación y estallan las guerras por la conversión religiosa y la aceptación de los rituales y creencias. El relato que describe Lav Diaz posee una dimensión claramente épica pero partiendo de la idea de que los grandes hechos históricos se desarrollan desde la estricta cotidianidad. Diez busca sobretodo la fuerza de lo figurativo y se aparta de una cierta perspectiva narrativa elaborada en su cine, no tiene nada que ver con “Melancolia”, “Norte” o “The women who left”. No obstante, el incunfundible estilo del cineasta filipino se hace muy presente. La película está rodada en largos planos de conjunto con la cámara fija, con la ausencia de contraplanos y con escasos primeros planos. Lo que hace que “Magallanes” sea diferente y que se convierta en un verdadero lienzo pictórico reside en la belleza de sus imágenes, la fuerza de sus composiciones, el detallado trabajo con la luz, la recreación de un mundo con pocos elementos. El cineasta consigue una dimensión épica a partir de una construcción narrativa que rehúye la espectacularidad, pero que tiene momentos de gran fuerza sobretodo en su parte central en la descripción de la travesía marítima de Magallanes hasta las aguas del Pacífico. La fuerza especial que tiene “Magallanes” reside en el pacto llevado a cabo entre Lav Diaz con el director de fotografía Artur Tor, cuya empresa Andergraun films de Montse Triola y Albert Serra es coproductora de la película. Hay en cada una de las bellísimas composiciones que muestra la película una huella fílmica que acaba estableciendo un diálogo entre “Magallanes” y la dinámica emprendida en el cine. En la película plana la idea de cómo llegar a convertir la pantalla en un lienzo de formas en movimiento, de acciones reducidas a su esencialidad, de planos que buscan la precisión. Los personajes no son seres con psicología sino figuras que atraviesan el espectro. Lav Diaz trabaja con Gael Garcia Bernal en el rol de Magallanes, pero lo reduce en una fuerte presencia. “Magallanes” acaba encontrando una nueva via en el cine del gran cineasta filipino, que continúa siendo coherente con una obra hecha de películas rio que no rehúyen el debate político, ni la reflexión sobre las consecuencias de una lucha imposible. Magallanes adquiere en esta obra una aura especial, como si fuera una encarnación del Aguirre de Werner Herzog a la búsqueda de un espacio tras el que se esconde el mito del fin del mundo.

Diego Lerer, a la crítica per a Micropsia: Nos lo han enseñado en el colegio pero aún así es imposible imaginar el shock. Lo hemos estudiado, luego se han cuestionado esas nociones, pero no debe ser fácil transmitir el impacto que puede haber tenido, para algún habitante de los mal llamados «mundos nuevos», el ver llegar usualmente desde el mar a otros seres humanos, distintos en aspecto, lengua, medios, montados en grandes embarcaciones o cargando armas desconocidas. La única comparación actual que se me ocurre es la llegada de una nave extraterrestre. Y esa es la sensación que transmite MAGALLANES apenas empieza: la del shock, la incredulidad, los dioses respondiendo a una plegaria que quizás nunca debió haber sido hecha / Una mujer desnuda corre a los gritos la aldea de Malacca, en lo que hoy se conoce como Filipinas, al ver llegar lo que llama «hombres blancos». Su voz se multiplica y el pueblo se excita con la noticia. Ella lo anuncia, literalmente: «los Dioses han escuchado nuestras plegarias». Pero el plano siguiente –que aparece unos minutos después, no olvidar que esta es una película de Lav Díaz– muestra una masacre de locales a lo largo y ancho de esa aldea de pescadores. Han llegado esos extraños hombres de otras tierras y los han matado de a cientos / (..) La película de Lav Díaz combina los habituales tiempos observacionales del realizador filipino conocido por sus muy largos filmes (este, de 160 minutos, es breve en comparación a la mayoría, aunque se supone que hay una versión de nueve horas) con un relato algo más clásico y tradicional, siempre en sus términos, acerca de un hecho histórico clave. No esperen batallas masivas ni escenas de acción ni grandes desembarcos. Díaz quiere poner en escena, al menos en la etapa filipina del relato, otro tipo de choque e impacto: personal, cultural y religioso / Años después y ya convertido en un importante figura en Portugal –donde se casa, tiene hijos y se queda un largo tiempo–, liderará gracias al apoyo de la realeza española, su más famosa exploración, la que lo llevará a atravesar el estrecho que tendrá su nombre y que se extendió durante tres años. La idea de avanzada era llegar a las Islas Molucas (hoy Indonesia) cruzando a través de un pasaje al sur de América, en lo que hoy conocemos como Patagonia. Y si bien hoy es un hecho histórico, la primer circunvalación del mundo, en ese momento fue un riesgo que puso la sanidad de los expedicionarios al límite / La segunda parte del film estará dedicada a ese largo viaje y a las dificultades y conflictos internos que tuvieron en alta mar. Casi nada del contexto histórico se explica o detalla en la película, que intenta más bien meter al espectador en la experiencia, navegando hacia la locura y perdiendo la compostura con el paso del tiempo sin casi ver tierra firme. Enfrentamientos religiosos, condenas a muerte en un juicio por sodomía, motines, desesperación, angustia, la lenta pérdida de la cordura y la sanidad mental serán el centro de la actividad en esa etapa, que no detalla cada paso del recorrido sino que lo construye como una única y casi delirante experiencia / Y la tercera lo mostrará a Magallanes de vuelta en Filipinas, ya como líder y estableciendo una conquista más negociada y política con los locales, en la que todo terminará estallando por un conflicto religioso, ya que para el explorador era central la tarea de convertir a los locales al cristianismo, creando un nuevo tipo de tensión que se agregaba a los del control y el sojuzgamiento. Si bien Díaz retrata a Magallanes sin un cuestionamiento personal obvio –es un retrato más cinematográfico que psicológico–, es claro que el punto de vista del film está con los locales. Más allá de lo que el explorador y conquistador vea como nobles intenciones «educativas» –o, menos inocentemente, cumplir las órdenes reales–, los resultados de sus intentos de colonización quedan a la vista y continúan hasta hoy / MAGELLAN (así se lo conoce en inglés) es un retrato cinematográfico de esas expediciones, de esas experiencias, de esa locura. Si bien se anunció como un film más centrado en la relación de Magallanes con su esposa Beatriz, eso quedó relegado a un segundo plano en una película que, más allá de los modos apaciguados con los que filma Díaz, conserva una estructura relativamente tradicional, casi a modo de actos clásicos (..) / Ese viaje a la locura propio de tantos relatos, literarios y cinematográficos, ligados a las conquistas coloniales, usualmente de europeos adentrándose en territorios para ellos desconocidos, es el que la película captura a la perfección, tanto en las dos etapas filipinas como en el viaje en sí, siempre al borde del desmadre (..).

Més ressons de la projecció del film⇒ Sergio Sozzo, ressenya per a Cinematografo |

FOTO: “The Love That Remains” (©Hlynur Pálmason – Jour2fête).

De Hlynur PÁLMASON, “The Love That Remains” / “L’amour qu’il nous reste” / “Ástin sem eftir er”

Producció: Islàndia, França, Dinamarca, Suècia. Any: 2025. Durada: 1h49.

