Club 7 Cinema

La competició de la Berlinale 2023 s’ha acabat, amb la projecció de tres altres títols, i ara és l’hora de les travesses, que solen fer els crítics acreditats al Festival i que a l’hora de la veritat coincideixen o no amb les decisions del Jurat -que, recordem-ho, enguany està presidit per l’actriu Kristen Stewart i del qual forma part Carla Simón-. Al final d’aquest apunt fais un petit repàs als films que ens diuen que estan més ben situats per guanyar premi; però, primer, mirem quines pel·lícules s’han presentat en la darrera jornada competitiva.

Competició.

Sur l’Adamant (On the Adamant), de Nicolas Philibert, producció FRança / Japó 2022. Documental.

Sinopsi: L’Adamant és un centre de dia únic. Una estructura flotant situada al Sena, al cor de París, acull adults que pateixen trastorns mentals, oferint el tipus d’atenció que els situa en el temps i l’espai i els ajuda a recuperar-se o mantenir l’ànim. L’equip que ho dirigeix intenta resistir el millor possible el deteriorament i la deshumanització de la psiquiatria.

Algunes reaccions.

Jonathan Romney, a ‘Screen International’: (..) oneja una bandera per les possibilitats positives d’un enfocament empàtic i centrat en la cultura de la cura mental. Fabien Lemercier entrevista Nicolas Philibert, a ‘Cineuropa’: “Canviar una mica la imatge i les representacions que es té sovint de la follia”. (..) una obra lluminosa, dolça i excepcionalment ajustada sobre els transtorns de l’ànima (..) “El món de la psiquiatria em sembla llunyà i proper alhora. Tinc la sensació que els malalts som gent com tu i jo” (..) “En el cas dels pacients psiquiàtrics, el que ens expliquen, la seva manera de veure el món, evidentment múltiple i diversa, ens retorna molt a nosaltres mateixos, als nostres defectes, a les nostres pròpies esquerdes” (..) “Tothom sap que el nostre sistema sanitari francès està en mal estat. En aquesta caiguda, la psiquiatria està encara pitjor, gairebé abandonada, descuidada pels poders públics, com si en el fons es tractés de què serveix curar un esquizofrènic si no hi ha retorn de la inversió, m’atreveixo a dir. En aquest context, però, afortunadament hi ha arreu equips i llocs que resisteixen, que intenten seguir fent una psiquiatria digna d’aquest nom i l’Adamant n’és un” (..) “També és un lloc preciós, que és molt important perquè en general els llocs d’atenció psiquiàtrica i els hospitals en general no són gaire alegres. Allà, els espais són preciosos, els materials són bonics, l’equip d’atenció és molt animat, molt actiu, convida a ponents, filòsofs, escriptors, cineastes, etc., i fins i tot gent a venir a fer una pel·lícula, com aquest va ser el meu cas. És, doncs, un lloc obert a la vida que té com a missió intentar donar una mica d’impuls als pacients, reorganitzar el seu vincle amb el món quan sovint es troben tancats en si mateixos, que ja no volen sortir de casa seva “(..) “També heu de saber que no em precipito amb la càmera sobre les persones quan estan enmig d’una crisi. Els pacients que veiem a la pel·lícula són en primer lloc molt lúcids sobre el seu estat de salut, les seves dificultats, la seva malaltia, i en parlen. Però no els filmo ni a ells ni als altres quan no estan bé ” (..) “Què dirien quan milloressin? Que he intentat fer un espectacle amb el seu patiment? Aquesta dimensió ètica condiciona una mica les imatges” (..) “. Fabien Lemercier n’ha escrit la crítica a ‘Cineuropa’: (..) Aquí no hi ha una distinció visual entre pacients i cuidadors, sinó un enfocament participatiu basat en l’intercanvi i el diàleg, la disposició del vaixell és favorable a les converses privades i el flux de llum, i la tranquil·litat del riu afavoreix molt la relaxació de les ments que de vegades s’agiten i els propietaris de les quals han patit considerablement al llarg de la seva vida. Perquè la malaltia mental és, per descomptat, el centre d’aquest documental que inverteix subtilment els valors mentre el cineasta trenca amb suavitat les barreres que ens separen d’aquesta bogeria, a la qual sovint tenim por instintivament com a forasters, convertint-la en una realitat humana commovedora, que es percep tan propera a nosaltres que sembla el que realment és: una simple distorsió en la percepció de la realitat. Però una vegada que es creuen certs límits i s’han navegat per certs abismes, és increïblement difícil tornar a flotar a la superfície del món… D’aquí la necessitat de llocs atractius com l’Adamant, i d’artistes il·lustrats, sensibles, sincers i sense prejudicis com Nicolas Philibert, perquè sense autèntic talent i inversió personal, les bones intencions no van gaire lluny. Després d’haver rodat la pel·lícula al vaixell al llarg d’un estiu, el director