Sinopsi: La trajectòria íntima d’una família els pares de la qual se separen. Al llarg d’un any, entre la lleugeresa del moment i la profunditat dels sentiments, es teixeix un retrat agredolç de l’amor, interromput per fragments tendres, alegres, de vegades melancòlics. Una mirada sensible a la bellesa discreta de la vida quotidiana i al flux de records que es despleguen amb el ritme de les estacions. Vídeo: Tast.

Amb: Saga Garðarsdóttir (Anna), Sverrir Gudnason (Magnús), Ída Mekkín Hlynsdóttir (Ída), Þorgils Hlynsson (Þorgils), Grímur Hlynsson (Grímur).

A Canes: Festival de Canes 2025 – Cannes Première | En aquest blog, més informació: Cannes Première.

Ressons de la projecció del film:

Joan Millaret Valls, a l’article per a l’AMIC: Hlynur Pálmason ha participat fora de la competició a Cannes Première amb l’esplèndida ‘The Love That Remains’ / (..) ‘The Love That Remains’ és un preciós mosaic en la seva dimensió de retrat fragmentari fet a base de trossos de vida dels seus protagonistes, i puntuat per les estacions meteorològiques i el ritme natural. Una pel·lícula feta amb sensibilitat, humor, amor i tendresa, que compta amb paisatges canviants i, també, bons ingredients fantàstics. Una pel·lícula que s’obre amb una imatge prou eloqüent d’una casa, una llar, ara desballestada, a qui una grua arrenca la teulada. Al capdavall, una gratificant sorpresa en tota regla. El repartiment està conformat per Saga Gardarsdóttir, Ida Mekkin Hlynsdóttir – protagonista també a ‘Godland’ -, Grímur Hlynsson o Anders Mosling.

Diego Batlle, a la crítica per a Otros Cines: Tras la extraordinaria “Godland”, una de las revelaciones de Cannes 2022, este drama familiar con irrupciones de realismo mágico dejó -en la comparación- gusto a poco / (..) En otro contexto y con otros antecedentes, podríamos afirmar sin rubor que se trata de un interesante, valioso drama familiar en un contexto adverso, pero como película siguiente a “Godland” resulta claramente un paso atrás / Anna (Saga Garðarsdóttir), una artista visual que trabaja con metales corroídos, y Magnus, o Maggi como le dicen (Sverrir Gudnason), marinero en un buque pesquero de altamar, están separados. Ella está decidida a seguir adelante con el divorcio; él, en cambio, quiere una nueva oportunidad y aprovecha cada oportunidad para proponer algún tipo de acercamiento (incluso físico). Más allá de esas tensiones, de vez en cuando los dos se encuentran con sus tres hijos (todos hijos de Pálmason en la vida real) para alguna actividad o comida en la casa familiar ubicada en una zona rural tan bella como desolada y cercana al mar / Pálmason trabaja las contradicciones, los distintos estados de ánimo y proyectos de vida de ambos protagonistas con sensibilidad y recato, con inteligencia y profundidad, cuestionando sobre todo la inmadurez de él, típico exponente de la masculinidad en crisis, de ese lugar roto de macho proveedor y guardián del bienestar familiar. Por momentos, incluso, el personaje resulta demasiado torpe, al borde de lo pusilánime en la forma de elaborar la culpa y la pérdida, pero el director se cuida de no caer en una humillación constante / Los problemas principales de “The Love That Remains” pasan, por un lado, por cierta tendencia al regodeo preciosista con la naturaleza circundante (al borde del documental de NatGeo) y, por otro, en la irrupción de un par de largas escenas a puro simbolismo y realismo mágico que quitan más de lo que agregan. No es en absoluto una mala película, solo que esperábamos otra obra maestra de Pálmason y nos encontramos con “solo” una solo buena.

Àngel Quintana, al seu compte de Facebook, en què avança la crònica per a Caimán: Después del viaje místico llevado a cabo con “Godland”, Hylmúr Palmasson decide retratar la vida cotidiana de una familia separada. En los primeros momentos de la película vemos a una madre que se dedica a explorar el territorio del ‘land art’ y a vivir junto a sus hijos en una casa de campo. La familia cuida de las gallinas, juegan con el perro, recogen mirtilos, buscan setas. El padre trabaja en un barco pesquero y la madre trabaja patrones de acero oxidados con los que construye sus obras. Palmasson empieza trabajando con gran sensibilidad los pequeños detalles de una cotidianidad que va cambiando con el paso de los años. La película empieza a derivar hacia un relato sobre los conflictos familiares, sobre la difícil integración del padre. La ficción adquiere un cierto tono humorístico que va derivando hacia ciertas salidas absurdas. El padre mata un gallo y este aparece transformado en un gallo gigante. Un galerista sueco llega a la finca y expone a la madre una curiosa teoría sobre las virtudes de los vinos. Un tótem que han construido los niños en medio del campo se convierte en una trampa que acaba de herir un niño con una flecha. Todo va adquiriendo un tono más grueso y la poética de los pequeños detalles de la primera parte se va perdiendo, como si Palmasson quisiera moverse entre lo cotidiano y lo simbólico sin saber encontrar un tono preciso.

Peter Bradshaw, la crítica per a The Guardian, li posa 3 estrelles sobre 5 i en diu: Icelandic film-maker Hlynur Pálmason gave us the haunting historical drama “Godland” and the challenging and bizarre thriller “A White, White Day”; now he has changed things up with this startling, amusing, vaguely frustrating movie. “The Love That Remains” is a portrait of a fractured family and a sundered marriage which, with its dreamy piano score, fantasy visions and quirky sequences to go with the dead-serious scenes of purported emotional pain, introduces a slightly disconcerting but certainly intriguing new comic tone / Pálmason’s visual and compositional sense is as commanding as ever, with some stunning imagery of the Icelandic landscape. But it is flavoured with a new tone of persistent, playful unseriousness, which finally morphs into a tragicomic spectacle of male loneliness. In some places this film doesn’t have the weight and the impact of his earlier work, but it’s certainly engaging / Poor Magnus is always showing up, asking to see the the kids, hanging out with the family from whom he is now supposedly estranged; at one stage, they go on a swimming-trip-slash-picnic and Magnus is treated to an ecstatic upskirt vision of Anna as she stands over him. Is it actually happening? Or just in his raddled, lonely, horny imagination? But Anna is obviously very exasperated with Magnus and feels sorry for him, against her better judgment, allowing him to be with her and the children because so clearly he has no idea how to manage his post-separation existence, and it is taking a terrible toll. She is beginning to hate him  / Or is she? Hard emotional realities of this sort are always being softened and modified by quirky visual inventions. Magnus takes it upon himself to kill the wayward rooster that they keep on their land, because Anna had been complaining about its aggressive behaviour; it is a scene that speaks of Magnus’s own thwarted and diminished masculinity. It is followed by a dream sequence in which this rooster, enlarged to monstrous size and inspired by the scary movie on TV to which Magnus had fallen asleep, comes back to take his revenge. It’s quite funny – but perhaps not funny enough to be fully successful as a poignant moment / There are other dream moments. An obnoxious Swedish art dealer who patronises Anna and her work meets a terrible end. A sword lands Pythonesquely from the sky just next to the children’s sword-target which has a medieval helmet. Meanwhile, near Magnus’s trawler, an old second world war mine has appeared – another flourish of metaphorical danger. The effect is tender, sympathetic, diverting and often very elegant and indirect. But it withholds from us the full, real pain of damaged love

Més ressons de la projecció del film⇒ Jan Lumholdt, la crítica per a Cineuropa |

SESSIONS ESPECIALS.

FOTO: “Mama” (Intramovies)

D’ Or SINAI, “Mama“.

Producció: Israel, Polònia, Itàlia. Any: 2025. Durada: 1h31. Òpera prima.

Sinopsi: Després de molts anys treballant lluny de casa, la Mila es veu obligada a deixar temporalment la seva mansió costanera —i el seu amor secret— per tornar amb la seva família en un remot poble polonès. Però la tan esperada reunió queda lluny del que s’havia imaginat. A mesura que les tensions afloren, la Mila lluita per reparar el que va perdre, confrontant-se amb el cost de les seves decisions i la dona en què s’ha convertit.

Amb: Evgenia Dodina (Mila), Arkadiusz Jakubik, Katarzyna Łubik, Dominika Bednarczyk, Martin Ogbu.

A Canes: Festival de Canes 2025 – Sessions Especials | En aquest blog, més informació: Sessions Especials.

Ressons de la projecció del film:

Eulàlia Iglesias, la crònica per a Caimán: Mila (la actriz bielorusa-israeliana Evgenia Dodina), la madre del título del primer largometraje de Or Sinai, se nos presenta de forma poco ortodoxa: la conocemos mientras mantiene relaciones sexuales con un hombre más joven y racializado, con quien habla en un hebreo salpicado de anglicismos. Hasta que un ruido los interrumpe, y nos damos cuenta de que esta pareja forma parte del servicio doméstico de la casa donde también viven (al menos ella), y mantienen su vínculo en secreto. ¿Estamos ante una película sobre el privilegio ligado a cuestiones de clase y procedencia en Israel? ¿La película se centrará en este asunto mientras invisibiliza el genocidio que está teniendo lugar en Gaza? ¿Tiene sentido estar viendo una coproducción israelí en Cannes que no se centre en el tema en mayúsculas, por mucho que su directora se diera a conocer ganando el premio de la Cinéfondation en 2016? Mientras estos interrogantes empiezan a dibujarse en la mente, el film decide esquivarlos trasladando la acción dramática a otro país. Un pequeño accidente doméstico obliga a Mila a tomarse una baja y regresar a su casa, con su marido e hija, en Polonia, después de años trabajando a miles de kilómetros / Así, “Mama” se convierte en una película ambientada en Polonia pero de alcance universal sobre las dificultades para ejercer la maternidad que sufren las mujeres trabajadores migrantes lejos de su hogar. Porque el retorno de Mila pone en evidencia que su esposo y su hija han tomado una serie de decisiones respecto a su futuro sin tenerla a ella en cuenta, lo que abre una profunda fractura en una mujer que ha renunciado a una vida propia con el objetivo de asegurar económicamente el bienestar de los suyos. A partir de un embarazo no buscado, la película apunta también a las dificultades para abortar en Polonia. Pero es un asunto que queda como trama de fondo, porque “Mama” no se mueve (tanto) por los senderos del cine social, sino que funciona más bien como una sobria actualización del melodrama maternal clásico desde las coordenadas del capitalismo global. En películas como “Stella Dallas” las madres se veían a menudo condenadas a experimentar la maternidad desde la distancia como represalia por haber infringido los códigos morales imperantes. “Mama” recupera este patrón de la mujer obligada a ejercer de madre desde lejos para garantizar la felicidad de su hija, pero aquí los condicionantes no son morales sino sobre todo socioeconómicos (aunque la protagonista también desafía el sistema de valores hegemónico en su país). A pesar de la conexión con el melodrama clásico, Sinai evita el registro más extremo o sentimental del género para presentar un drama naturalista que se apoya sobre todo en la actuación de su actriz principal y evoluciona en sintonía con su personaje, con testarudez y resiliencia. Mientras concluye que en una vida lejos de los hijos no todo son sacrificios…

FORA DE COMPETICIÓ.

FOTO: “La Femme la plus riche du Monde” (Festival de Canes)

De Thierry KLIFA, “La Femme la plus riche du Monde” / “The Richest Woman In The World” / “La mujer más rica del mundo”.

Producció: França, Bèlgica. Any: 2025. Durada: 2h01.

Gènere: Comèdia dramàtica. Sinopsi: La Marianne, la dona més rica del món: la seva bellesa, la seva intel·ligència, el seu poder. En Pierre-Alain, un ‘dandy’, escriptor-fotògraf conegut pel ‘Tout Paris’: la seva ambició, la seva insolència, la seva bogeria. Es coneixen en una sessió de fotos i esdevenen inseparables: el llampec que se’ls enduu. La seva amistat romàntica sorprèn, diverteix, intriga, fa parlar i després acaba desconcertant l’entorn personal i professional de la multimilionària. La seva filla sobretot pateix aquesta complicitat sobtada entre la mare i aquest noi: una hereva sospitosa que lluita per ser estimada (la mare, que estima com probablement no l’ha estimada mai…).  Un majordom vigilant que sap més del que diu. Secrets familiars. Donacions astronòmiques. Una guerra on tot s’hi val.

Amb: Isabelle Huppert (Marianne Farrère), Marina Foïs (la filla), Laurent Lafitte (Pierre-Alain), Raphaël Personnaz, André Marcon, Mathieu Demy, Joseph Olivennes, Micha Lescot, Yannick Renier, Patrick Sobelman, Paul Gasnier, Paul Beaurepaire.

A Canes: Festival de Canes 2025 – Fora de Competició | En aquest blog, més informació: Fora de Competició i Mitjanit.

Ressons de la projecció del film:

Àngel Quintana, al seu compte de Facebook, en què avança la crònica per a Caimán: En 2010, Françoise Bettancour-Meyers, heredera de la gran fortuna de la firma L’Oreal reclamó a la justicia que se incapacitase legalmente a su madre -Lillianne Betancour- por considerar que ha sido víctima de una extorsión, que personas próximas de su entorno se habían aprovechado de su fortuna. En el centro de la polémica estaba la figura del fotógrafo y escritor François Marie Barnier que a partir de 1987 había empezado a moverse en el entorno de su madre, hasta convertirse en protagonista de un romance platónico- ya que Barnier era gay y tenia una joven pareja- que había dado mucho que hablar a la prensa del corazón. Lillianne Betancour dejó de tener una vida modesta junto a su marido, André Bettancour, un político gaullista con un oscuro pasado colaboracionista y antisemita. Lilliane empezó a aparecer en todo tipo de fiestas y acontecimientos acompañada siempre de su amor platónico, que fue heredando progresivamente una parte de su fortuna. El caso llenó páginas de las revistas del corazón y Netflix realizó una serie documental inspirada en las grabaciones realizadas por el mayordomo de la familia. Ahora, Thierry Klifa rueda una discreta película sobre el caso con la intención de convertirse en un hit en las pantallas francesas, reforzada por la siempre impecable presencia de Isabelle Huppert. En ningún caso se cita el nombre de Bettrancourt, ni tan solo de la marca L’Oreal, pero todos los hechos expuestos desde la ficción remiten al presente. Huppert ejerce como fría dama todopoderosa en un mundo de lujo y de excesos, mientras que Laurence Laffite interpreta un personaje que es todo exceso y cuyas verdaderas intenciones nunca acaban siendo claras.

Més ressons de la projecció del film⇒ Aurore Engelen, crítica per a Cineuropa |

CINEMA DE MITJANIT.

FOTO: “Exit 8” (©Story Inc., Aoi Pro. Inc – Goodfellas).