aconsegueix l’equilibri perfecte entre les perspectives exteriors i l’expressió interior, capturant moments de comunitat i explorant la vida de pacients que sovint parlen de manera molt lúcida sobre la seva debilitat i la seva solitud social. Sense emmascarar mai els pensaments errants i delirants que experimenten aquests pacients, la pel·lícula dibuixa un retrat molt respectuós i, de vegades, commovedor, que també ens fa somriure (com diu un dels protagonistes, “és graciós però també fa por”). El de Philibert és un enfocament flexible i natural, metòdic i poètic alhora, que demostra una gran comprensió humana i cinematogràfica i que estableix el contacte amb suavitat i modèstia en un entorn on cal trobar les claus adequades per connectar (“és complicat: paraules, comunicació”, “aquí, la gent té problemes d’imatge”). El cineasta aprofita aquesta proximitat, sense imposar mai el seu punt de vista, per oferir el seu missatge: la bogeria és real, però també és relativa perquè estem “junts, per bé o per mal” i alguns de nosaltres només necessitem la vida. -basses, atenció, oïda que escolta, amabilitat i llum. Jordan Mintzer, a la seva crònica a ‘The Hollywood Reporter’: (..) crònica d’un centre d’atenció de salut mental que s’ocupa específicament de les necessitats creatives dels seus pacients. El que sorgeix no és només una representació d’un tractament psiquiàtric administrat amb molta calidesa i entusiasme, sinó un retrat de diverses persones que, malgrat la seva notable discapacitat, són capaços de produir obres d’art originals i commovedores (..) Igual que els seus contemporanis Frederick Wiseman i Raymond Depardon (..) Philibert mai fa servir la veu en off o títols explicatius a les seves pel·lícules, i poques vegades inclouen entrevistes (tot i que el seu últim inclou algunes xerrades amb pacients). S’assemblen més a experiències immersives discretes (..) Philibert, que normalment fa de càmera, apunta el seu objectiu al Centre de dia l’Adamant, un centre psiquiàtric flotant al centre de París on els pacients participen en activitats com cuinar, dibuixar, pintar, agafar llibres i fer música, així com realitzar tasques bàsiques com fer funcionar la caixa registradora. En ser a França, el Centre també té la seva pròpia cafeteria, així com un cineclub on es projecten i es discuteixen pel·lícules de Federico Fellini, Abbas Kiarostami i Woody Allen (..) La ubicació de la barcassa és sens dubte una part important d’això: ancorat a prop de la Gare de Lyon, és a poca distància a peu del Louvre, el Museu d’Orsay i la Bibliothèque Nationale, així com d’altres institucions famoses. Per als pacients que habiten aquesta part de la ciutat, o que es desplacen a la ciutat per rebre tractament, es troben al bell mig d’un dels epicentres culturals més grans del món. Sembla que la creació els resulta tan natural com fer-hi surf per a algú de Malibu o fer banca per a algú de Ginebra, i fins i tot si no són necessàriament aptes per a la vida laboral normal, són aptes per ser artistes. De vegades s’allunyen de les seves activitats per dirigir-se directament a la càmera, i comencem a entendre com de preocupats o traumatitzats estan realment. Però fins i tot aquests monòlegs tenen un to poètic, per no parlar d’una bona quantitat d’humor i autocrítica, que ens obliga a mirar més enllà de les condicions diagnosticades dels pacients per veure els individus que s’amaguen darrere (..). Sergi Sánchez, a Facebook: (..) Philibert, que ja havia freqüentat la clínica psiquiàtrica de La Borde a “La moindre des choses” (1997), escolta atentament els pacients habituals del centre, observa com participen en les activitats i tallers, i atén els debats amb els cuidadors per a , finalment, construir el retrat d’una comunitat que ha trobat un espai on expressar-se lliurement, allunyada dels prejudicis duna societat que tendeix a marginar, espantada, tot el que associa a les patologies mentals. És fàcil comparar l’estil documental de Philibert amb el de Frederic Wiseman, encara que el director de “Ser y tener” és menys ambiciós quant a la delimitació del seu camp de treball. Fa la impressió que, si Wiseman entén les institucions com un organisme viu, mutant, sempre en expansió, Philibert les redueix a un microcosmos que representa una qüestió social que el preocupa (..) Si al començament de “Sur l’Adamant”, l’espectador pot tenir dubtes sobre si Philibert està explotant els seus objectes d’estudi, no trigarà gaire a convèncer-se -en veure també el tarannà democràtic dels debats entre malalts i cuidadors- que la presència de la càmera cercarà sempre la imatge justa de les seves confessions, apropant l’oïda sense envair-ne l’espai. Fer cinema, és clar, també és saber escoltar.