De Genki KAWAMURA, “Exit 8” / “8-ban deguchi” (“８番出口”)

Producció: Japó. Any: 2025. Durada: 1h35.

Nota sinòptica: Genki Kawamura torna amb una pel·lícula de terror laberíntica basada en el videojoc d’èxit mundial Exit 8. Sinopsi: Un home atrapat en un passadís de metro interminable i estèril sense fi vol trobar-ne la sortida 8. Les regles de la seva recerca són senzilles: no menystenir res que sigui estrany. Si descobreix una anomalia, ha de tornar enrere immediatament. Si no, ha de seguir. Aleshores haurà d’agafar la sortida 8. Però un sol descuit el tornarà al començament. Aconseguirà mai el seu objectiu i podrà escaparse d’aquest passadís infinit? Tràiler: VOSA.

Amb: Kazunari Ninomiya (l’home perdut), Yamato Kochi (l’home que camina), Nana Komatsu, Naru Asanuma, Kotone Hanase.

A Canes: Festival de Canes 2025 – Sessions de Mitjanit | En aquest blog, més informació: Fora de Competició i Mitjanit.

UN CERTAIN REGARD.

FOTO: “Pillion” (A24).

De Harry LIGHTON, “Pillion“.

Producció: Anglaterra, Irlanda. Any: 2025. Durada: 1h43. Òpera prima.

Nota: Un ‘pillion’ és un coixí o seient secundari darrere del seient principal o de la sella d’una motocicleta o ciclomotor. Es diu que un passatger en aquest seient “viatja com a passatger”. Nota sinòptica: Un home tímid queda bocabadat quan un motorista enigmàtic i increïblement guapo l’accepta com a submís.

Amb: Alexander Skarsgård (Ray), Harry Melling (Colin), Zamir Mesiti (Usher), Georgina Hellier (Reese), Brian Martin (Colton).

A Canes: Festival de Canes 2025 – Un Certain Regard | En aquest blog, més informació: Un Certain Regard.

Ressons de la projecció del film:

Didier Péron, la ressenya per a Libération: L’acteur Alexander Skarsgard (..) joue ici Ray, un biker gay qui embarque le timide Colin, garçon vivant toujours chez ses parents, dans une relation de domination / Manifestement inexpérimenté mais immédiatement fasciné par la personnalité et la carrure de Ray, Colin se laisse délicieusement entraîner dans un programme d’asservissement volontaire où il doit coucher sur le tapis au pied du lit de son maître, lui faire les courses, le ménage et être un objet sexuel dévoué et disponible. Ray lui rase le crâne et lui passe une chaîne cadenassée autour du cou, et refuse toute marque de sentiment / Adapté du roman ‘Box Hill’ d’Adam Mars-Jones, “Pillion” est le premier long métrage du jeune Harry Lighton, un pur produit de l’upper-class anglaise, notamment passé par Eton et il est quelque peu fascinant de voir les deux acteurs tenant le rôle du «couple», Skarsgard et Harry Melling (révélé par la franchise “Harry Potter” où il jouait Dudley Dursley), se lancer ainsi à corps perdu dans des scènes pas franchement faciles à aborder. Le film, en cela très anglais, se déroule non à Londres mais dans une petite ville quelconque et il y a une grande drôlerie à voir les parents et proches de Colin, très ouverts d’esprit et s’intéressant à ses rencontres, perdre leurs repères de voir le gentil garçon qu’ils croyaient connaître et comprendre devenir ce toutou aux ordres, l’œil et la truffe humide à l’ombre de l’homme alpha qui le dresse à n’avoir aucun affect, juste d’être efficace, ponctuel, silencieux / Sans du tout le théoriser ou le déconstruire, la dramaturgie et la drôlerie du film reposent sur le fait que l’excitation sexuelle et amoureuse est le résultat d’une dévalorisation consentie et d’une répartition des attributs et des tâches qui, à défaut d’être genrée, postule, pour fonctionner, une nette asymétrie entre les deux partenaires. Colin, soumis, passif, affecté au ménage, à la cuisine, endosse donc les valeurs conservatrices (réactionnaires en fait) de la femme au foyer, de la ‘tradwife’. Tout fantasme est un cliché. On peut se demander si le triomphe qui a accueilli le film à Cannes et le succès qu’on peut lui supposer à la sortie ne tient pas en partie à ce que la fiction BDSM autorise et valorise le caractère potentiellement inégalitaire et non problématique d’une relation, toute chose qui normalement serait exposée et aussitôt condamnée. Le rétrograde est rétabli dans son prestige torve par la transgression homo-sado-maso qui l’attrape, la retourne et l’encule à sec. Résultat : dix minutes de standing ovation et une possible Queer palm.

Peter Bradshaw, a la crítica per a The Guardian, li posa 4 estrelles sobre 5 i en diu: Here to prove there’s nothing gentle about true love is an intensely English story of romance, devotion and loss from first-time feature director Harry Lighton, who has created something funny and touching and alarming – like a cross between Alan Bennett and Tom of Finland with perhaps a tiny smidgen of what could be called a BDSM Wallace and Gromit. It’s basically what Fifty Shades of Grey should have been / (..) But when does sexual role-play become dysfunction? Or coercive control? What does Ray do for a livjng? Is Ray an abuser? (..) /  It is a real love story, and the movie amusingly and touchingly takes us through the final stages and out the other side, to where Colin has grown or at any rate changed as a person who has come to terms with what he is and what he wants, the way that Ray clearly did long ago (..).

Més ressons de la projecció del film⇒ Diego Batlle, crítica per a Otros Cines | Fabien Lemercier, la crítica per a Cineuropa | Peter Debruge, la ressenya per a Variety | Glenn Garner, a la ressenya per a Deadline |

FOTO: “My Father’s Shadow” (Festival de Canes).

D’Akinola DAVIES, “My Father’s Shadow“.

Producció: Nigèria, Anglaterra, Irlanda. Any: 2025. Durada: 1h34. Òpera prima.

Nota sinòptica: film semi-autobiogràfic que es desenvolupa en un sol dia a la capital nigeriana, Lagos, després de la crisi electoral de 1993. Sinopsi: En Remi i l’Akin són germans i petits. Poden passar un dia amb el seu desconegut pare, en Folarin. Junts, van de viatge a Lagos i prenen consciència de la magnitud colossal de la ciutat, així com de les lluites diàries del seu pare. Tot això passa durant la crisi electoral nigeriana de 1993 i el malestar polític els posa en perill el viatge de retorn a casa.

Amb: Sope Dirisu (Folarin), Godwin Egbo, Chibuike Marvellous Egbo, Efon Wini (Bola).

A Canes: Festival de Canes 2025 – Un Certain Regard | En aquest blog, més informació: Un Certain Regard.

Ressons de la projecció del film:

Peter Bradshaw, la crítica per a The Guardian li posa 4 estrelles sobre 5 i en diu: ‘Once upon a time in Lagos’ might be an alternative title for this fervent and vividly intense child’s-eye-view movie from first-time film-maker Akinola Davies Jr. It’s a transparently personal project and a coming-of-age film in its (traumatised) way, a moving account of how, just for one day, two young boys glimpse the real life and real history of their father who has been mostly absent for much of their lives – and how they come to love and understand him just at the moment when they come to see his flaws and his weaknesses / It is 1993 in Nigeria, a tense time with the country on the edge of disorder due to the imminent presidential election, the first since a military takeover 10 years previously. In a remote village far from Lagos, two young boys (played by bright-spark newcomers Godwin Chimerie Egbo and Chibiuke Marvellous Egbo) are awed at the sudden reappearance of their father, Fola, played by Sope Dirisu, who makes no explanation or apology for having been away for so long on business in Lagos, or for appearing now unannounced. He is a handsome, charismatic, commanding man to whom they make the instant obedient responses “Yes, daddy” and “No, daddy” / Their father demands to know what has happened to his watch and have the boys been touching his possessions in the parental bedroom? (We are to glimpse that watch in the film’s final moments.) And then he announces he must return to Lagos immediately, without waiting for their mother to return from shopping – and on a mysterious whim, says that the boys may on this occasion accompany him / What happens next is both an increasingly significant quest and bonding experience for father and sons as they struggle to get to the teeming capital on a bus with no petrol, and then by hitching a bumpy ride on a truck. Fola is on a desperate mission to reclaim four months’ worth of unpaid wages before what he clearly expects will be a complete breakdown of law and order connected with with this election / The boys watch with bewildered quiet as their dad greets men they have never seen before and who nickname Fola “kapo” or “boss” – and they are commanded to greet a quasi-uncle with much politeness – yet the exact person who can get Fola his money is never around. Fola is under pressure, subdued, suffering unexplained nosebleeds. Yet this frustrating delay gives the three of them a kind of breathing space to get to know each other. Fola points out the city’s handsome national theatre building where he says their mother used to spend all her time and money as a young woman. She was theatre-mad, they now discover. The kids had no idea. How could they? / Fola also points out polo ponies in the street, belonging to Nigeria’s wealthy classes. He takes them to a bar where he regales them with magical memories of falling in love with their mother – but also exchanges significant looks with a waitress. He takes them to the beach where he talks about the importance of providing for your family: that is what a man does, and it is what he himself has to do, with these unpaid wages, right now. And all the time, the boys are struck by the thousands of people and the thousands of faces which Davies shoots in looming closeup – especially the soldiers’ impassive, intimidating faces / What his older son says to Fola is that his mother explained Fola was absent from them, because he needed to earn money – because he loved them, in fact. And God himself was nowhere to be seen and God loved them. So is absence the same thing as love? It is an artless, heartbreakingly unanswered question which is to dominate the tone of this engrossing film. Is absence love? Will we all feel love for someone most intensely when they are overtaken by the ultimate absence of death? It is a rich, heartfelt and rewarding movie.

Olivier Lamm, a la ressenya per a Libération: pendent.

Més ressons de la projecció del film: David Katz, la crítica per a Cineuropa | Pete Hammond, la ressenya per a Deadline | Murtada Elfadl, la ressenya per a Variety |

QUINZENA DELS CINEASTES.

FOTO: “Kokuho” (font: X).

De LEE Sang-il, “Kokuho“.

Producció: Japó. Any: 2025. Durada: 2h54.

Sinopsi: Després de la mort del seu pare, el líder d’una banda yakuza, a en Kokuo l’acull el famós actor de kabuki, Hanjiro Hanai. Se’n converteix en deixeble juntament amb Shunsuke, l’únic fill de Hanjiro. Els dos nois han decidit dedicar la vida a l’art del Kabuki. Al llarg de cinquanta anys d’història, viuen la glòria i la caiguda, els escàndols i els triomfs, l’amistat i la traïció.

Amb: Ryô Yoshizaba (Kikuo Tachibana), Ryusei Yokohama (Shunsuke), Mitsuki Takahata (Harue Fukuda), Shinobu Terajima (Sachiko Ogaki).

A Canes: Quinzena dels Cineastes 2025 | En aquest blog, més informació: Quinzena-llargs.

Ressons de la projecció del film:

Diego Lerer, la crítica per a Micropsia: Un melodrama japonés ‘old school’, de la vieja guardia, con todos los condimentos esperables en este tipo de producciones, KOKUHO es una clásica y emocionalmente angustiante saga centrada en la vida de un joven que se convierte en una estrella del teatro kabuki. El film, que se extiende por casi tres horas, y abarca distintas etapas en la vida de Kikuo, su protagonista, va combinando esas escenas con representaciones de obras hechas en este estilo teatral tradicional que conectan y comunican temáticamente distintos aspectos de su vida y de quienes lo rodean / KOKUHO es una suerte de relato de una familia postiza, adoptiva, la que se forma cuando un adolescente con muchísimo talento para el rol de ‘onnagata’, que es el papel femenino que en el kabuki hacen también los hombres, es adoptado por una estrella en esa especialidad, que lo rescata cuando, en los años ’60, su familia es liquidada en una disputa mafiosa de la que su padre era parte. Ken Watanabe interpreta a Hanjiro Hanai, el veterano actor que le enseña al pequeño Kikuo los detalles en el arte del ‘onnagata’ hasta convertirlo en una estrella / El primer inconveniente que surge –y el que marcará de una u otra manera las tensiones a lo largo del film– pasa por el hecho de que Hanjiro tiene un hijo propio que también se especializa en ese arte pero no es tan talentoso como Kikuo. Y si bien las dos jóvenes se hacen amigos y hasta triunfan componiendo a un dúo, las rivalidades están siempre latentes. Y eso, con el correr de los años, se hace más fuerte, ya que a Hanai le llega la hora de retirarse y la de nombrar a un sucesor, otra costumbre muy tradicional y arraigada en un arte riguroso como el kabuki que está lleno de ellas / El film –basado en la novela de Shuichi Yoshida– es la crónica de esas relaciones y tensiones, y buena parte de sus tres horas se van en bellas performances de obras de teatro kabuki cuyas tramas –que la película sintetiza con breves textos introductorios– se van entremezclando temáticamente con lo que les va sucediendo a los personajes. Las piezas de kabuki no están escenificadas por fuera del relato sino que cada representación está ligada a alguna tensión, problema o situación –un estreno, una prueba, un regreso, un accidente, una enfermedad– que se desarrolla en la historia, jugando siempre en ese sentido a dos puntas / Estéticamente bella, desvergonzadamente sentimental, con muertes, enfermedades, traiciones, romances, engaños y todo lo que puede suceder en un buen melodrama, KOKUHO tiene momentos extraordinarios que sabrán apreciar en especial aquellos interesados en los rituales y formas de la cultura japonesa y la sacrificada belleza de su arte. Quizás la película peque de algún giro de más o de un carácter demasiado episódico –la trama cubre medio siglo, de 1964 a 2014– que por momentos parece darle un aire de serie televisiva, pero más allá de esos detalles mínimos es una experiencia cinematográfica de esas que se valoran por su rareza / La película de Lee –que es de origen coreano pero dirige mucho en Japón y fue responsable de títulos como VILLAIN y episodios de la serie PACHINKO— recupera un tono que es épico en su dimensión humana pero íntimo en cuanto a retrato personal. Con actuaciones excelentes de Ryo Yoshizawa como Kikuo y Ryusei Yokohama como su hermano, amigo y rival Shunsuke, y la presencia siempre dominante del gran Watanabe como el severo padre y leyenda del kabuki, KOKUHO es uno de esos grandes dramas trágicos japoneses que solían circular mucho décadas atrás. A su modo, este film no solo es un homenaje al kabuki –una forma de actuación que se aprende en tanto se vive y se sufre– sino también al cine clásico del Japón.

FOTO: “Amour Apocalypse” (Quinzena dels Cineastes – IndieWire).

D’ Anne ÉMOND, “Amour Apocalypse” / “Peak Everything”.