Art College 1994, de Liu Jian, producció la Xina 2023. Film d’Animació.

Sinopsi: A la dècada dels noranta del segle passat, un grup d’estudiants del campus de l’Acadèmia de les Arts del Sud de la Xina segueix els seus estudis i es prepara per afrontar el món. La Xina s’obre a Occident i la vida dels estudiants és un embolic d’històries d’amor i amistats, investigacions artístiques, ideals i ambicions provocades per noves influències. Atrapats entre la tradició i la modernitat, han de decidir què volen ser.

Algunes reaccions.

Xavi Serra, a la seva crònica al diari ‘Ara’: (..) La pel·lícula té aquella proximitat amb els personatges que emana dels relats autobiogràfics, però no la distància suficient per fer interessants les seves peripècies sentimentals i la quotidianitat de la vida de campus. Però el menys atractiu del film és el desinterès de la pel·lícula pels recursos expressius de l’animació, optant per una narració plana i literal (..). I a Twitter també diu, comparant aquest film amb “Suzume”: (.. ) en qüestió de cinema d’animació, el Japó segueix anys llum per davant de la Xina. Wendy Ide, a ‘Screen International’: (..) enfila afectuosament les pretensions juvenils dels aspirants a artistes [però] permet als estudiants un espai massa generós per a pontificar. Leslie Felperin, a la seva crítica a ‘The Hollywood Reporter’: “Art College 1994″, una llesca del realisme social còmic i trist de l’animador xinès Liu Jian (“Have a Nice Day”), ofereix una prova tranquil·litzadora que, tot i que les especificitats culturals poden donar forma a les tradicions artístiques, i la moda i els gustos fluctuen, els estudiants d’art són bàsicament iguals i sempre ho han estat: descuidats, idealistes i propensos a fer gofres pretensiosos, sobretot quan van lubricats amb alcohol. Però també, almenys basant-nos en l’evidència dels personatges d’aquí, raonablement entranyables amb els seus somnis ingenus de fer un treball significatiu en un món on de vegades sembla que tot ja està fet. Tingueu en compte que d’altres només volen conèixer parelles romàntiques, guanyar diners d’alguna manera i potser algun dia anar-se’n a l’estranger. Fa l’efecte que aquest treball suaument serpentejant, semblant a un quadern de dibuixos, és conscient dels seus propis precedents cinematogràfics. Sens dubte, sembla patir una ansietat d’influència mentre intenta obrir-se un espai en algun lloc de la regió de les melancòliques històries d’amor d’Eric Rohmer, les històries de conjunt de Richard Linklater i els cineastes xinesos semi-undergrounds de la sisena generació com Jia Zhangke (..). Sergi Sánchez, a Facebook: (..) “Art College 1994”, pretén fer un retrat de la joventut del seu país en un temps de canvi, durant el qual la dictadura comunista pren la velocitat de creuer del consumisme capitalista (..) Liu Jian, que ja va concursar a la Berlinale amb “Have a Nice Day” (2017), signa una pel·lícula ingènua i discursiva, i ens fa somiar amb la meravella que podria haver fet amb aquest material un Richard Linklater. José Luís Losa, a la seva crònica a ‘La Voz de Galícia’: (..) és prehistòria de l´animació. I resulta tan bàsica en la seva execució tècnica com carregant en el reiteratiu discurs pueril sobre teories de l’art i filosofia molt fidels a la inanitat crítica i intel·lectual que tolera el règim xinès. Comença amb una presumptuosa cita del ‘Retrat de l’artista adolescent de Joyce’. Però el nivell no arriba a preescolar.

Bis ans Ende der Nacht (Till the End of the Night), de Christoph Hochhäusler , producció Alemanya 2023, amb Timocin Ziegler, Thea Ehre, Michael Sideris.