Producció: Quebec. Any: 2025. Durada: 1h40.

Gènere: Comèdia romàntica. Sinopsi: L’Adam, de 45 anys, és un bondadós propietari d’una gossera. Hipersensible i a la vora de la depressió, amaga les seves pors existencials al seu pare, que en defuig l’afecte, i deixa que la seva jove ajudant se n’aprofiti, de la seva bondat. Per a combatre la seva ansietat ecològica, l’Adam encarrega una làmpada solar terapèutica. A través de la línia d’assistència tècnica del proveïdor de la làmpada, coneix la Tina, una dona radiant amb una veu que calma totes les seves preocupacions. Aquesta trobada inesperada ho canvia tot: la Terra tremola i els cors exploten… És amor!

Amb: Patrick Hivon (Adam), Piper Perabo (Tina), Connor Jessup (Tom), Gord Ran (Scott),  Eric K. Boulianne (Frank).

A Canes: Quinzena dels Cineastes 2025 | En aquest blog, més informació: Quinzena-llargs.

Ressons de la projecció del film:

Diego Batlle, la crítica per a Otros Cines: Adam Tremblay (Patrick Hivon) es un freak querible, un tipo demasiado sensible para este mundo inhumano y hostil, un alma en pena que lucha contra la inseguridad, la soledad, la tristeza, la depresión y la crueldad ajena. Perfecto antihéroe, el protagonista de 45 años todavía vive con su padre Eugène (Gilles Renaud), quien lo controla, lo manipula y por momentos hasta lo desprecia (la madre murió cuando él tenía dos años). Además, Adam maneja una perrera (este es el verdadero “festival de canes”) con una joven empleada llamada Romy (Elizabeth Mageren), que se niega a cumplir con muchas de las tareas que él le pide, pero con quien mantiene algunos encuentros sexuales / Comedia romántica deforme y con personajes excéntricos, “Amour apocalypse” (lo de apocalíptico tiene que ver con que muchos esperan el fin del mundo y a cada rato hay tormentas “bíblicas”), la película escrita y dirigida por Anne Émond se complejiza aún más cuando Adam, que también sufre de “ecoansiedad” por los efectos del cambio climático, adquiere una lámpara solar terapéutica (la luminoterapia, también conocida como fototerapia, es una técnica que utiliza la luz artificial para regular el reloj biológico del cuerpo, especialmente el ritmo circadiano, se basa en la exposición controlada a fuentes de luz específicas que imitan la luz natural del sol, para tratar problemas relacionados con el sueño, el estado de ánimo y la fatiga) / En el prospecto figura un teléfono de asistencia técnica del proveedor y Adam -un “neurodivergente” que es bastante básico y literal en varios aspectos de su existencia- llama y es así como conoce a Tina (Piper Perabo), una mujer radiante y encantadora con una voz que alivia todas sus preocupaciones / No conviene adelantar nada respecto de la relación que se establecerá entre ambos, pero “Amour apocalypse” se guarda unas cuantas sorpresas y se convierte en una delirante película de enredos que por momentos me remitió a “Embriagado de amor” / “Punch-Drunk Love”, de Paul Thomas Anderson. Sí, en esa liga mayor juega Émond en un film que resulta un bálsamo frente a todos los males de este mundo.

Diego Lerer, a la crítica per a Micropsia: (..) una película que funciona de a ratos, cuando profundiza en las angustias del personaje, pero que pierde fuerza cuando intenta resolverlas mediante mecanismos probados y terapéuticos propios de la comedia romántica / (..) AMOUR APOCALYPSE, como la película se llama en francés, es bastante certera a la hora de describir las preocupaciones de su protagonista, alguien que no puede pensar en un futuro posible y que ve todo en términos apocalípticos. El problema principal del filme de Anne Émond pasa por el facilismo de linkear esa preocupación a una serie de traumas familiares y psicológicos, a su soledad y a su imposibilidad de pensar un futuro mejor para sí mismo, como si lo del estado del mundo fuera apenas una forma indirecta de elaborar otro tipo de angustias. Y si bien es cierto que puede haber conexiones entre ambos ejes (..), el problema que lo preocupa no deja de ser real. Y los propios protagonistas lo sentirán en carne propia / Película romántica mezclada con drama psicológico, film de suspenso climático combinado con una pícara comedia sexual (hay personajes secundarios que funcionan a modo de ‘comic relief’ como en un film hollywoodense tradicional), PEAK EVERYTHING no logra meterse a fondo en el tema que trata ya que prefiere utilizarlo como una suerte de raro ‘McGuffin’ que lleva al protagonista a actuar para encontrar el amor en lugar de quedarse esperando angustiado el fin del mundo. Y asume que por la vía romántica, las cosas podrán solucionarse. Ojalá así sea, pero honestamente suena un poco más complicado que eso.

Més ressons de la projecció del film⇒ Tomris Laffly, la ressenya per a Variety | Leslie Felperin, la ressenya per a The Hollywood Reporter |

SETMANA DE LA CRÍTICA DE CANES.

FOTO: “Nino” (Setmana de la Crítica).

De Pauline LOQUÈS, “Nino“.

Producció: França. Any: 2025: Durada: 1h36. Òpera prima.

Sinopsi: D’aquí a tres dies, en Nino haurà d’afrontar una gran prova. Fins aleshores, els metges li han donat dues missions. Dos imperatius que conduiran el jove a través de París, empenyent-lo a reconnectar amb els altres i amb ell mateix.

Amb: Théodore Pellerin (Nino), Salomé Dewaels, Jeanne Balibar, Younès Boucif, William Lebghil.

A Canes: Setmana de la Crítica de Canes | En aquest blog, més informació: Setmana-llargs.

Ressons de la projecció del film:

Ezequiel Boetti, la crítica per a Otros Cines: Desgarrador drama íntimo de un veinteañero tratado con sensibilidad y sutileza en este notable debut en el largometraje / Nino (Théodore Pellerin) fue al médico porque le dolía la garganta y sentía una picazón recurrente en el esófago. Piensa que es un error, porque nunca esperaba que el diagnóstico dado por la médica sea el de un tumor maligno fruto del Virus del Papiloma Humano. Si bien tiene mucho a favor para recuperarse, él, con 28 años y toda la vida por delante, deberá empezar dentro de tres días con las sesiones de radioterapia y quimioterapia / Por si fuera poco, la médica que advierte que muy probablemente las drogas lo dejen infértil, por lo que le recomienda, antes de comenzar el tratamiento, congelar una muestra de esperma para cuando quiera ser padre. Le pide, además, que alguien lo acompañe a las sesiones, un problemón cuando él no parece muy dispuesto a contarle a su madre ni a sus amigos las malas nuevas / Lo que narra la primera película de la francesa Pauline Loquès es el recorrido –dubitativo, crepuscular, cargado de tristeza y nostalgia– de Nino durante esos tres días previos. Un período con mucho de reconexión consigo mismo y con su entorno y que incluirá charlas con su madre, intentos de saber más sobre su padre fallecido, un aviso para que una ex novia chequee si tiene o no el virus, el encuentro con una ex compañera de colegio y hasta su propio cumpleaños, que transcurre como si nada / Lejos de los lugares más comunes y del dramatismo intenso de las películas sobre enfermedades, “Nino” se pega a su protagonista para acompañarlo en sus miedos y sinsabores, así como también en los breves lapsos de alegría. Cada charla adquirirá nuevos significados, un aspecto que Loquès muestra con una sensibilidad y sutileza notables y depositando toda la confianza interpretativa en Pellerin, que le imprime a su Nino un pregnante aire melancólico ante lo que podría ser el principio de su fin.

Diego Lerer, a la crítica per a Micropsia: El género «drama con enfermedad terminal» se ha vuelto una curiosa moda. Salas de cine, plataformas y festivales están llenas de películas con personajes con severas enfermedades o familiares que las tienen. En lo personal me llama la atención su popularidad pero claramente tocan algún nervio sensible y actual. Dentro de esta temática hay todo tipo de películas en cuanto a historias para contar y, obviamente, distintos resultados. NINO está entre las mejores. Toca un tema duro y difícil, sí, pero lo hace con una calidez, una ternura, una sutileza y un poder de observación que pocas veces se da / (..) Acá no hay una carrera contra el tiempo ni cálculos de probabilidades de supervivencia sino que lo que el film cuenta –un poco a la manera de CLEO DE 5 A 7, de Agnes Varda– es lo que Nino hace con la noticia a lo largo del fin de semana que tiene antes de empezar su tratamiento (..) / (..) No es NINO un film en el que el protagonista decide soltar amarras y cumplir sus deseos a sabiendas de que quizás les quede poco tiempo de vida. Nino está confundido, no logra caer y le llevará un tiempo asumir la realidad que le toca vivir, pero no tiene actitudes llamativas, ni eufóricas, ni especialmente depresivas. En un momento se enredará en unos problemas prácticos nocturnos casi de orden policial, pero ante cada situación es más un observador del comportamiento humano que otra cosa / Triste sin ser melodramática, capaz de generar merecidas y sentidas lágrimas, y con una fuerte empatía para con todos los personajes que retrata –en especial los trabajadores y médicos de la salud pública francesa–, NINO se mantiene dentro de un código de realismo puro, acumulando escenas en apariencia casuales pero que, en la situación en la que está el protagonista, cobran otro peso, ganan en intensidad dramática / No es tampoco una película sobre la muerte y lejos está de presentarse como un «canto a la vida», pero sí es una mirada humanista, profunda e inevitablemente dolorosa acerca de una persona que intenta poner la cabeza en orden antes de empezar una nueva etapa de su vida (..).

Federico Pontiggia, a la ressenya per a Cinematografo: (..) Opera prima della francese Pauline Loquès, in cartellone alla Semaine de la Critique, Nino è una sorta di Diario di un – non ancora – curato di città qui e ora, ovvero un giovane uomo diagnosticato di tumore alla gola per complicanze da papilloma virus, che tra incontri e solitudine, sconfitta ma non resa va per il mondo e per il destino con un minimalismo di disperato e timido, tenero e circospetto sentire, non scevro di umiliazioni, dolori, vorrei ma non posso / (..) Con Jeanne Balibar, Mathieu Amalric e lo straordinario protagonista Théodore Pellerin, con In the Modern World sui titoli di coda per un commiato di senso, Nino interroga sul passato (la cena con la madre), il presente (la festa di compleanno) e il futuro (l’amica ritrovata), per una grammatica sentimentale, una sintassi pudica, una narrazione salvifica – e ineluttabilmente laica / L’eponimo protagonista si fa carico del male del mondo, prendendosi – e qui la simmetria con il curato di Bresson non solo regge, ma s’affina – un cancro, ma non la disperazione: la Via crucis è sensibile, non programmatica, tantomeno religiosizzata / Nino va, e speriamo non se ne vada, prende il film e lo rende garbato e compito, assertivo e sommesso a sua immagine e somiglianza, facendo del proprio peregrinare narrazione, del proprio com-missionarsi miracolo per immagini e suoni. Ha, per dirla con Peppo Pontiggia, “simpatia per il mondo”, e noi per lui, furetto ferito, braccato dalla malattia ma non rassegnato alla morte – e nemmeno a lasciarsi vivere / Loquès dà prova di ammirabile misura, di cura e fioretto, ché tutto è preciso ma non arido, geometrico ma non sfacciato. Tutto ha il sapore della realtà, l’amarognolo della verità, e brilla negli occhi di cerbiatto di Nino, mai preda e mai predatorio delle nostre emozioni. Della nostra vita / Confidiamo in Alice Rohrwacher, presidente di giuria della Caméra d’Or al migliore esordio del festival: daje, Nino.

Luc Chessel, a la ressenya per a Libération: pendent.

Més ressons de la projecció del film: Fabien Lemercier, la crítica per a Cineuropa | A Cineuropa, entrevista de Fabien Lemercier a la directora: ”I was interested in seeing how the banality of everyday life continues in an exceptional moment of a life”.

Curtmetratges, Sessió Especial:

FOTO: “Eraserhead in a Knitted Shopping Bag” (Setmana de la Crítica).

De Lili KOSS, “Eraserhead in a Knitted Shopping Bag” / “Eraserhead dans un Filet à Provisions”.

Producció: Bulgària. Any: 2025. Durada: 0h19.

Sinopsi: Durant un estiu lent i enganxós a finals dels 90 a l’Europa de l’Est, la Ro, de 12 anys, s’embarca en una recerca per trobar una còpia pirata d’”Eraserhead”, de David Lynch. El seu recorregut, entre amistats que es disgreguen, cigarrets robats i jocs de poder de l’era VHS, es desenvolupa en un món on la infància es converteix lentament en alguna cosa diferent, i el cinema esdevé l’única escapatòria possible..

Amb: Elena Zdravkova.

A Canes: Setmana de la Crítica de Canes 2025 – Curts – Sessió Especial | En aquest blog, més informació: Setmana-curts.

FOTO: “Une Fugue” (Setmana de la Crítica).

D’ Agnès PATRON, “Une Fugue” / “To the Woods”.

Producció: França. Any: 2025. Durada: 0h15.

Sinopsi: La germana recorda que el germà tenia els ulls foscos, els cabells com els seus, les espatlles tan primes com les ales d’un ocell i que se sabia el camí cap al riu de memòria. Del germà, la germana no n’ha oblidat res.

Film d’animació.

A Canes: Setmana de la Crítica de Canes 2025 – Curts – Sessió Especial | En aquest blog, més informació: Setmana-curts.

Ressons de la projecció del film: A Le Polyester, entrevista de Nicolas Bardot a la directora: Entretien avec Agnès Patron |

FOTO: “No skate!” (Setmana de la Crítica).

De Guil SELA, “No skate!”.

Producció: França. Any: 2025. Durada: 0h24.

Sinopsi: París, Jocs Olímpics de 2024. L’Isaac és un home-sandvitx. La Cleo és una dona-sandvitx. Un dia, l’Isaac veu la Cleo llançant un monopatí a l’aigua.

Amb: Michael Zindel, Raïka Hazanavicius.

A Canes: Setmana de la Crítica de Canes 2025 – Sessió Especial | En aquest blog, més informació: Setmana-curts.

ACID CANNES.

FOTO: “Drunken Noodles” (ACID CANNES).

De Lucio CASTRO, “Drunken Noodles”.

Producció: EUA, Argentina. Any: 2025. Durada: 1h22.

Sinopsi: L’Adnan, jove estudiant d’art, arriba a Nova York per passar-hi l’estiu. Està fent unes pràctiques en una galeria on exposa un artista atípic i més gran d’edat que ja coneixia d’abans. A mesura que moments del seu passat i del seu present s’entrelliguen, una sèrie de trobades —tan artístiques com eròtiques— obren bretxes en la seva realitat quotidiana.