Sinopsi: En Robert porta una jaqueta de cuir i du els cabells bastant llargs. De cap manera és el policia normal que us podeu imaginar, almenys no del tipus que es troba a la majoria de pel·lícules alemanyes. Com a investigador encobert, té l’encàrrec de guanyar-se la confiança d’un criminal, en Víctor, fingint una relació amb la Leni, que ha quedat en llibertat condicional per a seguir-li el joc. Se les engiponen per a contactar amb en Víctor en una classe de ball: en Robert i la Leni -el gai, ella trans- formen una gran parella i aviat tenen el criminal enganxat. O és ell qui els ha atrapat? I, en definitiva, no hi ha més sentiments en joc en aquesta suposadament falsa història d’amor?

Algunes reaccions.

Sergi Sánchez, a Facebook: (..) l’alemany Christoph Hochhäusler aborda el thriller d’infiltrats des de la història d’amor i odi, és clar tòxics, entre un policia gai i un noi trans. De vegades sembla que aquesta relació, que aspira a tenir ressons fassbinderians, devora la trama detectivesca, destinada a desemmascarar un traficant de drogues, i de vegades passa el contrari. La pel·lícula és més indecisa que ciclotímica, i el resultat és sens dubte difús, fins al punt que sembla víctima de la transfòbia que pretén denunciar. David Rooney, a la seva crítica a ‘The Hollywood Reporter’: Una història d’amor queer i criminal s’enfronta a una trama poc sòlida (..) Per a una pel·lícula que es basa en enganys, traïcions i lleialtats inesperades, “Till the End of the Night” té una intriga alarmantment baixa. El drama criminal de Christoph Hochhäusler gira al voltant d’un policia encobert [gai] acompanyat d’una dona trans en llibertat anticipada per infiltrar-se en una xarxa de distribució de drogues en línia i la seva relació amb cortina de fum queda posada a prova pels persistents sentiments d’ell envers la persona que ella era abans de la transició. Això semblaria proporcionar una base prometedora per explorar les línies complicades de la identitat de gènere i els camins recargolats de l’amor. Però aquesta mescla poc persuasiva de melodrama i suspens mai no genera cap vapor, el que significa que no funciona en cap dels dos modes (..) Els cineastes agrupats sota aquesta bandera [l’Escola de Berlín] només hi estan ‘afiliats’ de manera vaga, però en la mesura en què comparteixen un estil (..), probablement es podria descriure com un realisme estètic i d’investigació psicològica. Només una part d’això s’aplica a “Till the End of the Night”, que colpeja les textures sorrenques del neo-noir i aconsegueix els posats de gènere requerits, però poques vegades ofereix gaire accés emocional als seus personatges. Parlen dels seus sentiments, o més sovint es barallen per ells, però d’alguna manera mai no aconsegueixen transmetre els nuosos i arrelats llaços romàntics que fan que la mascarada professional de la seva relació estigui tan plena de complicacions (..) El guió de Florian Plumeyer està tan ocupat elaborant les mentides necessàries per guanyar-se la confiança de l’objectiu criminal dels protagonistes que la veritat es torna massa vaga per preocupar-se’n (..). José Luís Losa, a la seva crònica a ‘La Voz de Galícia’: La seva primera part s’avé al que és una pel·lícula de gènere. Però el seu guió desmanegat va derivant cap al melodrama i enmig del despropòsit emocional, en què el policia porta malament la seva homosexualitat i el gàngster acaba sent sacrificat col·lega, conclou tot això en un desfet de temps important.

Les travesses dels premis de la Berlinale 2023.

Diuen que, de favorita, n’és “Tótem”, de la mexicana Luisa Avilés:

Tótem, de Lila Avilés , producció de Mèxic / Dinamarca / França 2023, amb Naíma Sentíes, Monserrat Marañon, Marisol Gasé, Saori Gurza, Teresita Sánchez

World premier | RESSONS.

Sinopsi: Una gran casa on, al llarg d’un llarg dia, familiars i amics es reuneixen per a un doble ritual: és l’aniversari del jove pare i pintor Tona, però com probablement serà el seu darrer, és també una cerimònia de comiat. També hi ha dualitat a l’ànima de la pel·lícula, amb el frenesí dels preparatius i l’espontaneïtat de la celebració que amaga la dimensió profundament arcaica i espiritual del títol. El cos afeblit de Tona és inicialment invisible, protegit en una habitació on intenta reunir les forces necessàries per a la cerimònia humanista en què rebrà tot l’amor i l’afecte necessaris per afrontar el seu darrer viatge.