Amb: Laith Khalifeh (Adnan), Matthew Risch (Iggie), Joel Isaac (Yariel), Ezriel Kornel (Sal Salandra).

A Canes: ACID CANNES 2025. En aquest blog, més informació: ACID.

Ressons de la projecció del film:

Diego Batlle, la crítica per a Otros Cines: “Drunken Noodles” me hizo recordar por momentos a “El desconocido del lago”, del francés Alain Guiraudie, por más que en el film de Castro en principio lo urbano se imponga por sobre el contacto con la naturaleza y no haya un misterio policial de por medio. Lo que une a ambas películas tiene que ver con la forma natural, jamás impostada, con que se expone el deseo, se muestran los cuerpos, se describen los encuentros (casuales, efímeros o algo más estables) entre los personajes. Cine queer sin bajadas de línea, denuncias, solemnidades ni moralejas / Adnan (Laith Khalifeh), un estudiante de arte, llega a Nueva York para pasar el verano en la casa de su tío, cuidarle al gato y hacer unas prácticas en una galería donde expone un artista bastante atípico y mayor que él al que conoció en el pasado. El protagonista se obsesionará primero por un muchacho que hace delivery en bicicleta y luego por otros hombres, como el citado Iggie. De los parques de la ciudad a una cabaña en medio del bosque en la zona norte del estado de Nueva York, la sensación será la misma: las ansias de exploración y de liberación / Con un piano sonando de fondo, con pasajes visuales de genuino lirismo (lo poético aquí tiene también algo de onírico), “Drunken Noodles” es un film que a través de sus viñetas cotidianas fluye y deambula de manera impulsiva y caprichosa, sin buscar un eje preciso ni un objetivo determinado para constituirse, en definitiva, en una reflexión de espíritu lúdico y casual sobre el arte, el sexo, los viajes, la fugacidad del amor y la búsqueda de la identidad.

Olivier Lamm, la crítica per a Libération: Le superbe film de Lucio Castro sur un ­étudiant en art qui vient passer l’été à New York mêle aventures érotiques et mésaventure amoureuse / Adnan, jeune étudiant en art vient passer l’été à New York, dans l’appartement de son oncle, pour suivre un stage dans une galerie et nourrir son chat. Un jour, il se fait livrer un repas par Yariel, mystérieux cycliste au vélo high-tech serti de bidules lumineux. Les deux se draguent, fricotent, tombent peut-être amoureux. Plus tard, Yariel rend visite à Adnan dans sa galerie, qui lui fait découvrir les toiles pornographiques brodées d’un vieil artiste qu’il semble connaître. Yariel est très excité. Il invite des connaissances à venir jouir des images, et, se révélant poète, laisse à Adnan un texte éclairant, peut-être, sur ce qui vient de se passer. Mais que s’est-il passé au juste ? / Jusqu’au bout de ce film déroulé en plusieurs séquences détachées et introduites par des titres en forme d’énigmes, vraisemblablement liées entre elles, la réponse reste suspendue. Tout comme le personnage d’Adnan, protagoniste doux et gazeux dont les contours peinent à se préciser au gré de ses drôles d’aventures érotiques, ou de sa mésaventure amoureuse avec un compagnon dépressif qui ne le désire plus / Pourtant “Drunken Noodles”, filmé en séquences précises, posées, superbement photographiées, est tout sauf un fatras ou un plat de nouilles prestement sautées dans un wok et trop pimentées. Le film de Lucio Castro donne plutôt l’impression de faire défiler les pages d’un court roman rédigé en paragraphes dénués de titre, non numérotés, comme autant de précipités très crédibles d’existence résonants d’autant plus fort qu’ils se succèdent à un rythme retenu, en levant les yeux vers la mer, ou un mur vide, à chaque saut de ligne. Très beau, dans le plein comme dans le délié.

Més ressons de la projecció del film⇒ Gregory Coutaut, la crítica per a Le Polyester |

CANNES CLASSICS.

FOTO: “Más allá del olvido” (Festival de Canes).

D’ Hugo DEL CARRIL, “Más allá del olvido” / “Beyond Oblivion” / “Au-delà de l’oubli”.

Producció: Argentina. Any: 1955. Durada: 1h34.

Sinopsi: Fernando de Arellana (Hugo del Carril), un home adinerat, perd a la seva jove esposa Blanca (Laura Hidalgo), morta d’una greu malaltia, i després d’un llarg període de depressió coneix en un cabaret francès a la Mónica (interpretada també per Laura Hidalgo), que és idèntica en aspecte a la seva difunta esposa però diferent en molts aspectes. Ella i en Fernando es casen, mentre que en Luis (Eduardo Rudy), l’examant i proxeneta de la Mónica, planeja una venjança en contra d’ella per haver-lo denunciat abans d’anar-se’n.

Amb: Laura Hidalgo, Hugo del Carril, Gloria Ferrandiz, Ricardo Galache, Pedro Laxalt, Francisco López Silva.

A Canes: Festival de Canes – Cannes Classics – Còpies restaurades. En aquest blog, més informació: Cannes Classics.

FOTO: “Slauson Rec” (Festival de Canes).

De Leo Lewis O’NEIL, “Slauson Rec“.

Producció: EUA. Any: 2025. Durada: 2h25.

Sinopsi: Slauson Rec examina la fina línia entre la mentoria i la manipulació en la recerca de la creació artística dins d’un col·lectiu de teatre experimental. El 2018, Shia LaBeouf va obrir una escola d’interpretació gratuïta al Slauson Rec Center de South Central, Los Angeles. El que va començar com un taller obert i igualitari va evolucionar ràpidament en intensos assajos diaris dirigits per Shia, que van portar els participants al límit. El cineasta Leo Lewis O’Neil, que va ser present en aquest taller des del primer dia, s’ha passat tres anys documentant el complex viatge dels participants cap a l’ensenyament, la influència i l’impacte que va deixar en aquest grup divers.

Amb: Shia LaBeouf.

A Canes: Festival de Canes – Cannes Classics – Documentals sobre el cinema. En aquest blog, més informació: Cannes Classics.

Ressons de la projecció del film: Owen Gleiberman, ressenya per a Variety |

FOTOS: Alexandre Desplat (© Stephane Cardinale – Corbis) i Guillermo Del Toro (© Valery Hache – AFP).

14.00h La lliçó de música: trobada amb el compositor Alexandre Desplat i el cineasta Guillermo Del Toro.

Més informació de l’acte: Les trobades del Festival de Canes 2025.

CINEMA A LA PLATJA.

FOTO: “Palombella Rossa” (Festival de Canes).

De Nanni MORETTI, “Palombella Rossa” / “Red Wood Pigeon”

Producció: Itàlia. Any: 1989. Durada: 1h28.

Sinopsi: En Michele és un diputat comunista que perd la memòria en un accident de cotxe, tot i que ningú sembla adonar-se’n. Durant un partit de waterpolo abans del dia de les eleccions, comença a recordar la seva vida passada, revelant la imatge d’un home la crisi d’identitat personal i política del qual reflecteix la del comunisme italià. 

Amb: Nanni Moretti, Silvio Orlando, Asia Argento.

A Canes: Festival de Canes – Cinema a la platja. En aquest blog, més informació: Cinema a la platja.

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FOTO DE L’APUNT: “Magalhães” (Andergraun).

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