I també es dona per fer que algun reconeixement tindrà “Afire”, de l’alemany Christian Petzold:

Roter Himmel (Afire), de Christian Petzold , producció Alemanya 2023, amb Thomas Schubert, Paula Beer, Langston Uibel, Enno Trebs, Matthias Brandt.

World premiere | RESSONS.

Sinopsi: En Leon i en Fèlix tenien previst passar l’estiu junts en una casa de vacances a la costa del Bàltic. Volien ser-hi com a amics, però també per treballar: un, en el seu segon llibre; l’altre, muntant la seva carpeta d’art. Però la Nadja i el Devid també hi són, i porten moltes vibracions positives amb ells. Quatre joves experimentant amb l’amor, encara que això no li resulti fàcil a en Leon. El seu manuscrit inacabat el persegueix allà on va, ja sigui a la casa d’estiueig o a la platja. El bon humor dels altres sovint fa que el seu caigui en picat. La visita de l’editor és imminent. Però, quan aquest últim arriba amb el seu petit cotxe enginyós, el bosc comença a cremar. Plou cendra, el cel es torna vermell i una relació-drama que fusiona intensitat física i sublimació artística pren un gir cap a una nova dimensió.

Tot i que ha picat molt i molt fort “Past Lives”, de Celine Song -que, després de moltes negociacions, ja té distribuïdora al mercat espanyol-:

Past Lives, de Celine Song, producció USA 2022, amb Greta Lee, Teo Yoo, John Magaro

International premiere | Debut film | RESSONS.

Sinopsi: La Nora i en Hae Sung, dos amics de la infància molt connectats, se separen quan la família de la Nora emigra de Corea del Sud. Dues dècades més tard, en Hae Sung decideix visitar la Nora durant uns dies a Nova York, on viu amb el seu marit americà, l’Arthur. L’una davant de l’altre, com els fantasmes d’una vida no viscuda, confronten nocions de destí, amor i eleccions que constitueixen una vida. 

Més discrepàncies hi ha al voltant del melodrama “THe Shadowless Tower”, del xinès Zhang Lu:

Bai Ta Zhi Guang (The Shadowless Tower / Der schattenlose Turm), de Zhang Lu, producció la Xina 2022, amb Xin Baiqing, Huang Yao, Tian Zhuangzhuang, Nan Ji, Wang Hongwei.

World premiere | RESSONS.

Sinopsi: En Gu Wentong és un crític gastronòmic divorciat, amb una filla a qui ha organitzat que la criï la seva germana. Per un incident que va destrossar la família, no ha tingut cap contacte amb el seu pare des que era petit. Un dia, s’assabenta que el seu pare viu sol a Beidaihe, un poble costaner a 300 quilòmetres al nord-est de Pequín. Sentint encara un gran rancor, en Wentong es resisteix a visitar el seu pare, “deshonrat”. Mentrestant, comença una relació amb una companya més jove, la fotògrafa Ouyang Wenhui, que també és de Beidaihe. Sovint es troben a la zona propera a la Pagoda Blanca i visiten els restaurants locals junts. Aleshores, en Wentong comença a reconsiderar els seus papers a la vida com a pare, fill i amant.

I, esclar, ni que sigui per la gran ovació que se’n va endur el dia de la projecció i també per allò que hi ha la Carla Simón al Jurat i s’hi han vist semblances amb “Alcarràs” -triomfadora a Berlín l’any passat-, hi ha qui no descarta algun tipus de reconeixement a “20.000 especies de abejas”, d’Estíbaliz Urresola Solaguren:

20.000 especies de abejas (20,000 Species of Bees), d’ Estibaliz Urresola Solaguren, coproducció basco-catalana, amb Sofía Otero, Patricia López Arnaiz, Ane Gabarain, Itziar Lazkano, Sara Cózar.

World premiere | RESSONS.

Sinopsi: la Cocó és una nena de vuit anys que no encaixa amb les expectatives de la resta i no entén per què. Tothom al voltant seu insisteix a dir-li Aitor, però no es reconeix en aquest nom ni en la mirada dels altres. La seva mare, Ane, que passa per una crisi professional i sentimental, aprofitarà les vacances per a viatjar amb els seus tres fills a ca la mare, on viu també la seva tia Lourdes, estretament lligada a la cria d’abelles i la producció de mel. Aquest estiu que canviarà les seves vides obligarà aquestes dones de tres generacions molt diferents a enfrontar-se als dubtes i els temors, i, sobretot, a Ane a ser per fi honesta amb si mateixa.

Us ha agradat aquest article? Compartiu-lo!